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Konzertdetails
A-TRANE PRESENTS: JULIA HÜLSMANN QUARTETT «CHANGING TO SUMMERTIME» JULIA HÜLSMANN QUARTETT Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen
Konzertdetails
A-TRANE PRESENTS:
JULIA HÜLSMANN QUARTETT
«CHANGING TO SUMMERTIME»
JULIA HÜLSMANN QUARTETT
Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen Stil. 2017 erschien das Album « Sooner and Later» (ECM). Für ihr siebtes Album bei ECM hatte die Pianistin eine neue Klangfarbe vor Augen, die Uli Kempendorff am Tenorsaxophon beisteuert. Mit seinem eigenen Formationen eher in der Avantgarde zuhause, verbieten jedoch Kempendorffs offener Geist und seine Neugier jedes Schubladendenken und jede Einordnung. Er ergänzt das Trio mit der kantigen und herben Schönheit seines Ton so gut, dass man meinen könnte, dieses Quartett hat schon immer so bestanden. Julia Hülsmann hat es wieder geschafft, sich gleichzeitig treu zu bleiben und ihren Bandsound auf ein neues Level zu heben. Was für eine freude, Zeuge dieser permanenten Transformation und Weiterentwicklung zu sein.
Hört man das neue Album des Julia Hülsmann Quartetts (VÖ 26.8.2022, ECM), drängt sich vor dem inneren Auge genau dieses Bild auf: vier durch ein starkes Band verbundene Teile, die in ihrer Bewegung dennoch frei und eigenständig sind, ohne aber den großen Zusammenhalt zu verlieren.
Das preisgekrönte Quartett der Pianistin und Komponistin – gleich für das erste Album „Not Far From Here“ gab es 2021 den Deutschen Jazzpreis für das beste Instrumentalalbum (national) – erreicht mit dem Nachfolger „The Next Door“ auch das nächste Level. Schwärmte man schon für den Quartett-Erstling, staunt man nun wie grazil und doch kraftvoll, wie transparent und auch dicht, wie minimalistisch und gleichzeitig komplex und vor allem wie vielfältig in kompositorischer und energetischer Hinsicht so ein Quartettalbum gelingen kann.
Unprätentiös. Das ist das Erste, was auf- und einfällt, wenn man The Next Door in das Abspielgerät seiner Wahl legt. Dann: Organisch. Als müsse hier jeder Ton, jeder Klang, von Natur aus genau so sein, wie er ist. Und: Offen. Denn das ist dieses Quartett, ein um Julia Hülsmann (Klavier), Marc Muellbauer (Bass) und Heinrich Köbberling (Schlagzeug) gewachsenes Trio eigentlich, das seit neunzehn Jahren zusammen spielt und schon immer gern den einen oder anderen Gast zum Mittun eingeladen, aber erst durch Tenorsaxophonist Uli Kempendorff zu einer echten Quartettform gefunden hat.
«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
Rondo
«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
Weltwoche, Rüedi
JULIA HÜLSMANN – PIANO
ULI KEMPENDORFF – SAXOPHONE
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS
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JULIA HÜLSMANN – PIANO
ULI KEMPENDORFF – SAXOPHONE
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS
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Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen Stil. 2017 erschien das Album « Sooner and Later» (ECM). Für ihr siebtes Album bei ECM hatte die Pianistin eine neue Klangfarbe vor Augen, die Uli Kempendorff am Tenorsaxophon beisteuert. Mit seinem eigenen Formationen eher in der Avantgarde zuhause, verbieten jedoch Kempendorffs offener Geist und seine Neugier jedes Schubladendenken und jede Einordnung. Er ergänzt das Trio mit der kantigen und herben Schönheit seines Ton so gut, dass man meinen könnte, dieses Quartett hat schon immer so bestanden. Julia Hülsmann hat es wieder geschafft, sich gleichzeitig treu zu bleiben und ihren Bandsound auf ein neues Level zu heben. Was für eine freude, Zeuge dieser permanenten Transformation und Weiterentwicklung zu sein.
Hört man das neue Album des Julia Hülsmann Quartetts (VÖ 26.8.2022, ECM), drängt sich vor dem inneren Auge genau dieses Bild auf: vier durch ein starkes Band verbundene Teile, die in ihrer Bewegung dennoch frei und eigenständig sind, ohne aber den großen Zusammenhalt zu verlieren.
Das preisgekrönte Quartett der Pianistin und Komponistin – gleich für das erste Album „Not Far From Here“ gab es 2021 den Deutschen Jazzpreis für das beste Instrumentalalbum (national) – erreicht mit dem Nachfolger „The Next Door“ auch das nächste Level. Schwärmte man schon für den Quartett-Erstling, staunt man nun wie grazil und doch kraftvoll, wie transparent und auch dicht, wie minimalistisch und gleichzeitig komplex und vor allem wie vielfältig in kompositorischer und energetischer Hinsicht so ein Quartettalbum gelingen kann.
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Konzertdetails
Christoph Titz & Band «Walking The Corner» FEAT: Rolf Langhans-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido Das 4tet von Christoph Titz präsentiert Musik größtenteils von seinem wunderbaren Doppelalbum Album «Walking The Corner»,
Konzertdetails
Christoph Titz & Band
«Walking The Corner»
FEAT: Rolf Langhans-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido
Das 4tet von Christoph Titz präsentiert Musik größtenteils von seinem wunderbaren Doppelalbum Album «Walking The Corner», das Ende 2023 erschienen ist.
Gedanken, Stimmungen, Beats, Songs, Improvisationen, die alle inspiriert sind von den teils langen Spaziergängen in der Lockdownzeit, aber durch dieses intensive Bewusstsein aktuell und letztlich für die großartige und gefeierte Spielfreude seiner Band verantwortlich sind. Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell, unterhaltsam. Das sind einige mögliche Beschreibungen der Musik von Christoph Titz & Band.
Leszek Kulakowski vom Komeda Jazzfestival 2022 in Polen schrieb:
«Das gestrige Konzert von Christoph Titz seiner Band hat uns verzaubert und nahm das Publikum mit auf eine fröhliche, lächelnde, intensive Liebesreise. Sie spielten mit unbändiger Energie, totaler Kraft und mit großer Freude an die Musik. So eine fantastische Band. Der chilenische Schlagzeuger Alfonso Garrido hat mich mit seiner Instrumentalarbeit und Präzision von den Füßen geholt, und ich habe viel Großartiges in meinem Leben gehört. Alfonso – ein absoluter Virtuose, er pulsierte brillant mit dem Rhythmus und unterhielt das Publikum mit dem Klang seiner Instrumente. Leader Chris war in Topform, lächelnd, glücklich. Ich kann persönlich sagen, dass Chris seit vielen Jahren in Polen und die polnischen Menschen verliebt ist. Er ist ein “Slawischer Deutscher” mit einer romantischen Seele. Auch der Keyboarder und der Bassist, großartige Musiker, sprechen mit ihren Instrumenten und ihren Sounds, kommunizieren miteinander. Ein Fest für Körper & Seele. Wer nicht teilgenommen hat, wird es bereuen».
Christoph Titz – Trumpet / Flugelhorn
Rolf Langhans – Keyboards
Juan Camillo Villa – Bass
Alfonso Garrido – Drums / Percussion
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MUSIKER
Christoph Titz – Trumpet / Flugelhorn
Rolf Langhans – Keyboards
Juan Camillo Villa – Bass
Alfonso Garrido – Drums / Percussion
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Christoph Titz & Band
«Walking The Corner»
FEAT: Rolf Langhans-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido
Das 4tet von Christoph Titz präsentiert Musik größtenteils von seinem wunderbaren Doppelalbum Album «Walking The Corner», das Ende 2023 erschienen ist.
Gedanken, Stimmungen, Beats, Songs, Improvisationen, die alle inspiriert sind von den teils langen Spaziergängen in der Lockdownzeit, aber durch dieses intensive Bewusstsein aktuell und letztlich für die großartige und gefeierte Spielfreude seiner Band verantwortlich sind. Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell, unterhaltsam. Das sind einige mögliche Beschreibungen der Musik von Christoph Titz & Band.
Leszek Kulakowski vom Komeda Jazzfestival 2022 in Polen schrieb:
«Das gestrige Konzert von Christoph Titz seiner Band hat uns verzaubert und nahm das Publikum mit auf eine fröhliche, lächelnde, intensive Liebesreise. Sie spielten mit unbändiger Energie, totaler Kraft und mit großer Freude an die Musik. So eine fantastische Band. Der chilenische Schlagzeuger Alfonso Garrido hat mich mit seiner Instrumentalarbeit und Präzision von den Füßen geholt, und ich habe viel Großartiges in meinem Leben gehört. Alfonso – ein absoluter Virtuose, er pulsierte brillant mit dem Rhythmus und unterhielt das Publikum mit dem Klang seiner Instrumente. Leader Chris war in Topform, lächelnd, glücklich. Ich kann persönlich sagen, dass Chris seit vielen Jahren in Polen und die polnischen Menschen verliebt ist. Er ist ein “Slawischer Deutscher” mit einer romantischen Seele. Auch der Keyboarder und der Bassist, großartige Musiker, sprechen mit ihren Instrumenten und ihren Sounds, kommunizieren miteinander. Ein Fest für Körper & Seele. Wer nicht teilgenommen hat, wird es bereuen».
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DOMINIC MILLER ECM RECORDS NEW ALBUM «VAGABOND» ON TOUR 2024 Dominic Miller, wider known as Sting’s trusty side-kick guitarist, is also a very successful solo artist having released 12 albums under
Konzertdetails
DOMINIC MILLER
ECM RECORDS NEW ALBUM «VAGABOND»
ON TOUR 2024
Dominic Miller, wider known as Sting’s trusty side-kick guitarist, is also a very successful solo artist having released 12 albums under his own name.
Bandleader Miller enjoys an enviable reputation both in the professional world of music and amongst music fans everywhere.
Born in Buenos Aires to an American father and a Irish mother he studied guitar at Boston’s prestigious Berklee College and the London Guildhall School of Music. He’s been a sought after session musician since the late 80s and his list of engagements defy categorisation but includes collaborations with Phil Collins, The Chieftains, Eddi Reader, Katie Melua, Bryan Adams, Paul Young, Nigel Kennedy, Peter Gabriel, and Tina Turner, to name a few.
Dominic Miller has been involved in every Sting album since the 1991 album “The Soul Cages” and performed over a thousand concerts with the former “Police” singer as well as co-written hit songs such as “Shape Of My Heart” and “La Belle Dame Sans Regrets”.
Now with his new album “Vagabond” he will be adding another highlight to his solo discography. Recorded at studio “La Buissonne” in the South of France with world- class musicians – Ziv Ravitz on drums, Nicolas Fiszman on bass and Jacob Karlzon on piano, he has crafted a fascinating sound mixture of Jazz, Pop, Acoustic Folk, Contemporary Classical and Latin elements. “Vagabond” combines all those styles producing something entirely new. An appropriate genre term for such a symbiosis doesn’t yet exist but we feel it soon will.
Dominic Miller will be touring this fascinating line-up in 2024.
Dominic Miller – Guitar
Ziv Ravitz – Drums
Nicolas Fiszman – Bass
Jason Rebello– Piano
Foto©Christoph Bombart
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MUSIKER
Dominic Miller – Guitar
Ziv Ravitz – Drums
Nicolas Fiszman – Bass
Jason Rebello– Piano
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Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen Stil. 2017 erschien das Album « Sooner and Later» (ECM). Für ihr siebtes Album bei ECM hatte die Pianistin eine neue Klangfarbe vor Augen, die Uli Kempendorff am Tenorsaxophon beisteuert. Mit seinem eigenen Formationen eher in der Avantgarde zuhause, verbieten jedoch Kempendorffs offener Geist und seine Neugier jedes Schubladendenken und jede Einordnung. Er ergänzt das Trio mit der kantigen und herben Schönheit seines Ton so gut, dass man meinen könnte, dieses Quartett hat schon immer so bestanden. Julia Hülsmann hat es wieder geschafft, sich gleichzeitig treu zu bleiben und ihren Bandsound auf ein neues Level zu heben. Was für eine freude, Zeuge dieser permanenten Transformation und Weiterentwicklung zu sein.
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Das preisgekrönte Quartett der Pianistin und Komponistin – gleich für das erste Album „Not Far From Here“ gab es 2021 den Deutschen Jazzpreis für das beste Instrumentalalbum (national) – erreicht mit dem Nachfolger „The Next Door“ auch das nächste Level. Schwärmte man schon für den Quartett-Erstling, staunt man nun wie grazil und doch kraftvoll, wie transparent und auch dicht, wie minimalistisch und gleichzeitig komplex und vor allem wie vielfältig in kompositorischer und energetischer Hinsicht so ein Quartettalbum gelingen kann.
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«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
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«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
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Bandleader Miller enjoys an enviable reputation both in the professional world of music and amongst music fans everywhere.
Born in Buenos Aires to an American father and a Irish mother he studied guitar at Boston’s prestigious Berklee College and the London Guildhall School of Music. He’s been a sought after session musician since the late 80s and his list of engagements defy categorisation but includes collaborations with Phil Collins, The Chieftains, Eddi Reader, Katie Melua, Bryan Adams, Paul Young, Nigel Kennedy, Peter Gabriel, and Tina Turner, to name a few.
Dominic Miller has been involved in every Sting album since the 1991 album “The Soul Cages” and performed over a thousand concerts with the former “Police” singer as well as co-written hit songs such as “Shape Of My Heart” and “La Belle Dame Sans Regrets”.
Now with his new album “Vagabond” he will be adding another highlight to his solo discography. Recorded at studio “La Buissonne” in the South of France with world- class musicians – Ziv Ravitz on drums, Nicolas Fiszman on bass and Jacob Karlzon on piano, he has crafted a fascinating sound mixture of Jazz, Pop, Acoustic Folk, Contemporary Classical and Latin elements. “Vagabond” combines all those styles producing something entirely new. An appropriate genre term for such a symbiosis doesn’t yet exist but we feel it soon will.
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Dominic Miller has been involved in every Sting album since the 1991 album “The Soul Cages” and performed over a thousand concerts with the former “Police” singer as well as co-written hit songs such as “Shape Of My Heart” and “La Belle Dame Sans Regrets”.
Now with his new album “Vagabond” he will be adding another highlight to his solo discography. Recorded at studio “La Buissonne” in the South of France with world- class musicians – Ziv Ravitz on drums, Nicolas Fiszman on bass and Jacob Karlzon on piano, he has crafted a fascinating sound mixture of Jazz, Pop, Acoustic Folk, Contemporary Classical and Latin elements. “Vagabond” combines all those styles producing something entirely new. An appropriate genre term for such a symbiosis doesn’t yet exist but we feel it soon will.
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Wulff/Paravicini/Coburger Trio In neue, phantastische Sphären abtauchen, das tun Musiker*innen und Zuhörer*innen des Ensembles Phenomena gleichermaßen. Friedrich Paravicini am Ondes Martenot (einem dem Theremin verwandten Instrument aus der Frühgeschichte der elektronischen
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Wulff/Paravicini/Coburger
Trio
In neue, phantastische Sphären abtauchen, das tun Musiker*innen und Zuhörer*innen des Ensembles Phenomena gleichermaßen.
Friedrich Paravicini am Ondes Martenot (einem dem Theremin verwandten Instrument aus der Frühgeschichte der elektronischen Musik) und Cello, Gabriel Coburger an Saxophon, Bassklarinette und Flöte, und Lisa Wulff am Kontrabass und Sopranbass laden ein in eine Klangwelt zwischen Filmmusik und Freejazz – melodiös, mystisch, energiegeladen und voller Überraschungen.
Kompositorische Fragmente, die immer wieder neu gemischt und zusammengesetzt werden, Neuartige Klangkollagen, die sich in vertraute Klänge auflösen, oder in weltraumartigen Sphären verlieren.
Friedrich Paravicini – Ondes Martenot / Cello
Gabriel Coburger – Saxophon / Bassklarinette / Flöte
Lisa Wulff – Kontrabass / Sopranbass
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Friedrich Paravicini – Ondes Martenot / Cello
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Karolina Strassmayer & Drori Mondlak – KLARO! CD Release «Speak Your Truth» FEAT: DAVID FRIEDMAN & OLIVER POTRATZ «To speak your truth is to connect with true feelings and
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Karolina Strassmayer & Drori Mondlak – KLARO!
CD Release «Speak Your Truth»
FEAT: DAVID FRIEDMAN & OLIVER POTRATZ
«To speak your truth is to connect with true feelings and expressing them in the purest way possible. Our mission is the creation of spontaneous, raw beauty, lyricism and melody, while being in the moment».
KLARO! verbindet die Lyrik der europäischen Klassik und Folklore mit der rhythmischen Kraft des amerikanischen Jazz und der harmonischen Raffinesse der zeitgenössischen Musik. Der musikalische Bogen spannt sich von kraftvoll, spritzigen Grooves zu poetischen Balladen und explosivem Swing. Egal in welchem Genre sich die Musiker von KLARO! bewegen, ihre Musik ist stets voller Passion, Neugier und Lebenslust.
Von den Lesern des amerikanischen Jazzmagazins Downbeat wurde die Ausnahmemusikerin Karolina Strassmayer mehrmals unter die weltweit fünf besten Altsaxophonisten gewählt. Sie erspielte sich eine ausgezeichnete Reputation in der New Yorker Jazzszene und ist seit 2004 die erste Frau in der mit mehreren Grammys ausgezeichneten WDR Big Band Köln.
Drori Mondlak ist einer der herausragenden Jazz-Schlagzeuger und Bandleader. Seine eklektische Arbeit in mehr als zwanzig Jahren in New York haben Mondlak mit Jazzgrößen wie Frank Foster, Joe Williams, Chris Potter und Ernestine Anderson zusammengeführt. Mondlak ist auch in der europäischen Jazzszene angekommen und spielte mit Lee Konitz, Sonny Fortune, Barbara Dennerlein, David Friedman, Lynne Arriale und Nicolas Simion.
«A drummer of extreme subtlety and melodic refinement that reminds me of Roy Haynes in his best moments.»
Arnaldo Desouterio
David Friedman ist einer der einflussreichsten Vibraphonisten, Komponisten und Jazzpädagogen. Er spielte mit Leonard Bernstein, Bobby McFerrin, Wayne Shorter, Joe Henderson, Horace Silver, Ron Carter u. v. a. In 2007 wurde er mit einem Lifetime Achievement Award ausgezeichnet. David Friedman ist ein Meister des Vibraphons und ein Musiker mit Herz und Seele.
Der amerikanische Bassist und Bandleader Josh Ginsburg spielte mit Kurt Rosenwinkel, Greg Osby, Mulgrew Miller u. v. a. Seine aktuelle CD wurde von New York City Jazz zum Album des Jahres gekürt und sein Spiel beschreibt die Jazzpresse als “vigorously fresh” und “a rock of counterpoint, funk and swing.”
Gemeinsam präsentieren die vier unbändigen Klangmaler Strassmayers neue Kompositionen und Improvisationen, stets geprägt von lyrischer Schönheit, nahezu telepathischer Kommunikation und rhythmischem Drive.
«This international group’s blend of consistent quality and adventurousness give it staying power. One of the most interesting alto saxophonists of her generation, Strassmayer has absorbed, internalized and personalized what John Coltrane gave to jazz and often evokes him purely on the power of her tone and inflection»
Doug Ramsey – Rifftides, Arts Journal
Karolina Strassmayer – Altsaxophon, Flöte, Altflöte
Drori Mondlak – Schalgzeug
David Friedman – Vibraphon
Oliver Potratz – Kontrabass
Foto Karolina/Drori© Elmar Petzold
Foto Karolina© Helge Strauss
Foto Drori© Andre Syman
Foto David© Gerhard Richter
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Drori Mondlak – Schalgzeug
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Josh Ginsburg – Kontrabass
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MIKE RUSSELL «FUNKY SOUL KITCHEN» FEAT: SIR CHARLES WILLIAMSON-DICARLO-LIONEL HAAS Mike Russell wurde 1952 in Washington D.C. geboren und begann schon früh, klassische und Flamenco-Gitarre zu lernen. Seine professionelle Karriere begann in den 60er
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MIKE RUSSELL
«FUNKY SOUL KITCHEN»
FEAT: SIR CHARLES WILLIAMSON-DICARLO-LIONEL HAAS
Mike Russell wurde 1952 in Washington D.C. geboren und begann schon früh, klassische und Flamenco-Gitarre zu lernen. Seine professionelle Karriere begann in den 60er Jahren mit Soul- und Bluesbands.
Schon früh interessierte er sich für das Schreiben und Komponieren von Songs, und diese kreative Seite führte zu einigen Studioarbeiten bei Columbia Records als Gitarrist und Komponist.
Das Jahr 1970 war seine erste Plattenveröffentlichung als Komponist und der Titel „Black Woman“ wurde von der für einen Grammy nominierten Gloria Taylor aufgenommen und gipfelte in einer US-Tournee.
Im Jahr 1972 trat seine eigene Jazz-Rock-Gruppe „Water Forest“ mit Andy Warhol im Kennedy Center in Washington D.C. auf.
Seit seinem Umzug nach Berlin im Jahr 1989 ist er mit Eddy Harris, Billy Bang und vielen anderen aufgetreten. Zusammen mit der Sängerin MFA KERA gründete er das Black Heritage Orchestra und veröffentlichte 1995 eine CD, die die Top 10 der europäischen Weltmusikcharts erreichte. Er hat auch seinen eigenen Jazz-Soul-Funk-Sound entwickelt.
Er trat im deutschen Fernsehen, beim Guinness Festival in Südafrika, Griechenland, Polen und Amerika auf und kehrte nach Washington D.C. zurück, um mit Mfa Kera & Black Heritage im weltberühmten Blues Alley Jazz Club und im Smithsonian Center aufzutreten. Außerdem wurde er eingeladen, spezielle Workshops an der Jazzabteilung der George Washington University zu geben.
Vor kurzem war er in Polen und der Ukraine auf Tournee, wo er Tausende von Fans zählt. Mehr wird kommen. Weitere Informationen finden Sie auf Mike Russells Website.
Mike Russel – Guitar/Vocal
Charles Sammons – Bass
DiCarlo – Drums
Lionel Haas – Keys
Fotos©Gudrun Arndt
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DESNEY BAILEY’S THREE 4 SOUL “A BAND OF SOUL WITH A TWIST” If you’re a fan of soulful music, then you’re in for a real treat. Prepare to be
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DESNEY BAILEY’S
THREE 4 SOUL
“A BAND OF SOUL WITH A TWIST”
If you’re a fan of soulful music, then you’re in for a real treat. Prepare to be swept away by the mesmerizing sounds of Three 4 Soul, a group that brings together the talents of vocalist Desney Bailey and four incredible musicians. Together, they have crafted a unique blend of vintage jazz harmonies and modern neo-soul grooves, creating a luxurious and soulful vibe that will leave you wanting more.
First, let’s take a closer look at the talented individuals, that make up Three 4 Soul.
Lead vocalist Desney Bailey has a voice, that can only be described as pure magic.
With a rich and soulful tone, she effortlessly captures the essence of classic soul music while infusing it with her own modern flair. Her vocals have been compared to the likes of Erykah Badu and Jill Scott, and for good reason, she is a powerhouse vocalist, who knows, how to captivate an audience.
But Desney is not alone in this musical journey. She is backed by four incredibly talented musicians, who bring their own unique styles to the table. Together, they create a sound that is both timeless and fresh.
So go ahead and indulge in their luxurious jazzy soulful vibe. Your soul will thank you!
Desney Bailey – Vocal
Carly Quiroz – Keyboard
Carmelo Leotta – Bass
Jean Ghazal – Saxophon
Jan Trojanowski – Drummer
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Desney Bailey – Vocal
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Carmelo Leotta – Bass
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Jan Trojanowski – Drummer
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
FACEBOOK LIVE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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TONBRUKET «LIGHT WOOD & DARK STRINGS» SMUGGLER RECORDING ALBUM RELEASE CONCERT FEAT: DAN BERGLUND-MARTIN HEDEROS-JOHAN LINDSTRÖM-ANDREAS WERLIIN Deutsch Der Ausdruck, dass das Kollektiv größer ist als die Summe seiner
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TONBRUKET
«LIGHT WOOD & DARK STRINGS»
SMUGGLER RECORDING ALBUM RELEASE CONCERT
FEAT: DAN BERGLUND-MARTIN HEDEROS-JOHAN LINDSTRÖM-ANDREAS WERLIIN
Deutsch
Der Ausdruck, dass das Kollektiv größer ist als die Summe seiner einzelnen Teile, passt perfekt zur Beschreibung von Tonbruket. Die Musikalität der Bandmitglieder ist bereits auf einem hohen Niveau. In der Begegnung miteinander entsteht etwas Größeres. Sie erschaffen eine eigene Klangwelt, die sich über alle Genredefinitionen hinwegsetzt. Die Musik ist am einfachsten und lässt sich am besten mit „Tonbruket“ beschreiben.
Tonbruket kehrt mit neuen grenzüberschreitenden und bezaubernden Klängen zurück. Auf ihrem neuen Album „Light Wood, Dark Strings“, das am 13. Oktober erschienen ist, beschäftigen sie sich mit dem, was man als akuten Realismus bezeichnen kann.
Mitglieder von Tonbruket sind Dan Berglund am Bass (E.S.T., Rymden), Martin Hederos an Tasten und Violine (The Soundtrack of Our Lives, Hederosgruppen), Johan Lindström an Gitarre und Pedal Steel (Johan Lindström Septett, Rebecka Törnqvist, Elvis Costello) und Andreas Werliin am Schlagzeug (Wildbirds & Peacedrums, Fire!). Tonbruket hat mehrfach mit Ane Brun zusammen gespielt, sowohl auf Platten als auch auf der Bühne.
Sie veröffentlichten ihr Debütalbum 2010 und wurden für ihre Veröffentlichungen mit mehreren schwedischen Grammies ausgezeichnet. Tonbruket hat auch Theatermusik für einige Theaterstücke geschrieben, die im Königlichen Dramatischen Theater in Stockholm aufgeführt wurden.
English
The expression that the collective is bigger than the sum of its individual parts fits perfectly to describe Tonbruket. The musicality of the band members is already on a high level in their own right. In the meeting with each other something bigger appears. They create a sound world of their own that defies all genre definitions. The music is easiest and best described only as, Tonbruket.
Tonbruket returns with new cross-border and enchanting sounds. On their new album “Light Wood, Dark Strings”, released on October 13th, they deal with what can be described as acute realism.
Tonbrukets members are Dan Berglund on bass (E.S.T., Rymden), Martin Hederos on keys and violin (The Soundtrack of Our Lives, Hederosgruppen), Johan Lindström on guitar and pedal steel (Johan Lindström Septett, Rebecka Törnqvist, Elvis Costello) and Andreas Werliin on drums (Wildbirds & Peacedrums, Fire!). On several occasions Tonbruket have played together with Ane Brun, both on record and on stage.
They released their debut album 2010 and have been awarded several Swedish Grammies for their releases. Tonbruket have also written theater music for a couple of plays staged at the Royal Dramatic Theater in Stockholm.
Dan Berglund – Bass
Martin Hederos – Tasten / Violine
Johan Lindström – Gitarre / Pedal Steel
Andreas Werliin – Schlagzeug
Foto©Valter Nilsson
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Dan Berglund – Bass
Martin Hederos – Tasten / Violine
Johan Lindström – Gitarre / Pedal Steel
Andreas Werliin – Schlagzeug
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Vincent Meissner Trio «WILLE» ACT CD/VINYL RELEASE CONCERT «Eine neue Hoffnung des deutschen Jazz», erkannte mdr kultur, was der Deutschlandfunk noch steigerte: „eine Band, die abheben wird wie eine Rakete.“
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Vincent Meissner Trio
«WILLE»
ACT CD/VINYL RELEASE CONCERT
«Eine neue Hoffnung des deutschen Jazz», erkannte mdr kultur, was der Deutschlandfunk noch steigerte: „eine Band, die abheben wird wie eine Rakete.“ Der amerikanische Downbeat hörte „Spannung und Begeisterung“ in Vincent Meissners von seinem Mentor Michael Wollny produzierten Debütalbum „Bewegtes Feld“ aus dem Jahr 2021. Gerade mal zwanzig war da der Pianist und schon ordentlich mit Preisen dekoriert. Viel Lob! Dabei hatte sein junges akustisches Pianotrio mit Bassist Josef Zeimetz und Schlagzeuger Henri Reichmann bis dahin coronabedingt kaum Gelegenheit, das reichhaltige und durchweg vom Bandleader komponierte Material live vor- zustellen und zu entwickeln.
Das hat sich mittlerweile geändert, was den Spaß an der Sache noch gesteigert hat. Man hört es diesem neuen Album an, wie dieses Trio enger zusammengerückt ist und seine Spielfreude gesteigert hat. Sofort nach den ersten Auf- nahmen haben sie neue Stücke ausprobiert, Ideen getestet und wie in einem fließenden Übergang weitergemacht. Nach dem Spiel war vor dem Spiel … Josef studiert jetzt in Basel, Henri ist nach Leipzig gezogen, um an der Hochschule für Theater und Musik Felix Mendelssohn Bartholdy weiter zu studieren, wo Vincents Lehrer im Hauptfach Klavier nun Frank Chastenier ist. Seine beiden Mentoren Wollny und Chastenier nennen Vincent „eine Supercombi“.
Die Band hat ihr Interplay entwickelt, geht die Stücke nun freier an. Durch offenere Passagen hat sich der Sound geändert. Emotionaler agieren sie und lieben komplexere Formen, in denen sie mit Strukturen spielen und Ideen fortführen, die sie teilen. So ist ein kompakter Bandsound entstanden, den sie flexibel laufen lassen können und zu soghaften songhaften Stücken verdichten. Energie und Wucht sind da, aber auch Kontemplation und Innehalt. Alles ist möglich mittlerweile. Variabel, quirlig und eng verzahnt schreitet das voran, wobei sie den Fokus für dieses Album scharfgestellt haben für liedhaft melodiöse Songs.
«Wille» heißt das in treibendem Fluss durchperlende Album, dessen innere Logik besticht mit einem inneren Zusammenhalt, der beweglich, frisch und agil Authentizität transportiert. Diese drei wissen genau, dass sie viel miteinander erreichen können, wobei sie ein hoher Sympathiebonus begleitet und ihre Souveränität anfeuert. Ziel ist dabei eine markante Eingängigkeit jenseits des Banalen.
Den titelgebenden Willen dabei definiert Vincent als das „Entwickeln von gedanklichen Vorstellungen, die man durch Handeln in die Realität überträgt“, oder als „bewusste Entscheidung für eine Handlung“. Da ist schlicht der Wille zu spielen und seinen Ausdruck zu finden, sich durch künstlerisches Arbeiten zu bekennen. Dieser Tatendrang gibt der Einspielung seine Dringlichkeit und Überzeugungskraft.
Vincent Meissner – Piano
Josef Zeimetz – Bass
Henri Reichmann – Drums
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Vincent Meissner – Piano
Josef Zeimetz – Bass
Henri Reichmann – Drums
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ESPEN BERG TRIOLive Concert |Live Concert,modern jazz
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ESPEN BERG TRIO Espen Berg Trio is an award-winning piano trio from Norway. Outselling concert halls all over the world, the trio referred to as one of the best trios in existence today by Jazz Journal has
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ESPEN BERG TRIO
Espen Berg Trio is an award-winning piano trio from Norway. Outselling concert halls all over the world, the trio referred to as one of the best trios in existence today by Jazz Journal has already made a mark outside their home country. Their music might be reminiscent of Brad Mehldau, Keith Jarrett, Shai Maestro or Tigran Hamasyan, but above all it’s a personal addition to the legacy of the piano trio and to the evolution of the Nordic jazzscene, featuring a compelling combination of strong melodies and complex rhythmics, immense technical abilities and a highly engaging interplay.
«Big in Japan but yet to really dominate Europe, EBT are one of the better piano-led trios to pick up that heavy baton relinquished by the late Esbjörn Svensson.»
Jazz Journal
Espen Berg Trio has been touring in Europe and Japan frequently, releasing four albums on the Japanese label Blue Gleam. In 2019, the trio made a solid impression on the jazz industry gathered at jazzahead! in Bremen, resulting in a tour in India and gigs at the most profiled clubs in Europe like Ronnie Scotts, Fasching and Unterfahrt. Their third album, Free to Play, was listed in Downbeat as one of the best releases in 2019, and as of spring 2024, EBT’s fifth album is in the making.
Espen Berg was declared a true master of the piano by All About Jazz when releasing his debut album Noctilucent, in 2012. His third album The Trondheim Concert (2022), all improvised and live-recorded, was featured in many of Europe’s leading jazz magazines, and described as one of the finest improvised solo piano performances from the last decade or so by UK Vibe. Espen was awarded Norway’s largest jazz scholarship at Molde Int’l Jazz Festival in 2016, resulting in a commissioned work for the Trondheim Jazz Orchestra. He is also known for his collaboration with Silje Nergaard, Hildegunn Øiseth Quartet, A Tonic For The Troops, Seamus Blake, Daniel Herskedal, Marius Neset, among many others. In 2023 he was appointed to official Steinway Artist and premiered his latest commissioned work, Water Fabric, which was written for Trondheim Jazz Festival, Oslo Jazz Festival and Maijazz in Stavanger.
Espen Berg – Piano and Compositions
Bárður Reinert Poulsen – Bass
Simon Albertsen – Drums
Fotos©leiknyhavikskjaerseth
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Simon Albertsen – Drums
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DAVID HAYNES AND FRIENDS «UPCOMING SUMMER GROOVE NIGHTS» “Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends
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DAVID HAYNES AND FRIENDS
«UPCOMING SUMMER GROOVE NIGHTS»
“Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting Colin Rich, Ania Szarmach, Till Sahm, Max Bahr, Ben Jud.»
David
David Haynes
Mitte der neunziger Jahre sorgte ein junger Amerikaner auf Drumfestivals und Musikmessen für Furore. Mit einer handlichen Drum Machine bewaffnet, legte David Haynes mit zwei Fingern Grooves aufs Parkett, für die andere ein großes Fusion-Besteck benötigten. Mit atemberaubender Schnelligkeit und beeindruckendem Feel begleitete er auf die-sen kleinen Pads dadurch bereits in jungen Jahren etliche bekannte Szene-Ikonen. Heute ist er nicht nur der Großmei-ster des Fingerdrummings, sondern auch am Drumset zu einem weltweit gefragten Musiker avanciert. Übrigens: David Haynes ist der Schlagzeuger der Till Brönner Band. Er spielte auch u.a. mit Prince, Chaka Khan, Lee Ritenour, Joe Za-winul und viele andere.
Ania Szarmach
Musikerin, Sängerin, Komponistin, Texterin und Produzentin. Sie absolvierte die Gesangsabteilung der Abteilung für Jazz- und Unterhaltungsmusik an der Musikakademie in Katowice. Ihre Stimme ist als Hintergrundstimme in Dutzenden von Schallplatten polnischer Sänger und Musiker zu hören. Parallel dazu ging sie ihren ganz individuellen, eigenständigen musikalischen Weg. Sie veröffentlichte vier Alben – Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), Shades of Love (2016). Sie wurde dreimal zusammen für die Fryderyk Awards (2006, 2010) und zweimal für Super Jedynka (2007) nominiert. 2013 begann Ania ihre künstlerische Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Soul- und Jazzmusiker Frank McComb. Daraus entstanden ihre gemeinsamen Konzerte zwischen 2013 und 2016. Die Musik von Ania Szarmach ist eine Kombination aus vielen Stilrichtungen – Soul, Jazz, R’n’B, Clubmusik. An ihren Projekten nahmen exzellente Jazz- und Popmusiker aus Polen und der Welt teil, wie Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David „Fingers“ Haynes, Frank McComb uva. Sie spielt ihre Konzerte auch in Polen und im Ausland.
Colin Rich
Wenn man in einer Stadt aufwächst, die mit Musikgrößen wie Elvis Presley, BB King oder Aretha Franklin in Verbindung gebracht wird, in einer Stadt, die die Leute „Geburtsort des Rock’n’Roll“ oder „Heimat des Blues“ nennen, ist es nur natürlich, dass man in jungen Jahren gezwungener Maßen selbst zur Musik hingezogen wird:)
Genauso wie der in Memphis Tennessee geborene Sänger Colin Rich. Die Liebe zur Musik erwischte ihn schon früh in seinem Leben und so verbrachte er viele Stunden seiner Jugend in der Beale Street, der legendären Bluesmeile von Memphis, wo er seine ersten Auftritte in einigen der berühmten Bars und Clubs hatte. Hier entwickelte er seine fantastische, gefühlvolle Stimme und fesselnde Bühnenpersönlichkeit. Anschließend studierte er Musik an der Overton High School of Perfoming Arts und sang in mehreren Chören von Memphis und eröffnete eine Show für Musikstars wie Stevie Wonder.
Seine Reiselust und eine Aufnahmesession in Berlin als Background-Sänger brachten Colin 1993 in die deutsche Hauptstadt. Neue Karrieremöglichkeiten und sein Interesse an der aufregenden Stadt ließen Colin in Berlin bleiben. Seitdem ist er dort zu einem musikalischen Fixpunkt geworden und dank unzähliger Konzerte im Ausland auch in ganz Europa bekannt. Seine Fans lieben seinen natürlichen Charme und seine große, gefühlvolle Stimme.
Im Studio oder auf der Bühne hat er mit vielen Künstlern wie Kool and the Gang, No Angels, Céline Dion, Jocelyn B. Smith und Simply Red zusammengearbeitet und für Film und Werbung aufgenommen. Er trat als einer der Hauptdarsteller in den Berliner Aufführungen des internationalen Musical-Hits „Rent“ auf. Colins erste Single unter eigenem Namen, „Fly“, erschien 1999 und hielt sich 2 Monate in den deutschen Single-Charts.
2005 erschien Colins erstes Album „I’ll Wait“, produziert von Mousse T. für sein Label Peppermint Jam. Die frische Mischung aus Soul & Rock des Albums fängt den musikalischen Geist von Colin ein, eine Mischung aus Musikstilen und Energien, die ihresgleichen sucht.
David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Will Jacobs – Guitar
Ben Jud – Bass
Colin Rich – Vocal
Ania Szarmach – Vocal
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MUSIKER
David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Will Jacobs – Guitar
Ben Jud – Bass
Colin Rich – Vocal
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DAVID HAYNES AND FRIENDS «UPCOMING SUMMER GROOVE NIGHTS» “Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends
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David
David Haynes
Mitte der neunziger Jahre sorgte ein junger Amerikaner auf Drumfestivals und Musikmessen für Furore. Mit einer handlichen Drum Machine bewaffnet, legte David Haynes mit zwei Fingern Grooves aufs Parkett, für die andere ein großes Fusion-Besteck benötigten. Mit atemberaubender Schnelligkeit und beeindruckendem Feel begleitete er auf die-sen kleinen Pads dadurch bereits in jungen Jahren etliche bekannte Szene-Ikonen. Heute ist er nicht nur der Großmei-ster des Fingerdrummings, sondern auch am Drumset zu einem weltweit gefragten Musiker avanciert. Übrigens: David Haynes ist der Schlagzeuger der Till Brönner Band. Er spielte auch u.a. mit Prince, Chaka Khan, Lee Ritenour, Joe Za-winul und viele andere.
Ania Szarmach
Musikerin, Sängerin, Komponistin, Texterin und Produzentin. Sie absolvierte die Gesangsabteilung der Abteilung für Jazz- und Unterhaltungsmusik an der Musikakademie in Katowice. Ihre Stimme ist als Hintergrundstimme in Dutzenden von Schallplatten polnischer Sänger und Musiker zu hören. Parallel dazu ging sie ihren ganz individuellen, eigenständigen musikalischen Weg. Sie veröffentlichte vier Alben – Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), Shades of Love (2016). Sie wurde dreimal zusammen für die Fryderyk Awards (2006, 2010) und zweimal für Super Jedynka (2007) nominiert. 2013 begann Ania ihre künstlerische Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Soul- und Jazzmusiker Frank McComb. Daraus entstanden ihre gemeinsamen Konzerte zwischen 2013 und 2016. Die Musik von Ania Szarmach ist eine Kombination aus vielen Stilrichtungen – Soul, Jazz, R’n’B, Clubmusik. An ihren Projekten nahmen exzellente Jazz- und Popmusiker aus Polen und der Welt teil, wie Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David „Fingers“ Haynes, Frank McComb uva. Sie spielt ihre Konzerte auch in Polen und im Ausland.
Colin Rich
Wenn man in einer Stadt aufwächst, die mit Musikgrößen wie Elvis Presley, BB King oder Aretha Franklin in Verbindung gebracht wird, in einer Stadt, die die Leute „Geburtsort des Rock’n’Roll“ oder „Heimat des Blues“ nennen, ist es nur natürlich, dass man in jungen Jahren gezwungener Maßen selbst zur Musik hingezogen wird:)
Genauso wie der in Memphis Tennessee geborene Sänger Colin Rich. Die Liebe zur Musik erwischte ihn schon früh in seinem Leben und so verbrachte er viele Stunden seiner Jugend in der Beale Street, der legendären Bluesmeile von Memphis, wo er seine ersten Auftritte in einigen der berühmten Bars und Clubs hatte. Hier entwickelte er seine fantastische, gefühlvolle Stimme und fesselnde Bühnenpersönlichkeit. Anschließend studierte er Musik an der Overton High School of Perfoming Arts und sang in mehreren Chören von Memphis und eröffnete eine Show für Musikstars wie Stevie Wonder.
Seine Reiselust und eine Aufnahmesession in Berlin als Background-Sänger brachten Colin 1993 in die deutsche Hauptstadt. Neue Karrieremöglichkeiten und sein Interesse an der aufregenden Stadt ließen Colin in Berlin bleiben. Seitdem ist er dort zu einem musikalischen Fixpunkt geworden und dank unzähliger Konzerte im Ausland auch in ganz Europa bekannt. Seine Fans lieben seinen natürlichen Charme und seine große, gefühlvolle Stimme.
Im Studio oder auf der Bühne hat er mit vielen Künstlern wie Kool and the Gang, No Angels, Céline Dion, Jocelyn B. Smith und Simply Red zusammengearbeitet und für Film und Werbung aufgenommen. Er trat als einer der Hauptdarsteller in den Berliner Aufführungen des internationalen Musical-Hits „Rent“ auf. Colins erste Single unter eigenem Namen, „Fly“, erschien 1999 und hielt sich 2 Monate in den deutschen Single-Charts.
2005 erschien Colins erstes Album „I’ll Wait“, produziert von Mousse T. für sein Label Peppermint Jam. Die frische Mischung aus Soul & Rock des Albums fängt den musikalischen Geist von Colin ein, eine Mischung aus Musikstilen und Energien, die ihresgleichen sucht.
David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Will Jacobs – Guitar
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Aki Takase & Alexander von Schlippenbach Wer den fulminanten Auftritt von Aki Takase und Alexander von Schlippenbach beim Berliner Jazzfest verpasst hat, sollte die Gelegenheit nutzen und das Duo mit ihrem
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Aki Takase & Alexander von Schlippenbach
Wer den fulminanten Auftritt von Aki Takase und Alexander von Schlippenbach beim Berliner Jazzfest verpasst hat, sollte die Gelegenheit nutzen und das Duo mit ihrem neuen Programm zu erleben. Die gilt natürlich auch für all diejenigen, die das Konzert bereits gesehen haben und denen das eine Mal zu wenig war.
Zwei der legendärsten Musikergestalten gemeinsam am Flügel, das sieht und hört man nicht allzu häufig. Umso größer die Freude, die Beiden im intimen Rahmen des A-Tranes zu erleben, der ein oder anderen neuen Komposition nachzuspüren und sich an einem Tribut an Carla Bley zu ergötzen.
Und ansonsten:
Müssen wir noch die grandiosen Stationen dieser Persönlichkeiten anvollziehen? Wer Aki Takase und Alexander von Schlippenbach nicht kennt, sollte dringendst das ein oder andere Lexikon der Musikgeschichte oder ganz einfach Google konsultieren:)!
Aki Takase – Piano
Alexander von Schlippenbach – Piano
Foto©Dirk Bleicker
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Aki Takase – Piano
Alexander von Schlippenbach – Piano
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
FACEBOOK LIVE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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ROTEM SIVAN «New York-->Berlin Affair» FEAT: HAMISH SMITH & MIGUEL RUSSELL Rotem Sivan’s guitar skills are heralded across the globe. The New York Times has praised him as “more than a
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Rotem Sivan’s guitar skills are heralded across the globe. The New York Times has praised him as “more than a very good young guitar player.” Downbeat Magazine has called him “a remarkable talent.”
Rotem completed his studies in both classical composition and jazz performance with honors in Tel Aviv University and at The New School in NYC. Rotem tours with his band most of the year playing in world- renowned festivals and clubs. He has performed in countries such as France, Italy, Spain, Germany, Austria, Belgium, Poland, Slovenia, Mexico, Chile, Costa Rica, Puerto Rico, Israel, UK, Canada and India among others, and has given workshops around the world in top universities and schools.
He has performed at many clubs and festivals around the world such as Polanco Festival, Chutzpah Festival, Marseille Festival, Nice Festival, Exposure Festival, Montreux Festival, Utopia Music Festival, Bern Festival, Ottawa Festival and Sonora Jazz Festival to name a few.
Rotem has developed a strong online presence with over 65k followers on Instagram and 135K on YouTube.
“The gifted guitarist combines energy, ideas and undeniable chops..A remarkable talent and a welcome new voice on the scene.”
DownBeat
“He lets you hear the innate sound of his instrument, using classic jazz-guitar tone with dynamics and a searching quality to his improvising.. He attains a kind of private language.. It’s the kind of thing that makes you listen harder.”
New York Times, Ben Ratliff
«Rotem Sivan is, with no doubt, the next guitarist of our times. He is a leader and a listener.»
Peter Bernstein
“I am confident in Sivan’s unique abilities to transform the jazz guitar world.”
Ari Hoenig
“His style and sound bring a fresh flair and a remarkable sophistication to jazz, which transcends audiences”
Jazz Times Magazine
“Israeli guitarist Rotem Sivan has been taking the NYC club scene by storm”
Jazz Inside Magazine
“Not only is Rotem Sivan a master of jazz guitar, he is a true artist”
Just Jazz Guitar
“Rotem Sivan has carved a place for himself in the New York jazz scene through his daring improvisation, astute band leading and technical ability but above all his lyricism and musicality.
“Antidote” is a smartly crafted combination of all these qualities in a beautiful package. The album never gets boring as the trio keeps moving throughout a wide variety of moods and soundscapes with musicality always being the prevalent force. Rotem has been one of the guitar players to watch for sometime now. This album establishes him as a force on the scene.»
Antonio Sanchez
“When a statement is achieved with such precision, what’s captured attains an importance that shall last. Antidote is a special recording, and it shall fulfill many guitar aficionados without question».
Pat Martino
Rotem Sivan – Guitar
Hamish Smith – Bass
Miguel Russell – Drums
Foto©Dani Barbieri
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Rotem Sivan – Guitar
Hamish Smith – Bass
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![Gwylim Simcock at his studio at home](https://a-trane.de/wp-content/uploads/2023/11/Gwylim-Simcock-280x280.jpg)
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JUDY NIEMACK „SPRINGTIME” FEAT: GWILYM SIMCOCK Special Guest: Kurt Rosenwinkel Springtime means renewal and growth, rejuvenation and new life. Experience an enchanting fusion of pop and jazz as Judy Niemack debuts a
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JUDY NIEMACK
„SPRINGTIME”
FEAT: GWILYM SIMCOCK
Special Guest: Kurt Rosenwinkel
Springtime means renewal and growth, rejuvenation and new life. Experience an enchanting fusion of pop and jazz as Judy Niemack debuts a new sound featuring pianist Gwilym Simcock “One of the most exceptional musicians I have ever know.” Pat Metheny
With her velvety vocals and dynamic stage presence, Niemack effortlessly navigates between the worlds of pop and jazz, creating a mesmerizing musical journey for the audience. Her interpretations breathe new life into familiar pop classics by Joni Mitchell, Pat Metheny, Carole King and Sting, infusing them with the sophisticated improvisation and rhythmic nuances characteristic of jazz, while her delivery of jazz classics is second nature.
“You need have no reservations about Judy Niemack, a veteran of the New York club scene who epitomizes the term “jazz singer”. Niemack’s irrepresible swing, savvy scatting and dead-on intonation allow her to improvise solos that seem more horn than voice. Her way with a lyric will warm the hearts of both romantics and musical adventurers.“
NYTimes
A consummate performer, Niemack’s ability to connect with the audience transcends genres, delivering a concert experience that celebrates the best of both pop and jazz worlds.
Judy Niemack – Vocals
Gwilym Simcock – Piano
Nik Lukassen – Bass
Roland Schneider – Drums
Special Guest: Kurt Rosenwinkel
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Judy Niemack – Vocals
Gwilym Simcock – Piano
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JUDY NIEMACK
„SPRINGTIME”
FEAT: GWILYM SIMCOCK
Special Guest: Kurt Rosenwinkel
Springtime means renewal and growth, rejuvenation and new life. Experience an enchanting fusion of pop and jazz as Judy Niemack debuts a new sound featuring pianist Gwilym Simcock “One of the most exceptional musicians I have ever know.” Pat Metheny
With her velvety vocals and dynamic stage presence, Niemack effortlessly navigates between the worlds of pop and jazz, creating a mesmerizing musical journey for the audience. Her interpretations breathe new life into familiar pop classics by Joni Mitchell, Pat Metheny, Carole King and Sting, infusing them with the sophisticated improvisation and rhythmic nuances characteristic of jazz, while her delivery of jazz classics is second nature.
“You need have no reservations about Judy Niemack, a veteran of the New York club scene who epitomizes the term “jazz singer”. Niemack’s irrepresible swing, savvy scatting and dead-on intonation allow her to improvise solos that seem more horn than voice. Her way with a lyric will warm the hearts of both romantics and musical adventurers.“
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JOURNEY TO THE SOURCE FEAT: Fuasi Abdul-Khaliq-Rolf Zielke-Maximilian Hughes-Kenny Martin “Journey to The Source” is a jazz quartet, which has been performing in and around Germany, Poland, Spain, Switzerland, Portugal, and France since its
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JOURNEY TO THE SOURCE
FEAT: Fuasi Abdul-Khaliq-Rolf Zielke-Maximilian Hughes-Kenny Martin
“Journey to The Source” is a jazz quartet, which has been performing in and around Germany, Poland, Spain, Switzerland, Portugal, and France since its founding in 1995.
Together JTTS have created a unique sound, which is identifiable from the first notes they play. Their music comes from the influences of “Blues”, “Hard Bop”, “Far Eastern”, “Oriental”, “African” and “Funk” which creates a sound full of spirit, depth, and energy. They have recorded and produced several CDs over the course of their 25 year tenure together which includes “Fuasi & Ensemble”, “Fuasimodo Rings A Bell“, “Fuasi & Ensemble Live at Café Central in Madrid Spain” and “The Afro-Cubano Latin Jazz Connection”, which were all live recorded concerts. They just released their latest recording production self-named “Journey To The Source”. This will be the 2nd studio production following their last studio production named “The Abakuá”.
Fuasi Abdul-Khaliq – saxophone, clarinet, flute. Fuasi began performing professionally in 1972 with the late great African-American pianist, Horace Tapscott and his institution called, “UGMAA” (Union of God’s Musicians and Artist Ascension) in Los Angeles, California. This led to a lifetime relationship with Tapscott’s Pan-African People’s Arkestra (“PAPA”). During the last 30 years abroad in Germany he as toured throughout Europe, Asia, Africa, the South Pacific as well as South and Central America. He is a leader of his own ensembles which include, “Fuasi and Ensemble”, “The Ebony Big Band”, “Fuasi’s Latin Jazz Connection”, the “Horace Tapscott Tribute Ensemble”, “Fumatikelo”, and “The Jazz Crusaders Tribute Project & Beyond”. He has shared the stage with such greats as Walter Bishop Jr., Jimmy Garrison, Sam Rivers, Benny Golson, Hal Singer, Rudy Stevenson, Ed Blackwell, Arthur Blythe, Joe Bowie, Sugar Blue, Abdu Salim, Omar Sosa, and Winard Harper to name a few.
Rolf Zielke – piano. He comes from Hameln, Germany where he performed and worked with Charlie Mariano, Mike Stern and David Friedman, to name a few. He is also currently a teacher at the “Jazz Institute Berlin”, the “Hanna Eisler School of Music” and the “University of the Arts (UdK). He is a published author of “Global Groove:”: A Complete Guide to Playing in Odd Meters for All Instruments (Advance Music/Schott). He is also a leader of several ensembles with several CD’s in his discography.
Kenny Martin – drums. He comes from Queens (Springfield Gardens), New York and studied at the Berkley School of Music in Boston and with such greats as Tony Williams, Jack DeJonette, Billy Cobham and Narada Michael Walden . He has been recorded on nearly 150 CDs or albums. Leader of his own band(s) for many years such as Pocket Zone, License To Thrill and Walk The Plank. He has also toured and recorded with Defunkt, Peter Fox, Liquid Hips, No Angels, Jaco Pastorius, Kenny Kirkland, Lester Bowie, Red Holloway, Sheldon Powell, Massimo Farao’, Bob Cunningham, Ed Schuller, Golden Gospel Singers, Jean-Paul Bourelly, HHR Big Band, Jeff Lorber,Eric Marienthal to name only a few.
Maximilian Hughes – E. bass. Max started singing in a choir at age 6 and began playing the clarinet at age 8. At 15, he eventually settled on the electric bass as his main instrument. Max has an Associate’s of Arts in Humanities from the University of Maryland, and he studied classical and modern composition at the University of California, San Diego, UCSD.
He graduated with a Bachelor of Arts in Music from the Berklee College of Music and has guested on many projects and recordings, including those by Chaka Khan, John-Paul Bourelly, Wolfgang Dauner, Tanmoy Bose, Jocelyn B.Smith, and Ack van Rooyen. Max lives in Berlin, teaches at the Jazz Institute Berlin (JIB), and is the author of the music education book “Find Your Individual Way”, “Creative Solo Bass,” published by AMA Verlag GmbH, Brühl.
Fuasi Abdul-Khaliq – Saxophone, Clarinet, Flute
Rolf Zielke – Piano
Maximilian Hughes – E-Bass
Kenny Martin – Drums
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Fuasi Abdul-Khaliq – Saxophone, Clarinet, Flute
Rolf Zielke – Piano
Maximilian Hughes – E-Bass
Kenny Martin – Drums
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STEPHANIE LOTTERMOSER «IN-DEPENDENCE» FEAT: TILL SAHM-ROBERT SCHULENBURG-FELIX LEHRMANN «Stephanie Lottermoser begeistert ihr Publikum und nimmt es energiegeladen mit auf eine genussvolle Reise die Jazz, Soul und Pop enthält. Kommerziell klingt
Konzertdetails
STEPHANIE LOTTERMOSER
«IN-DEPENDENCE»
FEAT: TILL SAHM-ROBERT SCHULENBURG-FELIX LEHRMANN
«Stephanie Lottermoser begeistert ihr Publikum und nimmt es energiegeladen mit auf eine genussvolle Reise die Jazz, Soul und Pop enthält. Kommerziell klingt diese Melange trotzdem nie, sie hat ihre ganz eigene Handschrift, mit der sie sich in die erste Liga der deutschen Jazzszene komponiert, gespielt und gesungen hat. Ihre Musik ist im besten Sinne Wohlfühljazz, emotional und eingängig, doch dabei ausgefeilt, episch und dynamisch.»
Dieter Ungelenk, Neue Presse Coburg
Das aktuelle Album IN-DEPENDENCE der preisgekrönten Saxophonistin und Sängerin unterstreicht die Bedeutung der Unabhängigkeit, auf welche sie als Künstlerin immer großen Wert gelegt hat, dies gilt auch für das Freimachen von Jazz-Stereotypen und die Suche nach einer eigenen, authentischen Sprache und deren steter Weiterentwicklung. Das Ergebnis sind klare kompositorische Linien, eingängige Melodien, emotionale Ansprache und eine subtile Virtuosität, fernab von akademischer Nüchternheit und Technikaffinität.
Die Presse feiert sie als «Powerfrau wie sie im Buche steht, als bekennende Feministin und Sympathieträgerin», die mir ihrer Musik eine intim-mitreißende Atmosphäre schafft. Von Hamburg aus ist sie mittlerweile international auf Tour, zuletzt im Jahr 2023 in Mexico, der Dominikanischen Republik, sowie in Ghana und der Elfenbeinküste. Heute im A-Trane:)
Stephanie Lottermoser – Tenorsaxophone, Vocal
Till Sahm – Keyboards
Robert Schulenburg – Bass
Felix Lehrmann – Drums
Fotos©SimonHeydorn
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Stephanie Lottermoser – Tenorsaxophone, Vocal
Till Sahm – Keyboards
Robert Schulenburg – Bass
Felix Lehrmann – Drums
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MIA KNOP JACOBSEN «EASE» ALBUM RELEASE CONCERT FEAT: JULIA HÜLSMANN-IGOR OSYPOV-MARC MUELBAUER-PHILIP DORNBUSCH «Mia Knop Jacobsen ist eine Künstlerin im Aufstieg, die mit “EASE” Musikgenres verschmelzt» Mia
Konzertdetails
MIA KNOP JACOBSEN
«EASE»
ALBUM RELEASE CONCERT
FEAT: JULIA HÜLSMANN-IGOR OSYPOV-MARC MUELBAUER-PHILIP DORNBUSCH
«Mia Knop Jacobsen ist eine Künstlerin im Aufstieg, die mit “EASE” Musikgenres verschmelzt»
Mia Knop Jacobsen, eine hochtalentierte Künstlerin, die in den vergangenen fünf Jahren durch ihre Mitwirkung in sieben verschiedenen Bandprojekten für Aufsehen gesorgt hat, steht bereit, den nächsten großen Schritt in ihrer Musikkarriere zu machen. Mit ihrem neuesten Album “EASE” tritt sie nicht nur als beeindruckende Bandleaderin in Erscheinung, sondern auch als herausragende Komponistin. Dieses Projekt markiert einen mutigen Versuch, die Grenzen zwischen Pop und Jazz auf innovative und fesselnde Weise zu verschmelzen.
Die Titel des Albums “EASE” lassen erahnen, dass es sich hierbei um ein Werk handelt, das alle Masken fallen lässt. Die Songs wurden im Jahr 2022 geschrieben und im Herbst desselben Jahres im renommierten Hansa Studio aufgenommen. Das Album beeindruckt mit einer hochkarätigen Bandbesetzung, zu der die renommierte ECM-Künstlerin Julia Hülsmann (Klavier), Eva Kresse (Schlagzeug), Marc Muelbauer (Bass), Igor Osypov (Gitarre) und featured das Mondena String Quartett. Diese beeindruckende Zusammenarbeit vereint einige der strahlendsten Sterne der deutschen Jazzszene. “EASE” ist zweifellos das persönlichste und tiefgreifendste Werk von Mia Knop Jacobsen bisher, und die Songs sind das Ergebnis eines ehrlichen und kreativen Heilungsprozesses, der die Zuhörer berührt, mitreißt und fasziniert. “Durchsichtigkeit” ist das Schlüsselwort dieses Albums, das von einer unermüdlichen Suche nach lyrischem und metaphorischem Ausdruck geprägt ist.
Das mit Spannung erwartete Album “EASE” wird sein Debüt am 19. April 2024 beim Auftakt Konzert des Jazzfest Bonn feiern und verspricht, eines der Highlights des Musikjahres 2024 zu werden. Mia Knop Jacobsen zeigt sich als aufstrebender Star, der auf faszinierende Weise die Brücke zwischen verschiedenen Musikgenres schlägt. Ihr Talent und ihre Leidenschaft für die Musik sind in jedem Ton spürbar, und “EASE” wird zweifellos die Zuhörer in ihren Bann ziehen.
Mia Knop Jacobsen
Mia Knop Jacobsen ist eine preisgekrönte dänische Sängerin und Komponistin , die mit ihrer organischen Verschmelzung von Pop, Jazz und elektronischer Musik internationale Anerkennung für ihre einzigartige Stimme in der heutigen Musikszene erlangt hat. Als Sängerin tourte Mia ausgiebig durch Südamerika, Asien, Nordamerika und Europa. Sie trat bei wichtigen Musikfestivals und Veranstaltungsorten auf, darunter Jazz Open Stuttgart 2017 (Backing Vocalist bei Quincy Jones & Friends mit George Benson und Jacob Collier), Belgrade Jazz Festival, International Jazzfestival Halle 2020 – (Women In Jazz) Kennedy Center for Performing Arts, Rochester International Jazz Festival, Le Poisson Rouge in New York City, Constellation in Chicago, IL, Jazz Rally in Düsseldorf, Konzerthaus Berlin, um nur einige zu nennen. Mia lebt derzeit in Berlin, Deutschland, und ist Gründungsmitglied des Trios Rosemarine, dessen selbstbetiteltes Debütalbum in den berühmten Londoner Eastcote Studios aufgenommen und auf dem amerikanischen Plattenlabel Ropeadope veröffentlicht wurde (2019). Im März 2023 kam das zweite Album der drei Musiker raus (XJazz Music). Mia ist außerdem in 7 weiteren Projekten involviert, darunter als Font Sängerin des VKKO Orchester, des Ramiro Olaciregui Ensemble, dem Duo um Hauke Renken & Mia Knop Jacobsen (“Classic Project”) und in 3 verschiedenen Projekten mit der Pianistin und ECM Künstlerin Julia Hülsmann (Last Chance to Misbehave, Of Hearts and Mistakes, Heaven Steps to Seven). Als Absolventin des Jazz Instituts Berlin und ehemalige Schülerin des Star-Vocal Coach David Lee Brewer wurde Mia 2017 für ihr Quintett The Mia Knop Jacobsen Group mit dem Sparda Jazz Award sowie 2018 mit Betty Carters Jazz Ahead Residency (das John F. Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.) ausgezeichnet. 2020 wurde Mia für ihren Debütsong als Solokünstlerin „Losing Our Game“ bei der Listen To Berlin Award 2020 ausgezeichnet, welches auf der CD-Compilation Listen To Berlin zu hören ist.
Mia Knop Jacobsen – Gesang, Komposition
Julia Hülsmann – Piano
Igor Osypov – Guitar
Marc Muelbauer – Bass
Philip Dornbusch – Drums
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Mia Knop Jacobsen – Gesang, Komposition
Julia Hülsmann – Piano
Igor Osypov – Guitar
Marc Muelbauer – Bass
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
FACEBOOK LIVE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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ADA MORGHE RELEASE «LOST ACOUSTIC TOUR» 2024 «Ada Morghe sings and recites in an intoxicating style that hints at Marianne Faithfull, Grace Jones and Nina Simone.» DAILY EXPRESS SCOTLAND
Konzertdetails
ADA MORGHE
RELEASE «LOST ACOUSTIC TOUR» 2024
«Ada Morghe sings and recites in an intoxicating style that hints at Marianne Faithfull, Grace Jones and Nina Simone.»
DAILY EXPRESS SCOTLAND 2023
2023 war ein herausragendes Jahr für die Sängerin und Pianistin Ada Morghe. Ihr drittes Album „LOST“, ein konzeptionelles und gesangliches Meisterwerk, das sich stilistisch zwischen Jazz, Soul und Drum´n´Bass bewegt, begeisterte Presse und Fans. Nach einer ausverkauften Tour in Deutschland und Konzerten in London erscheint 2024 das LOST DELUXE Album inklusive bisher unveröffentlichter Aufnahmen, sowie eine Akustik EP, die ihre unverwechselbare Stimme besonders hervorhebt.
Begleitet von den UK-Jazzgrößen Livingstone Brown und Luca Boscagin präsentiert Ada Morghe „LOST UNPLUGGED“ sowie neue Songs. Ihre Ausstrahlung und mitreißende Performance versprechen einen unvergesslichen Abend.
«Lost“ ist ein schwer beeindruckendes Album. Im Mittelpunkt steht hierbei die Sängerin und Pianistin Ada Morghe, welche außerhalb der Musik als Schauspielerin, Autorin und Sprecherin Alexandra Helmig bekannt ist. Wenn aus der Sprecherin die Sängerin wird, dann ist das im Falle von „Lost“ eine vokale Reise durch die seelenvolle Schönheit des Jazz voller Pop-Appeal.»
MUSIKREVEWS 2023
Ada Morghe – Vocal, Piano
Quinn Oulton – Saxophon
Luca Boscagin – Guitar
Livingstone Brown – Bass
Foto©linda rosasaal
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Ada Morghe – Vocal, Piano
Quinn Oulton – Saxophon
Luca Boscagin – Guitar
Livingstone Brown – Bass
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VIKTORIA TOLSTOY «LIVE 2024» ALBUM RELEASE TOUR Große Stimme des Gegenwartsjazz mit neuem Album zurück in Deutschland Kristallklar, dynamisch, wild und vibrierend, trotzdem gleichzeitig prosaisch und erdverbunden – eine der
Konzertdetails
VIKTORIA TOLSTOY
«LIVE 2024»
ALBUM RELEASE TOUR
Große Stimme des Gegenwartsjazz mit neuem Album zurück in Deutschland
Kristallklar, dynamisch, wild und vibrierend, trotzdem gleichzeitig prosaisch und erdverbunden – eine der billantesten Stimmen Skandinaviens: Wenn Viktoria Tolstoy einen Song vorträgt, formt und prägt sie ihn auf einzigartige Weise. 2024 kehrt sie nun nach Deutschland zurück, um ihr neues Album vorzustellen, das ebenfalls im Frühjahr erscheint. Auf diesem widmet sie sich ausgewählten Kompositionen von Ida Sand, Jan Lundgren, Iiro Rantala, Lars Danielsson und Esbjörn Svensson, die sie auf ihre unnachahmliche Weise interpretiert. Außerdem präsentiert sie eigene Werke, die wieder in Zusammenarbeit mit der Songwriterin Anna Alerstedt entstanden sind.
Eine starke Verbindung zur Kunst hat Tradition in der Familie der schwedischen Sängerin Viktoria Tolstoy. Ihr Ururgroßvater war der legendäre russische Nationaldichter Leo Tolstoi. Schon die sehr junge Viktoria machte ihren Weg durch die Stockholmer Jazzclubs und spielte mit führenden schwedischen Jazzer*innen wie Svante Thuresson. 1994, mit 20, nahm sie ihr erstes Album auf. Zwei Jahre später, mit dem Album ›För Älskad‹ wurde sie in ihrer Heimat über Nacht zum Popstar. Was den Boden für die Zusammenarbeit mit Esbjörn Svensson und e.s.t. bereitete: Er produzierte und schrieb die Songs für ›White Russian‹, die erste skandinavische Platte, die beim legendären Blue Note Label erschien. Auch Nils ›Mr. Red Horn‹ Landgren produzierte und spielte mit ihr. Seither hat sich Tolstoy als eine der führenden Stimmen des Gegenwartsjazz etabliert.
Viktoria Tolstoy – Vocal
Joel LYSSARIDES – Piano
Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
Rasmus KIHLBERG – Drums
Fotos©Josefine Bäckström
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MUSIKER
Viktoria Tolstoy – Vocal
Joel LYSSARIDES – Piano
Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
Rasmus KIHLBERG – Drums
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Große Stimme des Gegenwartsjazz mit neuem Album zurück in Deutschland
Kristallklar, dynamisch, wild und vibrierend, trotzdem gleichzeitig prosaisch und erdverbunden – eine der billantesten Stimmen Skandinaviens: Wenn Viktoria Tolstoy einen Song vorträgt, formt und prägt sie ihn auf einzigartige Weise. 2024 kehrt sie nun nach Deutschland zurück, um ihr neues Album vorzustellen, das ebenfalls im Frühjahr erscheint. Auf diesem widmet sie sich ausgewählten Kompositionen von Ida Sand, Jan Lundgren, Iiro Rantala, Lars Danielsson und Esbjörn Svensson, die sie auf ihre unnachahmliche Weise interpretiert. Außerdem präsentiert sie eigene Werke, die wieder in Zusammenarbeit mit der Songwriterin Anna Alerstedt entstanden sind.
Eine starke Verbindung zur Kunst hat Tradition in der Familie der schwedischen Sängerin Viktoria Tolstoy. Ihr Ururgroßvater war der legendäre russische Nationaldichter Leo Tolstoi. Schon die sehr junge Viktoria machte ihren Weg durch die Stockholmer Jazzclubs und spielte mit führenden schwedischen Jazzer*innen wie Svante Thuresson. 1994, mit 20, nahm sie ihr erstes Album auf. Zwei Jahre später, mit dem Album ›För Älskad‹ wurde sie in ihrer Heimat über Nacht zum Popstar. Was den Boden für die Zusammenarbeit mit Esbjörn Svensson und e.s.t. bereitete: Er produzierte und schrieb die Songs für ›White Russian‹, die erste skandinavische Platte, die beim legendären Blue Note Label erschien. Auch Nils ›Mr. Red Horn‹ Landgren produzierte und spielte mit ihr. Seither hat sich Tolstoy als eine der führenden Stimmen des Gegenwartsjazz etabliert.
Viktoria Tolstoy – Vocal
Joel LYSSARIDES – Piano
Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
Rasmus KIHLBERG – Drums
Fotos©Josefine Bäckström
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Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
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![](https://a-trane.de/wp-content/uploads/2023/12/JC-Dook-2-Februar-2024-Foto@Gudrun-Arndt-280x280.jpg)
Konzertdetails
JC DOOK & SOUL FRIENDS “Blues And Soul Classics” “On these evenings, this newly revamped line-up will present a mixture of Blues and Soul classics as well as my originals
Konzertdetails
JC DOOK & SOUL FRIENDS
“Blues And Soul Classics”
“On these evenings, this newly revamped line-up will present a mixture of Blues and Soul classics as well as my originals both instrumental and sung.
We will feature songs by my Blues mentors the 3 Kings: BB, Albert and Freddie, as well as Albert Collins, Robert Cray, T-Bone Walker and of course Muddy Waters. The Band is comprised of some of Berlin’s finest musicians like Till Sahm, Leon Shurz and Marlon Browden.
Come on a authentic Blues journey with us and get your Muddy on!”
Der New Yorker Gitarrist JC DOOK hat bereits 10 Jahre Erfahrung in der hart umkämpften Bluesszene gesammelt. Er spielte schon mit der New Orleans Legende Earl King, den Holmes Brothers sowie auch Ben E. King. Auch als Vorgruppe für Johnny Copeland, Walter» Wolfman «Washington und Little Feet trat er auf. Seine musikalische Vielschichtigkeit ermöglichte ihm gemeinsame Auftritte mit Harry Belafonte, Manu Dibango und Cassandra Wilson. Für Ester Marrow & The Harlem Gospel Singers fungierte er fünf Jahre lang als Gittarist, Arrangeur und musikalischer Leiter. JC Dook begleitete als Gitarrist zuletzt den Bassisten und Sänger Richard Bona auf seiner Welttournee.
Vielschichtig und multikulturell, so beschreibt man am besten den Gitarristen, Komponisten und Arrangeur J.C. Doo-Kingué. JC hat die meiste Zeit seines Lebens in New York verbracht. Hervorragende musikalische Kenntnisse ermöglichen es ihm, sich überzeugend und einfühlend in verschiedenen Musikrichtungen zu bewegen, ohne seine eigene musikalische Note zu verlieren. Seit 2000 lebt JC in Deutschland. Als ersten Grundstein für seine weitere musikalische Karriere in Deutschland gründete er 2001 das Blues-Trio Dook Joint. Zwar mit dem Blues aufgewachsen und erfolgreich in New York praktiziert, konnte JC mit einem Worldbeat Instrumental Jazz-Album seine ganze musikalische und multikulturelle Bandbreite zur Geltung bringen. JC Dook Band präsentiert sowohl eigene Musikstücke als auch Blues & Soul Standards.
JC Dook – Guitar/Vocal
Till Sahm – Keys
Leon Schurz – Bass
Marlon Browden – Drums
Fotos©Gudrun Arndt
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MUSIKER
JC Dook – Guitar/Vocal
Till Sahm – Keys
Leon Schurz – Bass
Marlon Browden – Drums
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“On these evenings, this newly revamped line-up will present a mixture of Blues and Soul classics as well as my originals both instrumental and sung.
We will feature songs by my Blues mentors the 3 Kings: BB, Albert and Freddie, as well as Albert Collins, Robert Cray, T-Bone Walker and of course Muddy Waters. The Band is comprised of some of Berlin’s finest musicians like Till Sahm, Leon Shurz and Marlon Browden.
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Der New Yorker Gitarrist JC DOOK hat bereits 10 Jahre Erfahrung in der hart umkämpften Bluesszene gesammelt. Er spielte schon mit der New Orleans Legende Earl King, den Holmes Brothers sowie auch Ben E. King. Auch als Vorgruppe für Johnny Copeland, Walter» Wolfman «Washington und Little Feet trat er auf. Seine musikalische Vielschichtigkeit ermöglichte ihm gemeinsame Auftritte mit Harry Belafonte, Manu Dibango und Cassandra Wilson. Für Ester Marrow & The Harlem Gospel Singers fungierte er fünf Jahre lang als Gittarist, Arrangeur und musikalischer Leiter. JC Dook begleitete als Gitarrist zuletzt den Bassisten und Sänger Richard Bona auf seiner Welttournee.
Vielschichtig und multikulturell, so beschreibt man am besten den Gitarristen, Komponisten und Arrangeur J.C. Doo-Kingué. JC hat die meiste Zeit seines Lebens in New York verbracht. Hervorragende musikalische Kenntnisse ermöglichen es ihm, sich überzeugend und einfühlend in verschiedenen Musikrichtungen zu bewegen, ohne seine eigene musikalische Note zu verlieren. Seit 2000 lebt JC in Deutschland. Als ersten Grundstein für seine weitere musikalische Karriere in Deutschland gründete er 2001 das Blues-Trio Dook Joint. Zwar mit dem Blues aufgewachsen und erfolgreich in New York praktiziert, konnte JC mit einem Worldbeat Instrumental Jazz-Album seine ganze musikalische und multikulturelle Bandbreite zur Geltung bringen. JC Dook Band präsentiert sowohl eigene Musikstücke als auch Blues & Soul Standards.
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
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Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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The Choir Invisible «Town Of Two Faces» Intakt Record Release FEAT: CHARLOTTE GREVE-CHRIS TORDINI-VINNIE SPERRAZZA Englisch Comprised of saxophonist Charlotte Greve (Lisbeth Quartet, Wood River), bassist
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The Choir Invisible
«Town Of Two Faces»
Intakt Record Release
FEAT: CHARLOTTE GREVE-CHRIS TORDINI-VINNIE SPERRAZZA
Englisch
Comprised of saxophonist Charlotte Greve (Lisbeth Quartet, Wood River), bassist Chris Tordini (Tyshawn Sorey, Chris Speed), and Vinnie Sperrazza (EMBER, Michael Formanek), the Choir Invisible takes their name from a hymn-like Sperrazza composition. Founded in Brooklyn in 2018, the group’s combination of haunting melodies, visceral improvisations, and earthy grooves brought them to Intakt Records, who are releasing their second album, Town Of Two Faces, on February 16th. The group will be on tour in the US and Europe in 2024.
„Infused with an inventive and organic zest a sonic odyssey which continues to chart the trio’s distinct musical dialect. Town Of Two Faces stands as a testament to jazz’s enduring dynamism and adaptability, blending complexity with a welcoming openness.”
Glenn Astarita, All About Jazz
„Infusing nuanced rhythmic detail, to-the-point melodies, and a seamless fusion of jazz and rock elements, the trio strikes a harmonic balance and stylistic coherence in their quietly moving sophomore release, Town of Two Faces.
The Choir Invisible achieves an elegant, soulful fluency that invites listeners to unravel some ambiguity but also discern consummate ideas that develop with exquisite taste toward many possibilities. It’s a strong come back from this well-oiled trio.“
Felipe Freitas, JazzTrail.net
Deutsch
Das kollektive Trio, “The Choir Invisible”, bestehend aus drei bedeutenden Persönlichkeiten der kreativen Musikszene Brooklyns – Charlotte Greve (Lisbeth Quartett, Wood River), Chris Tordini (Tyshawn Sorey, Chris Speed), and Vinnie Sperrazza (EMBER, Michael Formanek), – veröffentlicht sein lang erwartetes zweites Album auf Intakt Records. Auf “Town of Two Faces” entwickeln sie ihre einzigartige Sprache ohne Harmonieinstrument weiter zu einem lebhaften Dialog. Mit allen drei Bandmitgliedern, die Kompositionen beisteuern, ist der emotionale und strukturelle Inhalt ihrer Musik breit gefächert, gleichzeitig bleiben Improvisation und Melodie stets verwurzelt in einem tiefen Groove. Eine working Band seit 2018 und ein Trio auf höchstem Niveau!
Charlotte Greve – Saxophone
Chris Tordini – Bass
Vinnie Sperrazza – Drums
Foto©Desmond White
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SHALOSH «TALES OF UTOPIA» Wieder sind da der eingängige Groove und die ausgeprägte Melodik, die den typischen Shalosh-Sound definieren. Wieder gibt es diese Dreierkompaktheit, die schon im hebräisch „drei“ bedeutenden Bandnamen
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SHALOSH
«TALES OF UTOPIA»
Wieder sind da der eingängige Groove und die ausgeprägte Melodik, die den typischen Shalosh-Sound definieren. Wieder gibt es diese Dreierkompaktheit, die schon im hebräisch „drei“ bedeutenden Bandnamen steckt. „Ein israelisches Power-Trio. Heavy-Jazz!“, hörte der deutsche Rolling Stone und der Kritiker der Times eine „Verheißung“. Im Deutschlandfunk war die Rede von „Jazz auf der Überholspur“, der wieder „junge Jazzfans in ganz Europa“ erreicht. Jeder der in Tel Aviv nah beieinander wohnenden drei Musiker speist seine musikalischen Vorlieben Jazz, Klassik, Grunge, Rock, Techno oder Folk in den gemeinsamen Organismus ein, der die Elemente zu einem spannungsgeladenen Gemisch verdichtet. In begeisternden Konzerten rund um den Globus ist das weiter verfeinert worden, ohne das Publikum zu unterfordern. Diese Musik zielt gleichermaßen auf Herz, Intellekt und Beine.
SHALOSH is an instrumental piano trio, that belongs to the current generation of cross genre jazz groups able to reach a wide spectrum of audiences, in the Jazz world as well as in other genres.
Their music is raw, acoustic and progressive, crossing stylistic boundaries and defying definition.
In its ten years of activity, SHALOSH has performed an astonishing 350 international shows on some of the world’s most prestigious stages.
Despite its classic jazz trio format (piano, bass and drums) and the band members’ deep roots in jazz and improvised music, SHALOSH’s music weaves its own path and creates a unique and fascinating synthesis out of such varied genres as Rock, Classical, Electronic, African, and Middle Eastern music.
SHALOSH has set itself the goal of creating music that is both accessible and sophisticated, performing with great alacrity the balancing act of challenging themselves as musicians and artists, while leaving the door open for as wide an audience as possible, striving to break the distance screen that intellectual music may create. Their music comes from an emotional and raw place, the band’s reaction to today’s cold urban jungle.
The band released five albums thus far, two of them under ‘ACT Music’ and the third with the prestigious label will be released in late 2023.
«An Israeli power trio. Heavy jazz!»
Rolling Stone
«Great melodic ideas, strong ensemble playing and gorgeous sound»
Jazz Magazine
«A record-breaking trio with tremendous drive that tears down musical boundaries»
Lira
«These cosmopolitan Israelis are now exemplars of ACT’s European jazz ideals»
Nick Hasted, Jazzwise
Gadi Stern – Piano/Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums
Foto am Tisch ©Yarden Rokach
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SHALOSH «TALES OF UTOPIA» Wieder sind da der eingängige Groove und die ausgeprägte Melodik, die den typischen Shalosh-Sound definieren. Wieder gibt es diese Dreierkompaktheit, die schon im hebräisch „drei“ bedeutenden Bandnamen
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«TALES OF UTOPIA»
Wieder sind da der eingängige Groove und die ausgeprägte Melodik, die den typischen Shalosh-Sound definieren. Wieder gibt es diese Dreierkompaktheit, die schon im hebräisch „drei“ bedeutenden Bandnamen steckt. „Ein israelisches Power-Trio. Heavy-Jazz!“, hörte der deutsche Rolling Stone und der Kritiker der Times eine „Verheißung“. Im Deutschlandfunk war die Rede von „Jazz auf der Überholspur“, der wieder „junge Jazzfans in ganz Europa“ erreicht. Jeder der in Tel Aviv nah beieinander wohnenden drei Musiker speist seine musikalischen Vorlieben Jazz, Klassik, Grunge, Rock, Techno oder Folk in den gemeinsamen Organismus ein, der die Elemente zu einem spannungsgeladenen Gemisch verdichtet. In begeisternden Konzerten rund um den Globus ist das weiter verfeinert worden, ohne das Publikum zu unterfordern. Diese Musik zielt gleichermaßen auf Herz, Intellekt und Beine.
SHALOSH is an instrumental piano trio, that belongs to the current generation of cross genre jazz groups able to reach a wide spectrum of audiences, in the Jazz world as well as in other genres.
Their music is raw, acoustic and progressive, crossing stylistic boundaries and defying definition.
In its ten years of activity, SHALOSH has performed an astonishing 350 international shows on some of the world’s most prestigious stages.
Despite its classic jazz trio format (piano, bass and drums) and the band members’ deep roots in jazz and improvised music, SHALOSH’s music weaves its own path and creates a unique and fascinating synthesis out of such varied genres as Rock, Classical, Electronic, African, and Middle Eastern music.
SHALOSH has set itself the goal of creating music that is both accessible and sophisticated, performing with great alacrity the balancing act of challenging themselves as musicians and artists, while leaving the door open for as wide an audience as possible, striving to break the distance screen that intellectual music may create. Their music comes from an emotional and raw place, the band’s reaction to today’s cold urban jungle.
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WILL JACOBS BAND «BLUES FROM CHICAGO» Known for his powerful, live performances, artist WILL JACOBS is a modern Blues/R&B/Soul artist. from Chicago, Illinois, USA. At 30 years old, he’s no stranger
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WILL JACOBS BAND
«BLUES FROM CHICAGO»
Known for his powerful, live performances, artist WILL JACOBS is a modern Blues/R&B/Soul artist. from Chicago, Illinois, USA. At 30 years old, he’s no stranger to performance stages.
Will honed his chops the old-fashioned way – experience. In his early teens, he was gigging in Chicago clubs backing many of the city’s finest blues men and women (while at the same time playing in a Grammy-winning, high school jazz band.)
In 2009, he attracted local and international attention when his first band (Dirty Deal) performed at the International Blues Showcase in Memphis, Tennessee (after having won the youth division of Chicago’s Windy City Blues Challenge.) The band left their mark because of Will’s mature improvisational skills and vocal talents, coupled with a strong, blues-infused sound. These experiences led to further study at Berklee College of Music (Boston, USA), gigging/composing/session work in Chicago & Berlin, a musical residency in Sri Lanka and touring with reknown, Zydeco artist C.J. Chenier.
Making the jump across the pond to Europe in mid-2016, Will began performing and sharing his dynamic blues sound in Berlin, Germany and throughout Europe with his own band, with Hohner-endorsee Marcos Coll, Gary Wiggins and others. He has performed concerts & festivals in Armenia, Austria, Belgium, Czech Republic, France, Germany, Italy, Luxembourg, Netherlands, Poland, Spain, Sweden, and Ukraine. An artist on the Ruf Records label, his first release “Goldfish Blues” has received strong reviews. Whether playing clubs or festivals, gigging or session work with other world-class musicians, Will brings energy, creativity and passion to every stage.
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MALIA & BAND „THE GARDEN OF EVE” MPS ALBUM RELEASE CONCERT Malia ist bekannt für ihre ausdrucksstarke Stimme. Mal wird die aus dem ostafrikanischen Malawi stammende Sängerin Malia als die pure
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MALIA & BAND
„THE GARDEN OF EVE”
MPS ALBUM RELEASE CONCERT
Malia ist bekannt für ihre ausdrucksstarke Stimme. Mal wird die aus dem ostafrikanischen Malawi stammende Sängerin Malia als die pure Verkörperung des coolen Neo-Souljazz, dann wieder als Erneuerin der Sangestradition der großen Jazz-Diven wie Billie Holiday oder Nina Simone genannt – aber ebenso als Musikerin, die traditionelle afrikanische Klänge neu belebt. Die Kosmopolitin bewegt sich selbstsicher und gekonnt in den Genres Soul, Blues und Jazz.
Mit ihrem Debutalbum „Yellow Daffodils“ gelingt ihr sofort ein Charterfolg, ihr Video „Purple Shoes“ wird zur Legende. Im Jahr 2013 folgte dann die Auszeichnung des ECHO JAZZ als “Internationale Sängerin des Jahres”.
Mit all ihren Konzertauftritten und mittlerweile 7 Schallplatten hat sich Malia in der obersten Liga der gegenwärtigen Jazz- und Souldamen etabliert. Heute kann sie ihre Lieder mit einer derartigen Intensität und Reife vortragen, dass die Zuhörer:innen tief bewegt verspüren, mit welcher Kraft und mit welchem Lebenshunger diese Sängerin ausstaffiert ist. Mehr denn je stößt sie zum Kern ihrer Songs vor: „Viele meiner Songzeilen haben für mich heute eine viel tiefere Bedeutung bekommen, und ich habe einen starken inneren Drang verspürt, sie mit meinen heutigen Erfahrungen, auch mit den durchlebten harten Phasen meines Lebens, neu zu gestalten“.
Mehr denn je lotet Malia den emotionalen und spirituellen Tiefgang ihrer Lieder aus, und das gelingt ihr mit einer wundervollen Leichtigkeit, einer herrlich natürlichen Ausstrahlung und einem immens warmherzigen Ausdruck. Und wenn Blues Leben bedeutet, dann ist Malia die Energie, die es dem Blues ermöglicht, eine Seele, eine Stimme zu haben. Es ist lange her, dass eine zeitgenössische Künstlerin eine so schöne Hommage an den Blues kreiert hat.
She explored her African roots on the album “Malawi Blues/Njira”, released on MPS in 2016. On her 2018 release “Ripples (Echoes of Dreams)”, Malia shows another perspective on her former album “Echoes of Dreams”. Her latest release “The Garden of Eve” is dedicated to the blues.
“My heart beats for a lot of things. I think that’s because I’m coming from a mixed heritage marriage. I have never felt that I am one thing or the other, I’m rather a fusion of both and my music reflects that. It feels like I am evolving as a human being and although music is merely a mean of expression, I like the idea of resonating with it–if its pace suits me. Blues has always been dear to my heart: it’s a cathartic experience, precious and profound, whether it’s playing it or listen to it on the radio! When I first heard Billie Holiday sing ’Blue Moon’, I could feel it with every cell of my body. She had such a powerful effect on me. Sentimental blues, originating from tragic situations, sometimes even reflecting my own experiences… No matter how bad family, friends, politics, lovers, governments or society might be, they can never destroy the forces for good in this world. And as time passes by, I more and more find the truth that is rooted in my soul. And I finally feel mature enough to understand this wonderful musical tradition–because blues means life. ”
And if blues means life, Malia is the energy that allows the blues to have a soul, a voice. It has been a long time since a contemporary artist has made such a beautiful homage to the blues, a style that in the year 2020 deserves to have a bit of its dust brushed off.
Malia – Vocals
Laurent Seriès – Drums
Alexandre Saada – Piano
Jean Daniel Botta – Upright Bass
Foto©Dennis Dirksen
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Tino Derado Trio „Embracing the Odds“ Die musikalischen Werke von Tino Derado verkörpern eine künstlerisch anspruchsvolle Synthese südamerikanischer Einflüsse und romantischer Melancholie. Seine Kompositionen zeichnen sich durch eine subtile Verbindung von
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Tino Derado Trio
„Embracing the Odds“
Die musikalischen Werke von Tino Derado verkörpern eine künstlerisch anspruchsvolle Synthese südamerikanischer Einflüsse und romantischer Melancholie. Seine Kompositionen zeichnen sich durch eine subtile Verbindung von rhythmischer Eleganz und klanglicher Finesse aus.
Begleitet wird Tino Derado von Diego Pinera, einem Echo-Preisträger und Schlagzeuger von außergewöhnlichem Talent, dessen virtuose Darbietungen der Musik zusätzliche Tiefe und Nuancen verleihen.
Josh Ginsburg, ursprünglich aus Baltimore und nun in Berlin ansässig, brillierte bereits in verschiedenen Weltklasseprojekten und bereichert Derados Werke durch seine musikalische Genialität.
Gemeinsam schaffen sie eine faszinierende Klanglandschaft, die durch ihre virtuose Ausführung und emotionale Bandbreite beeindruckt.
Tino Derado – Piano
Josh Ginsburg – Bass
Diego Pinera – Drums
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MATTHIEU CHAZARENC CANTO III ALBUM RELEASE ON BONSAÏ MUSIC FEAT: Laurent Derache-Sylvain Gontard-Christophe Wallemme With this new opus, jazz drummer and composer Matthieu Chazarenc continues to delve further into the world he started exploring
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MATTHIEU CHAZARENC
CANTO III
ALBUM RELEASE ON BONSAÏ MUSIC
FEAT: Laurent Derache-Sylvain Gontard-Christophe Wallemme
With this new opus, jazz drummer and composer Matthieu Chazarenc continues to delve further into the world he started exploring in his first two albums Canto (2017) and Canto II (2021). The result is one of a subtle blend of cinematographic inspirations, traversed by classical, Latin but also Gascogne influences. An accomplished melodist, Matthieu manages to convey atmospheres that are sometimes nostalgic and melancholic, and sometimes lively and swirling but always delightfully intoxicating.
Parisian by adoption and at the head of his quartet Canto, the jazzman has kept his compass oriented to the south. Indeed, at the heart of Canto III resonate influences from the South of Spain, the Mediterranean, South America and last but least, the motherland of his southwestern French heritage.
Roots are obviously at stake in his new compositions as they provide a firm anchorage into the land and a sturdy base from which to rise but also as they require protection and preservation.This need for authenticity and integrity is best expressed by Matthieu’s wish to favor the natural timbre of the instruments and their ability to deliver both pure and acoustic tonalities.
To go on his south-bound journey, Mathieu can count on his trustworthy companions Christophe Wallemme on double-bass, Sylvain Gontard on the bugle and Laurent Derache on the accordion. Performing together in the course of numerous concerts and tours since 2017, they have built a great rapport and have reached an idiosyncratic musical identity that can be felt at every single concert. Each member of the quartet brings into play his own color and sound to better serve the original melodies composed by Matthieu.
To close this triptych, the musicians have invited distinguished guests who, in the span of a song, have lent their voices or instruments to join Canto in their musical journey.
Elegant, ebullient, and emotional, this third album by Canto reveals a wide range of musical colors, sublimated by the enthusiastic intensity of playing and performing together.
Canto III will be released on 26th January 2024 by Bonsaï Music.
Matthieu Chazarenc – Drums / Compositions
Laurent Derache – Accordion
Sylvain Gontard – Bugle
Christophe Wallemme – Double Bass
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ACT Music & Jazz Club A-Trane präsentieren: Joachim Kühn 80th Birthday Concert Michael Wollny & Joachim Kühn DUO Joachim Kühn ist einer der wenigen deutschen Weltstars des Jazz. Kühn sieht sich in der
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ACT Music & Jazz Club A-Trane präsentieren:
Joachim Kühn 80th Birthday Concert
Michael Wollny & Joachim Kühn DUO
Joachim Kühn ist einer der wenigen deutschen Weltstars des Jazz. Kühn sieht sich in der Tradition des Jazz, wie auch verbunden mit der europäischen Konzertmusik, aber bei alledem unmittelbar einer Klangsprache der Gegenwart verpflichtet.
Anlässlich seines 80. Geburtstags trifft er am 10.05.2024 auf Michael Wollny, selbst ein Star des deutschen Jazz. Beide sind in jeglicher Hinsicht unverwechselbare Individualisten. Und doch lassen sich hier zwei Pianisten beobachten, deren Spiel fast zu verschmelzen scheint. Beide so eigen, und doch wortlos miteinander im Konsens. Zwei Ausnahmekönner, die vom ersten Augenblick an wissen, was sie aneinander haben, was sie sich und einander zutrauen und zumuten wollen und können. Die sich Zeit und Raum nehmen und geben, die einander Freiraum bieten und sich gern ein Stück weit begleiten.
«Zwei Flügel, eine Welt. Im Duo legen Deutschlands renommierteste Jazzpianisten ein Zeugnis ihrer Freundschaft ab. Michael Wollny und Joachim Kühn sind ein alchemistisches Wunder. Sie teilen einen Improvisationsgeist, der Introspektion und Expression, Antizipation und Transpiration verbindet.»
Der Tagesspiegel, Gregor Dotzauer
«Michael Wollny und Joachim Kühn – zwei Generationen, zwei künstlerische Sozialisationen, zwei selbstbewusste Individuen, aber ein kongruenter musikalischer Gestaltungswille. Eine Sternstunde der Klaviermusik.»
FAZ, Wolfgang Sandner
Michael Wollny – Piano
Joachim Kühn – Piano
VERGÜNSTIGTE TICKETS HIER
Bei Reservix gibt es mit Code EarlyBird (Schreibweise beachten) 10% bis Sonntag, 10.03.2024
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ORT&ZEIT&ALLES HIER
Freitag 10.05.2024 Um 20:00 Uhr
Philharmonie Berlin
Herbert-von-Karajan-Straße 1
10785 Berlin
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MUSIKER
Michael Wollny – Piano
Joachim Kühn – Piano
Sitzplatz Reservierung
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Konzertdetails
Lily Dahab Bajo un mismo cielo Mittlerweile hat sie mit ihrer Band und Orchester schon zweimal den Kammer- musiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausver- kauft. „Wir sind alle Kinder
Konzertdetails
Lily Dahab
Bajo un mismo cielo
Mittlerweile hat sie mit ihrer Band und Orchester schon zweimal den Kammer- musiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausver- kauft.
„Wir sind alle Kinder aus einer gemeinsamen Wurzel, unter demselben Himmel.“ Unter diesem gleichen Himmel, so der Titel ihrer aktuellen CD hat die Sängerin aus Buenos Aires mit ihrer multinationalen Band großartige Lieder aus ihrer Heimat Argentinien, aus Brasilien, Uruguay, Chile und Spanien, Klangfarben aus Tango, argentinischer Folklore, Samba, Flamenco und Bossa Nova versammelt – und in ihrer einzigartigen Weise mit dem Jazz und Originals verknüpft. Bajo un mismo cielo gibt dem Bekenntnis zu kreativem Miteinan- der eine musikalische Stimme.
Durch ihre beiden Alben nomade und Huellas und in über 300 Konzerten haben sich Lily Dahab und ihr Quartett eine große Fangemeinde erspielt – denn die ist fasziniert von dieser tiefempfundenen Vokalkunst, die alle Facetten von fun- kelnder Leidenschaft bis zu inniger Melancholie in sich trägt.
„Himmlisch»
jazzthing
„Großartig! Charismatisch und live eine absolut überzeugende Band.“
rbb kulturradio
„Ganz phantastisch!“
Deutschlandfunk Kultur
Lily Dahab – Vocals
Bene Aperdannier- Piano, Rhodes
Camilo Villa Robles – Bass
Carlos Corona – Guitar
Topo Gioia – Percussion
Foto© Janine Guldener
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Lily Dahab – Vocals
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Bajo un mismo cielo
Mittlerweile hat sie mit ihrer Band und Orchester schon zweimal den Kammer- musiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausver- kauft.
„Wir sind alle Kinder aus einer gemeinsamen Wurzel, unter demselben Himmel.“ Unter diesem gleichen Himmel, so der Titel ihrer aktuellen CD hat die Sängerin aus Buenos Aires mit ihrer multinationalen Band großartige Lieder aus ihrer Heimat Argentinien, aus Brasilien, Uruguay, Chile und Spanien, Klangfarben aus Tango, argentinischer Folklore, Samba, Flamenco und Bossa Nova versammelt – und in ihrer einzigartigen Weise mit dem Jazz und Originals verknüpft. Bajo un mismo cielo gibt dem Bekenntnis zu kreativem Miteinan- der eine musikalische Stimme.
Durch ihre beiden Alben nomade und Huellas und in über 300 Konzerten haben sich Lily Dahab und ihr Quartett eine große Fangemeinde erspielt – denn die ist fasziniert von dieser tiefempfundenen Vokalkunst, die alle Facetten von fun- kelnder Leidenschaft bis zu inniger Melancholie in sich trägt.
„Himmlisch»
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„Großartig! Charismatisch und live eine absolut überzeugende Band.“
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MIA GJAKONOVSKI QUARTETT FEAT: JAKOB REISENER – TABEA KIND – MALTE WIEST Mia Gjakonovski ist eine in Berlin lebende Sängerin, Komponistin und Song-Writerin. Aufgewachsen in einer musikalischen Umgebung, begann sie schon in
Konzertdetails
MIA GJAKONOVSKI QUARTETT
FEAT: JAKOB REISENER – TABEA KIND – MALTE WIEST
Mia Gjakonovski ist eine in Berlin lebende Sängerin, Komponistin und Song-Writerin.
Aufgewachsen in einer musikalischen Umgebung, begann sie schon in sehr jungen Jahren mit verschiedenen Bands aufzutreten.
Das Songwriting war schon immer ein großer Teil ihres kreativen Ausdrucks, dem sie in den vergangenen Jahren mehr und mehr nachging.
Jetzt komponiert Mia regelmäßig für ihre verschiedenen Band-Projekte. Dabei beeinflussen verschiedenste Genres ihr künstlerisches Schaffen.
In dem kreativen Chaos dieser kontinuierlich forschenden und suchenden Musiker*innen, transportiert die Sängerin Mia in ihrer Musik ihre Ideen und Stimmungsbilder und vereint dabei unterschiedliche Elemente, wie Rhythmik, improvisierte Melodien und Worte, mit klassischen Songstrukturen. Somit erschafft sie eine wohlige Atmosphäre und es entstehen Songs mit anspruchsvollen Rhythmen und eingängigen Melodien, geformt aus akustischen und elektronischen Instrumenten, Vocal- Effects und der dazugehörigen warmen, meist tiefen Stimme der Sängerin.
Mia Gjakonovski vereint diese Klangwelt mit Texten, die zum Nachdenken anregen und den Zuhörer*innen Raum für eigene Interpretationen und das Träumen lassen.
Mia ist Studentin der renommierten und hochangesehenen Jazz-Musikhochschule JIB-Jazz Institut Berlin.
In dem aktuellen Projekt trifft Mia auf Musikerkolleg*innen, die sich auf Augenhöhe begegnen und ihre Kompositionen auf sehr organische Art weiterentwickeln. Nach gemeinsamer Arbeit im Studio gehen die vier jungen Musiker*innen nun mit frischer Inspiration auf Tour.
Mia Gjakonovski – Vocal / Effects / Composition
Jakob Reisener – Piano
Tabea Kind – Bass
Malte Wiest – Drums
Fotos© Alina Cherubin / Mila Horst
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Mia Gjakonovski – Vocal / Effects / Composition
Jakob Reisener – Piano
Tabea Kind – Bass
Malte Wiest – Drums
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Erik Leuthäuser Quartett «SUCHT» Record Release-Konzert Fun in the Church/Staatsakt FEAT: JULIUS WINDISCH-SOFIA EFTYCHIDOU-ANDI HABERL Er ist eines der herausragenden jungen Vokal-Talente in Deutschland. Erik Leuthäuser kommt vom Jazz, hat sich inzwischen
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Erik Leuthäuser Quartett
«SUCHT»
Record Release-Konzert Fun in the Church/Staatsakt
FEAT: JULIUS WINDISCH-SOFIA EFTYCHIDOU-ANDI HABERL
Er ist eines der herausragenden jungen Vokal-Talente in Deutschland. Erik Leuthäuser kommt vom Jazz, hat sich inzwischen aber seine eigene Welt zwischen progressiver Jazz-Haltung und alternativem Pop-Song geschaffen. In der Quartett-Besetzung bringt er sein Konzept-Werk „Sucht“ auf die Bühne, das am 26.04.2024 bei Fun in the Church/Staatsakt erscheint.
Die aktuellen Songs kreisen um das Thema “Sucht aus queerer Perspektive“. Dass Erik Leuthäuser vorbehaltlos persönlich sein kann, hatte er schon auf seinem vielfarbig schillernden Crossover-Album „Wünschen“ demonstriert. Da schlug er einen Bogen vom Friedrich Hollaender-Chanson über einen selbst eingedeutschten Duke Ellington-Klassiker bis zum Dota-Stück oder eigenen Songs wie „Kannst du mein Kangaroo sein“. Den neuen „Sucht“-Zyklus setzt er live mit einem Klaviertrio um. Mit dabei: der brillante Jazz-Pianist Julius Windisch, Jazz-Bassistin Sofia Eftychidou und Drummer Andi Haberl, Mitglied von The Notwist und dem Andromeda Mega Express Orchestra.
Erik Leuthäuser (*1996) ist ein junger Sänger und Komponist, der im Grenzbereich von Jazz und Experimental Pop arbeitet und dabei vermehrt die deutsche Sprache einsetzt. Ehrlich und frei von Klischees, inspiriert von seinen Erfahrungen als junger schwuler Mann in der Großstadt Berlin. Der Mannheimer Morgen beschreibt ihn als »glänzenden jungen Sänger, der als die kommende Stimme im deutschen Jazz gilt«. Sein Debütalbum wurde 2015 für den Preis der deutschen Schallplattenkritik nominiert. Er sang Background für Quincy Jones, George Benson, Dee Dee Bridgewater und Jacob Collier und nahm Alben mit Jazz-Legenden wie Ken Peplowski, Alan Broadbent und Kurt Rosenwinkel auf.
«Revolutionär im Umbruch: Glänzender junger Sänger gilt als die kommende Stimme im deutschen Jazz.»
Mannheimer Morgen
«His voice is beautiful and free, he is young and dedicated, honest and full of music.»
Sabine Kühlich/Jazz singer
Erik Leuthäuser – Vocal
Julius Windisch – Piano / Synthesizer
Sofia Eftychidou – Bass
Andi Haberl – Drums
Foto Album Cover© David Mesa
Andi Haberl Foto©Rainer Ortag
Erik Leuthäuser Foto©Lisa Wassmann
Julius Windisch Foto©Michael Steiner
Sofia Eftychidou Foto©Gerhard Richter
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Erik Leuthäuser – Vocal
Julius Windisch – Piano / Synthesizer
Sofia Eftychidou – Bass
Andi Haberl – Drums
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ATRIN MADANI „WHERE ARE WE NOW” Atrin Madani ist längst kein Unbekannter mehr in der Jazzszene. Mit seiner beeindruckenden Stimme und seinem vielseitigen Repertoire hat sich der Sohn iranischer Einwanderer mittlerweile
Konzertdetails
ATRIN MADANI
„WHERE ARE WE NOW”
Atrin Madani ist längst kein Unbekannter mehr in der Jazzszene. Mit seiner beeindruckenden Stimme und seinem vielseitigen Repertoire hat sich der Sohn iranischer Einwanderer mittlerweile einen Platz in den Herzen der Jazz-Liebhaber erobert.
Man hört dem Berliner Sänger die intensive Beschäftigung mit Vorgängern wie Frank Sinatra, Mel Tormé, Andy Williams oder Tony Bennett an. Er ehrt die Meister jedoch, indem er sie nicht kopiert, sondern selbstbewusst seinen eigenen Weg geht. Basierend auf der Klang-Ästhetik einer Norah Jones, einer Diana Krall oder eines Till Brönner widmet sich Madani vielmehr einer handverlesenen Auswahl an Liedern, die im Jazz bislang weitestgehend unbesungen geblieben sind.
Auf seinem 2023 erschienenen Debut-Album „Where Are We Now?“ schafft er eine zutiefst persönliche Verbindung, die der Millennial zu den Liedern der Boomer hat – und lässt dabei nebenbei die vermeintlich unüberwindlichen Frontlinien zwischen den Generationen als obsolet erscheinen.
In seinen Interpretationen der Songs von u.A. David Bowie über Steely Dan, Michael Franks, Coldplay bis hin zu Nick Drake erkennt man Madanis enorme Leidenschaft für gutes Songwriting und bewegende Geschichten. „In Deutschland und in Europa haben wir im Jazz oft das Problem, dass wir viel zu viel Kunst machen wollen. Und nicht die Kunst darin sehen, andere Menschen zu berühren“, sagt der Sänger.
Mit „Where Are We Now?“ gelingt Atrin Madani genau das: den Zuhörenden nahezukommen und sie mit auf eine Reise zu nehmen. Ins Gestern und Morgen. Ins Hier und Jetzt. Dorthin, wo der Jazz schon immer am besten aufgehoben war. Sein Debüt-Album wurde 2024 für den Deutschen Jazzpreis in der Kategorie „Debüt-Album des Jahres“ nominiert.
“Atrin Madani begeistert, eine neue Stimme und was für eine! Eine Art sehr junger Crooner, ohne die Clichés die dazugehören. Wenn Atrin Madani singt, meint man, er würde das direkt nur für einen selber tun. Er ist so nah in diesen Songs.”
RBB
“Ein Jazz-Sänger mit einer verblüffenden Souveränität im Ausdruck und einem ausgereiften musikalischen Konzept.”
DLF Kultur
“Anders als es das Retroalbum vermuten lässt, ist es keine Nostalgie, sondern ein Qualitätsbewusstsein, das Atrin Madani beschwört.”
Tagesspiegel
Atrin Madani – Vocal
Alexander Ruess – Guitar
Christian von der Goltz – Piano
Thomas Stieger – E-Bass
Thomas Alkier – Drums
Fotos©Bauendahl
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Atrin Madani – Vocal
Alexander Ruess – Guitar
Christian von der Goltz – Piano
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ATRIN MADANI
„WHERE ARE WE NOW”
Atrin Madani ist längst kein Unbekannter mehr in der Jazzszene. Mit seiner beeindruckenden Stimme und seinem vielseitigen Repertoire hat sich der Sohn iranischer Einwanderer mittlerweile einen Platz in den Herzen der Jazz-Liebhaber erobert.
Man hört dem Berliner Sänger die intensive Beschäftigung mit Vorgängern wie Frank Sinatra, Mel Tormé, Andy Williams oder Tony Bennett an. Er ehrt die Meister jedoch, indem er sie nicht kopiert, sondern selbstbewusst seinen eigenen Weg geht. Basierend auf der Klang-Ästhetik einer Norah Jones, einer Diana Krall oder eines Till Brönner widmet sich Madani vielmehr einer handverlesenen Auswahl an Liedern, die im Jazz bislang weitestgehend unbesungen geblieben sind.
Auf seinem 2023 erschienenen Debut-Album „Where Are We Now?“ schafft er eine zutiefst persönliche Verbindung, die der Millennial zu den Liedern der Boomer hat – und lässt dabei nebenbei die vermeintlich unüberwindlichen Frontlinien zwischen den Generationen als obsolet erscheinen.
In seinen Interpretationen der Songs von u.A. David Bowie über Steely Dan, Michael Franks, Coldplay bis hin zu Nick Drake erkennt man Madanis enorme Leidenschaft für gutes Songwriting und bewegende Geschichten. „In Deutschland und in Europa haben wir im Jazz oft das Problem, dass wir viel zu viel Kunst machen wollen. Und nicht die Kunst darin sehen, andere Menschen zu berühren“, sagt der Sänger.
Mit „Where Are We Now?“ gelingt Atrin Madani genau das: den Zuhörenden nahezukommen und sie mit auf eine Reise zu nehmen. Ins Gestern und Morgen. Ins Hier und Jetzt. Dorthin, wo der Jazz schon immer am besten aufgehoben war. Sein Debüt-Album wurde 2024 für den Deutschen Jazzpreis in der Kategorie „Debüt-Album des Jahres“ nominiert.
“Atrin Madani begeistert, eine neue Stimme und was für eine! Eine Art sehr junger Crooner, ohne die Clichés die dazugehören. Wenn Atrin Madani singt, meint man, er würde das direkt nur für einen selber tun. Er ist so nah in diesen Songs.”
RBB
“Ein Jazz-Sänger mit einer verblüffenden Souveränität im Ausdruck und einem ausgereiften musikalischen Konzept.”
DLF Kultur
“Anders als es das Retroalbum vermuten lässt, ist es keine Nostalgie, sondern ein Qualitätsbewusstsein, das Atrin Madani beschwört.”
Tagesspiegel
Atrin Madani – Vocal
Alexander Ruess – Guitar
Christian von der Goltz – Piano
Olaf Casimir – Double-Bass
Thomas Alkier – Drums
Fotos©Bauendahl
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Atrin Madani – Vocal
Alexander Ruess – Guitar
Christian von der Goltz – Piano
Olaf Casimir – Double-Bass
Thomas Alkier – Drums
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Daniel Migliosi Quintett „On The Edge” Album Release Tour 2024 FEAT: KAISA MAËNSIVU – KAI CRAIG – SEAN PAYNE – BENEDIKT GÖB Der in Luxemburg geborene aufstrebende Trompeter Daniel Migliosi hat
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Daniel Migliosi Quintett
„On The Edge”
Album Release Tour 2024
FEAT: KAISA MAËNSIVU – KAI CRAIG – SEAN PAYNE – BENEDIKT GÖB
Der in Luxemburg geborene aufstrebende Trompeter Daniel Migliosi hat sich schnell eine Nische im Jazzbereich geschaffen und mit seinem ersten Album „Left On Scene“ große Anerkennung gefunden. Migliosi, der für seine Fähigkeiten auf der Trompete bekannt ist, kanalisiert in Zusammenarbeit mit seinem Quintett gekonnt die nostalgischen Töne des Swing und des Modern Jazz, eine Ode an die Musiklandschaft seiner prägenden Jahre.
Diese kollektive Synergie entfaltet sich auf seinem neuen Album „On The Edge“, auf dem die Essenz des Jazz akribisch in den Vordergrund gerückt wird. Während Left On Scene als Beweis für Migliosis musikalisches Können dient, ist sein neuestes Quintett ein Beweis für die anhaltende Vitalität des Jazz, meisterhaft auf eine Weise wiedergegeben, die das Publikum fesselt und den Geist dieses zeitlosen Genres neu entfacht.
Daniel Migliosi – Trompete
Sean Payne – Saxophon
Benedikt Göb – Klavier
Kaisa Mäensivu – Bass
Kai Craig – Drums
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Daniel Migliosi – Trompete
Sean Payne – Saxophon
Benedikt Göb – Klavier
Kaisa Mäensivu – Bass
Kai Craig – Drums
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Konzertdetails
AKI RISSANEN «HYPERREAL» FEAT: VERNERI POHJOLA & ROBERT IKIZ Hyperreal is the mesmerising new album and project by acclaimed Finnish pianist Aki Rissanen, blending compelling and complex soundscapes with the shimmering emotive trumpet
Konzertdetails
AKI RISSANEN
«HYPERREAL»
FEAT: VERNERI POHJOLA & ROBERT IKIZ
Hyperreal is the mesmerising new album and project by acclaimed Finnish pianist Aki Rissanen, blending compelling and complex soundscapes with the shimmering emotive trumpet melodies from Verneri Pohjola and the deep drive and irresistible grooves crafted by Robert Ikiz.
As longtime Edition Artist, he has released a series of highly acclaimed trio albums and more recently the solo piano album «Divided Horizon» since joining the label in 2015. With Hyperreal, he has shifted gears, with drummer Robert Ikiz and long term collaborator, trumpeter Verneri Pohjola, seeing Aki switch between piano and electronic keyboards. The sound is deep, rounded and produced, and glistens with Verneri Pohjola’s poignant trumpet sound. Hyperreal is an album about change, about recognising the importance of being, of being aware, of renewal and letting go, as Aki explains: «There’s a change to something new and yet unknown. With the rapid transformation of reality to the AI generated virtual reality or hyperreality, we have to be aware and adapt to these things and distinguish between what is real and unreal».
With an empathetically delivered and unified performance, Aki has produced an album testament of his brilliance as a composer, keyboardist and improviser. Hyperreal is an album that will see his audience grow significantly and lead him to new places, in whichever reality they exist in.
The album «Hyperreal» is released already on the 14th of July 2023 on Edition Records
«Aki is a tremendously musical, passionate and soulful person and has a high energy level. He is one of the best young pianists I have heard in years».
DAVE LIEBMAN
«Rising star around Europe»
DOWNBEAT
«Advanced ideas with a street-sharp attack. Rissanen’s fine trio is a formidable force, with fresh musical intelligence to match flawless techniques.»
THE GUARDIAN
«Hiermit dürfte er endgültig angekommen sein.»
Stereo
Aki Rissanen – Piano
Verneri Pohjola – Trumpet
Robert Ikiz – Drums
Foto©Jori Huhtala
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MUSIKER
Aki Rissanen – Piano
Verneri Pohjola – Trumpet
Robert Ikiz – Drums
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Konzertdetails
TRIOSENCE 25 JAHRE – ANNIVERSARY TOUR Eins der erfolgreichsten und meistgestreamten Pianotrios um den Pianisten und Bandleader Bernhard Schüler mit Omar Rodriguez Calvo am Kontrabass und Tobias Schulte an den Drums und Percussion feiert
Konzertdetails
TRIOSENCE
25 JAHRE – ANNIVERSARY TOUR
Eins der erfolgreichsten und meistgestreamten Pianotrios um den Pianisten und Bandleader Bernhard Schüler mit Omar Rodriguez Calvo am Kontrabass und Tobias Schulte an den Drums und Percussion feiert 25-jähriges Bestehen und ist 2 Nächte zu Gast im A-Trane!
Auf ihrer großen Jubiläumstour präsentieren die drei Musiker ein Best-Of Programm aus 25 Jahren Bandgeschichte. Zu hören sind zahlreiche „triosence Klassiker“, die die Band seit vielen Jahren nicht mehr gespielt hat – neu arrangiert und in neuem Gewand. Gleichzeitig gibt triosence mit vielen brandneuen Songs schon einen Ausblick auf das ersehnte zehnte Album. Ihre Konzerte sind ein Feuerwerk aus mitreißender Spielfreude, hochvirtuosen Spiel, stilistisch bunt und abwechslungsreich und begeistern das Publikum auch durch die humorvollen Geschichten und Anekdoten des Bandleaders.
Neben den acht Studio- und einem Live-Album blickt die Band zurück auf zahlreiche Auszeichnungen, Preise, Top Jazz-Charts-Platzierungen und unzählige Konzerte und Festivals im In- und Ausland. Der Stern nannte sie in einem großen Feature “die neuen Gesichter des deutschen Jazz und ein Exempel für musikalische Dreieinigkeit”. Das wichtigste japanische Jazzmagazin Swing Journal schrieb über triosence als: „Das Pianotrio, das unseren Eindruck vom steifen deutschen Jazz weggewischt hat“
Bernhard Schüler – Piano
Omar Rodriguez Calvo – Bass
Tobias Schulte – Drums&Percussion
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MUSIKER
Bernhard Schüler – Piano
Omar Rodriguez Calvo – Bass
Tobias Schulte – Drums&Percussion
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25 JAHRE – ANNIVERSARY TOUR
Eins der erfolgreichsten und meistgestreamten Pianotrios um den Pianisten und Bandleader Bernhard Schüler mit Omar Rodriguez Calvo am Kontrabass und Tobias Schulte an den Drums und Percussion feiert 25-jähriges Bestehen und ist 2 Nächte zu Gast im A-Trane!
Auf ihrer großen Jubiläumstour präsentieren die drei Musiker ein Best-Of Programm aus 25 Jahren Bandgeschichte. Zu hören sind zahlreiche „triosence Klassiker“, die die Band seit vielen Jahren nicht mehr gespielt hat – neu arrangiert und in neuem Gewand. Gleichzeitig gibt triosence mit vielen brandneuen Songs schon einen Ausblick auf das ersehnte zehnte Album. Ihre Konzerte sind ein Feuerwerk aus mitreißender Spielfreude, hochvirtuosen Spiel, stilistisch bunt und abwechslungsreich und begeistern das Publikum auch durch die humorvollen Geschichten und Anekdoten des Bandleaders.
Neben den acht Studio- und einem Live-Album blickt die Band zurück auf zahlreiche Auszeichnungen, Preise, Top Jazz-Charts-Platzierungen und unzählige Konzerte und Festivals im In- und Ausland. Der Stern nannte sie in einem großen Feature “die neuen Gesichter des deutschen Jazz und ein Exempel für musikalische Dreieinigkeit”. Das wichtigste japanische Jazzmagazin Swing Journal schrieb über triosence als: „Das Pianotrio, das unseren Eindruck vom steifen deutschen Jazz weggewischt hat“
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Konzertdetails
GANNA FEAT: JULIAN SARTORIUS KUPALA Release Show – BERTHOLD Records 2002 emigrierte Ganna Gryniva mit ihren Eltern aus der Ukraine nach Deutschland. Heute gilt sie als “eine der eindrucksvollsten Sängerinnen und
Konzertdetails
GANNA FEAT: JULIAN SARTORIUS
KUPALA Release Show – BERTHOLD Records
2002 emigrierte Ganna Gryniva mit ihren Eltern aus der Ukraine nach Deutschland. Heute gilt sie als “eine der eindrucksvollsten Sängerinnen und Musikerinnen der europäischen Jazz- und Weltmusikszene” (Ö1 Radio, AT). Seit 2014 arbeitet Ganna Gryniva mit der Folklore ihrer Heimat und verbindet sie mit Jazz, experimenteller und elektronischer Musik in verschiedenen Besetzungen.
2023 brachten BERTHOLD records ihr Debut-Album als Solo-Performerin GANNA mit Loops, Samples und dem Guitaret heraus. Auf KUPALA verbindet sie die Authentizität und Tradition des ukrainischen Gesangs mit moderner Komposition und elektronischer Musik. Alles beginnt mit einer einfachen Melodie, die durch GANNA zum Leben erweckt wird. Live und mit Hilfe von unerwarteten Harmonien und Rhythmen wird eine aufregende Klangwelt geschaffen. Das Repertoire ist inspiriert durch Ganna Grynivas Forschungsreisen in verschiedene Regionen der Ukraine, wo sie Großmütter und Großväter in den Karpaten, in Dörfern bei Kyjiw und Poltawa interviewte.
Für die Produktion des Albums KUPALA erhielt die Sängerin Unterstützung vom Londoner Produzenten Tomáš Kašpar, der in Wien lebenden ukrainischen Autorin Tanja Maljartschuk und dem Schweizer Schlagzeuger, Percussionisten und Künstler Julian Sartorius. Mit deren extremer Feinfühligkeit und unfassbarer Hingabe wurde KUPALA das Ergebnisse der langjähriger Arbeit von GANNA als Solo-Performerin.
Zum allerersten Mal wird KUPALA im Duo mit Julian Sartorius aufgeführt. Seine präzisen und vielschichtigen rhythmischen Muster sind scharfe Exkursionen in die verborgenen Klänge von gefundenen Objekten und präparierten Instrumenten und schlagen eine Brücke zwischen organischen Klangfarben und dem Vokabular der (experimentellen) elektronischen Musik. Julian Sartorius hat zahlreiche Soloalben veröffentlicht, schafft audiovisuelle Kunstwerke und arbeitete in den letzten Jahren mit zahlreichen Musiker:innen zusammen, darunter Sophie Hunger, Sylvie Courvoisier und Dan Carey. Sein markantes Schlagzeugspiel ist auf den aktuellen Alben von Kate Tempest, Matthew Herbert und James Zoo zu hören.
Für die Premiere der Live-Performance von KUPALA im Duo mit Julian Sartorius verlassen die Stücke ihr produziertes Gewand und finden neue Formen in der gemeinsamen intimen, doch zugleich ausdrucksstarken Interaktion und Improvisation.
“Der Grad an Talent, ja sogar Zauberei – musikalisch, kompositorisch, stimmlich – der sie auf so viele verschiedene Arten durchströmt, ist außergewöhnlich“
London Jazz News
“Das sind Klänge von bezaubernder Schönheit“
BR-Klassik Radio
“Eines der besten Alben des Jahres mit dem bewussten Wunsch, sich aller Worte zu entledigen, um des Unbeschreiblichen willen.“
Varianty Zeitschrift
“Von ihrer hochvirtuosen und zugleich bodenständigen und zugänglichen Musik kann man nur begeistert sein“
JAZZTHETIK Zeitschrift
Ganna Gryniva – Gesang, Guitaret, Loops, Samples
Julian Sartorius – Percussion
Foto Ganna©Dovile Sermokas
Foto Ganna Blue/Yellow©Lena Thiemann
Foto Julius©Milena Krstic
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MUSIKER
Ganna Gryniva – Gesang, Guitaret, Loops, Samples
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Konzertdetails
INSIDE COLOURS TRIO “INSIDE COLOURS“ – JAZZWERKSTATT ALBUM RELEASE CONCERT ‘Inside Colours‘ – consisting of pianist Julie Sassoon and saxophonist/bass clarinetist Lothar Ohlmeier, brings together two extraordinary talents whose finesse,
Konzertdetails
INSIDE COLOURS TRIO
“INSIDE COLOURS“ – JAZZWERKSTATT ALBUM RELEASE CONCERT
‘Inside Colours‘ – consisting of pianist Julie Sassoon and saxophonist/bass clarinetist Lothar Ohlmeier, brings together two extraordinary talents whose finesse, musical brilliance and intuitive communication creates a musical universe whose beauty is deeply moving and utterly captivating. Their last album received rave reviews among international critics:
“An unclassifiable venture, Julie consistently makes the piano, her voice and her deepest emotions sound awesomely and naturally inseparable.”
Guardian – John Fordham
“Ohlmeier is an unusually eclectic performer, who seems to push and drive this music forward whenever he’s at the plate.”
All about Jazz – Duncan Heining
Since the success of their concerts at the Bayerisches Jazz Festival described as the ‘Highlight of the Festival’, ‘Inside Colours’ Duo has been recorded live and featured many times on (ARD German National Radio). In their concert at the prestigious Berlin Philharmonie Kammermusiksaal in April 2023 they were joined by very special guest – the young talented Mia Ohlmeier – their daughter – on drums, to form the ‘Inside Colours’ Trio. These recordings will be released on a new double album on the Jazzwerkstatt label and presented tonight at the A-Trane.
Julie Sassoon – Piano/Composition
Lothar Ohlmeier – Tenor Saxophone/Bass Clarinet
Mia Ohlmeier – Drums
Fotos© Cristina Marx/Thomas Schreyegg
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Julie Sassoon – Piano/Composition
Lothar Ohlmeier – Tenor Saxophone/Bass Clarinet
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BILL PETRY & BAND ALBUM RELEASE KONZERT „CLOSE YOUR EYES“ PRODUCED BY TILL BRÖNNER „Close Your Eyes“ – der Titel, den der Trompeter Bill Petry seinem Debütalbum gegeben hat,
Konzertdetails
BILL PETRY & BAND
ALBUM RELEASE KONZERT
„CLOSE YOUR EYES“ PRODUCED BY TILL BRÖNNER
„Close Your Eyes“ – der Titel, den der Trompeter Bill Petry seinem Debütalbum gegeben hat, lässt sich als Gebrauchsanweisung lesen: Man höre diese Musik als Angebot zum Innehalten, zur Entschleunigung, zur Selbstvergewisserung in Zeiten von Unsicherheit, Krisen und hektischem Alltag. Nicht Augen zu und durch, vielmehr Augen schließen und sich auf die Ruhe einlassen, die dieser Musik eigen ist. Vertraute, innige Geschichten werden erzählt, Geschichten, die sich durch die Sprache der Musik vermitteln, Lieder, die in diesem Fall ohne Worte auskommen. Zurückgenommen, vertrauend auf die Schönheit der Musik, harmonisch gleichwohl raffiniert und melodisch berührend spielt Petry seine besondere Stärke aus: einen unverwechselbaren Ton, reich an Nuancen, Farben, Emotionen.
Mit Close Your Eyes ist Bill Petry ein reifes und ein sehr persönliches Album gelungen. Er ist ein Musiker, der sich nicht mehr finden muss, der seine Stimme bereits gefunden hat. Stilistisch lässt sich Petry in keine Jazz-Schublade stecken. So arbeitete er als Solist neben Jazzgrößen wie Billy Hart, Riccardo Del Fra und Till Brönner, immer wieder auch genreübergreifend mit international gefeierten Musiker:innen wie Lisa Batiashvili und Daniel Hope. Till Brönner, der das Debütalbum produziert hat, sagt über seinen Trompeterkollegen, er müsse lediglich zwei Töne hören, um zu wissen: Da spielt Bill Petry! Zwei seelenverwandte Musiker haben sich für dieses Projekt zusammengetan: Petry, ebenso wie Brönner, spielt die Trompete auf eine Art und Weise, die der menschlichen Stimme möglichst nahekommen soll.
Als Produzent hat sich Brönner schon längst einen Namen gemacht – anfangs mit dem großformatigen Projekt 17 Millimeter der späten Hildegard Knef (1999), darauffolgend durch Arbeiten für so unterschiedliche Künstler wie Manfred Krug, Thomas Quasthoff oder die No Angels. Mit Close Your Eyes hat Brönner nun erstmalig ein Album für einen anderen Trompeter produziert.
“This album simply needed to be recorded! I feel every note in it, and I am proud having been a part of Bill Petry’s debut. You will hear and read a lot about him in the future. Trust me.”
Till Brönner
Bill Petry – Trumpet
Christian von der Goltz – Piano
Olaf Casimir – Bass
Tobias Backhaus – Drums
Foto©Till Brönner
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Bill Petry – Trumpet
Christian von der Goltz – Piano
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BILL PETRY & BAND ALBUM RELEASE KONZERT „CLOSE YOUR EYES“ PRODUCED BY TILL BRÖNNER „Close Your Eyes“ – der Titel, den der Trompeter Bill Petry seinem Debütalbum gegeben hat,
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„CLOSE YOUR EYES“ PRODUCED BY TILL BRÖNNER
„Close Your Eyes“ – der Titel, den der Trompeter Bill Petry seinem Debütalbum gegeben hat, lässt sich als Gebrauchsanweisung lesen: Man höre diese Musik als Angebot zum Innehalten, zur Entschleunigung, zur Selbstvergewisserung in Zeiten von Unsicherheit, Krisen und hektischem Alltag. Nicht Augen zu und durch, vielmehr Augen schließen und sich auf die Ruhe einlassen, die dieser Musik eigen ist. Vertraute, innige Geschichten werden erzählt, Geschichten, die sich durch die Sprache der Musik vermitteln, Lieder, die in diesem Fall ohne Worte auskommen. Zurückgenommen, vertrauend auf die Schönheit der Musik, harmonisch gleichwohl raffiniert und melodisch berührend spielt Petry seine besondere Stärke aus: einen unverwechselbaren Ton, reich an Nuancen, Farben, Emotionen.
Mit Close Your Eyes ist Bill Petry ein reifes und ein sehr persönliches Album gelungen. Er ist ein Musiker, der sich nicht mehr finden muss, der seine Stimme bereits gefunden hat. Stilistisch lässt sich Petry in keine Jazz-Schublade stecken. So arbeitete er als Solist neben Jazzgrößen wie Billy Hart, Riccardo Del Fra und Till Brönner, immer wieder auch genreübergreifend mit international gefeierten Musiker:innen wie Lisa Batiashvili und Daniel Hope. Till Brönner, der das Debütalbum produziert hat, sagt über seinen Trompeterkollegen, er müsse lediglich zwei Töne hören, um zu wissen: Da spielt Bill Petry! Zwei seelenverwandte Musiker haben sich für dieses Projekt zusammengetan: Petry, ebenso wie Brönner, spielt die Trompete auf eine Art und Weise, die der menschlichen Stimme möglichst nahekommen soll.
Als Produzent hat sich Brönner schon längst einen Namen gemacht – anfangs mit dem großformatigen Projekt 17 Millimeter der späten Hildegard Knef (1999), darauffolgend durch Arbeiten für so unterschiedliche Künstler wie Manfred Krug, Thomas Quasthoff oder die No Angels. Mit Close Your Eyes hat Brönner nun erstmalig ein Album für einen anderen Trompeter produziert.
“This album simply needed to be recorded! I feel every note in it, and I am proud having been a part of Bill Petry’s debut. You will hear and read a lot about him in the future. Trust me.”
Till Brönner
Bill Petry – Trumpet
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Foto©Till Brönner
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Magnus Lindgren & John Beasley «Butterfly Effect» ACT MUSIC CD & VINYL RELEASE CONCERT Kleiner Impuls, große Wirkung – dafür steht der Begriff „Butterfly Effect“. Schon der Flügelschlag eines Schmetterlings an einem Punkt
Konzertdetails
Magnus Lindgren & John Beasley
«Butterfly Effect»
ACT MUSIC CD & VINYL RELEASE CONCERT
Kleiner Impuls, große Wirkung – dafür steht der Begriff „Butterfly Effect“. Schon der Flügelschlag eines Schmetterlings an einem Punkt der Erde kann eine Kette von Ereignissen auslösen, die an einem weit entfernten Ort gewaltige Veränderungen zur Folge haben. Im Falle des Duos von Saxofonist, Flötist und Klarinettist Magnus Lindgren und Pianist John Beasley ist der Ausgangspunkt für diese Kette von Ereignissen das kleinsmögliche Format musikalischer Interaktion: Das Duo.
Die elf Eigenkompositionen und eine Bearbeitung des Beatles-Klassikers „Come Together“ erzeugen kleine musikalische Welten, die Lindgren und Beasley gemeinsam erkunden und gestalten. Man könnte dies auch Echtzeit-Arrangieren nennen, also die Beschleunigung der Kunst, für die Lindgren und Beasley seit Jahren weltberühmt sind. Beide zählen zu den wichtigsten und gefragtesten Arrangeuren in Jazz und populärer Musik und gleich ihr erstes gemeinsames Album „Bird Lives“ wurde mit einem GRAMMY ausgezeichnet und weitere drei Mal nominiert.
Wie bei „Bird Lives“ liegt auch der Reiz von „Butterfly Effect“ in den vielfältigen Perspektiven seiner Protagonisten. Magnus Lindgren, zuhause in Schweden, schöpft aus der Tiefe europäischer Klassik, der Freiheit des Jazz und der Emotionalität von Soul und Pop. Der Amerikaner John Beasley vereint die imaginative Kraft von Film- und TV-Soundtracks aus seiner Feder mit der Erfahrung aus der Zusammenarbeit mit Stars wie Miles Davis, Freddie Hubbard, Steely Dan oder Dianne Reeves und einem eindrucksvollen Background aus Bigband Arrangements und Kompositionen.
„Butterfly Effect“ wirkt wie ein Destillat aus all diesen Einflüssen. Und zugleich zeigt das Album eine ganz andere Seite von Lindgren und Beasley, jenseits ihrer Arbeit mit großen Orchestern und Big Bands. Man merkt ihnen die Freude an der Leichtigkeit und Spontanität der kleinen Besetzung an: Eine Freude, die sich unmittelbar auf die Zuhörer überträgt.
Magnus Lindgren – Flute, Tenorsaxophone, Clarinet
John Beasley – Piano
Foto©Gregor Hohenberg
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MUSIKER
Magnus Lindgren – Flute, Tenorsaxophone, Clarinet
John Beasley – Piano
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Magnus Lindgren & John Beasley «Butterfly Effect» ACT MUSIC CD & VINYL RELEASE CONCERT Kleiner Impuls, große Wirkung – dafür steht der Begriff „Butterfly Effect“. Schon der Flügelschlag eines Schmetterlings an einem Punkt
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Magnus Lindgren & John Beasley
«Butterfly Effect»
ACT MUSIC CD & VINYL RELEASE CONCERT
Kleiner Impuls, große Wirkung – dafür steht der Begriff „Butterfly Effect“. Schon der Flügelschlag eines Schmetterlings an einem Punkt der Erde kann eine Kette von Ereignissen auslösen, die an einem weit entfernten Ort gewaltige Veränderungen zur Folge haben. Im Falle des Duos von Saxofonist, Flötist und Klarinettist Magnus Lindgren und Pianist John Beasley ist der Ausgangspunkt für diese Kette von Ereignissen das kleinsmögliche Format musikalischer Interaktion: Das Duo.
Die elf Eigenkompositionen und eine Bearbeitung des Beatles-Klassikers „Come Together“ erzeugen kleine musikalische Welten, die Lindgren und Beasley gemeinsam erkunden und gestalten. Man könnte dies auch Echtzeit-Arrangieren nennen, also die Beschleunigung der Kunst, für die Lindgren und Beasley seit Jahren weltberühmt sind. Beide zählen zu den wichtigsten und gefragtesten Arrangeuren in Jazz und populärer Musik und gleich ihr erstes gemeinsames Album „Bird Lives“ wurde mit einem GRAMMY ausgezeichnet und weitere drei Mal nominiert.
Wie bei „Bird Lives“ liegt auch der Reiz von „Butterfly Effect“ in den vielfältigen Perspektiven seiner Protagonisten. Magnus Lindgren, zuhause in Schweden, schöpft aus der Tiefe europäischer Klassik, der Freiheit des Jazz und der Emotionalität von Soul und Pop. Der Amerikaner John Beasley vereint die imaginative Kraft von Film- und TV-Soundtracks aus seiner Feder mit der Erfahrung aus der Zusammenarbeit mit Stars wie Miles Davis, Freddie Hubbard, Steely Dan oder Dianne Reeves und einem eindrucksvollen Background aus Bigband Arrangements und Kompositionen.
„Butterfly Effect“ wirkt wie ein Destillat aus all diesen Einflüssen. Und zugleich zeigt das Album eine ganz andere Seite von Lindgren und Beasley, jenseits ihrer Arbeit mit großen Orchestern und Big Bands. Man merkt ihnen die Freude an der Leichtigkeit und Spontanität der kleinen Besetzung an: Eine Freude, die sich unmittelbar auf die Zuhörer überträgt.
Magnus Lindgren – Flute, Tenorsaxophone, Clarinet
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