A-TRANE PRÄSENTIERT: «JAB105» JAZZAUSBERLIN OKTOBER 2023
TWO CONCERTS ONE NIGHT
HEUTE MIT: SOFIA SALVO & LARA ALARCÓN DUO / DREAM BIG FISH

SOFIA SALVO & LARA ALARCÓN
Laras Gesang, vielleicht der trashigste und innovativste der Stadt, verschmilzt tadellos mit Sofías röhrendem Baritonsaxophon. Es erwartet Sie eine rasante Fahrt voller Dynamik, Energie, Dunkelheit und Verspieltheit. Und wenn sich die Welle dreht, werden sie Euch bis in die kleinsten Details treiben, wo die hellen Teufel erscheinen. Definitiv frischer, junger Wind für Ihre Ohren!

Lara’s vocals, perhaps the trashiest and more innovative in town melt deliciously with Sofia’s roaring baritone sax. You can expect a rushing drive of dynamic, energy, darkness and playfulness. And as the wave turns they’ll drive you to the tiniest of details, where the bright devils arise. Definitely some fresh young air for your ears!

ERSTES SET
Sofía Salvo – Baritone Sax / Electronics
Lara Alarcón – Voice / Electronics

YouTube Link Sofía
YouTube Link Lara

DREAM BIG FISH
Das Trio DREAM BIG FISH vereint drei Musiker der Berliner Szene die nicht nur durch zahlreiche Konzerte im In- und Ausland und viel gemeinsame Zeit im Proberaum, sondern besonders durch ihren Drang gemeinsam zu Improvisieren und neue musikalische Strukturen zu schaffen einen eigenständigen Sound gefunden haben. Die Eigenkompositionen der Band präsentieren deren Individualität und Ausdrucksstärke und man hört deutlich wie sehr die Musiker sich gegenseitig vertrauen, ermutigen und fordern. Freie Improvisation mischt sich mit komplexen Rhythmen und spannungsvollen Melodien ohne jemals den Faden zu verlieren, sondern vielmehr um mit kollektiver Energie Klangwelten zu schaffen, deren Anziehungskraft in der spontanen Interaktion und Ehrlichkeit der Musiker liegt.

The trio DREAM BIG FISH unites three musicians from the Berlin scene who have not only found their own sound through numerous concerts at home and abroad and a lot of time together in the rehearsal room, but especially through their urge to improvise together and create new musical structures. The band’s original compositions present their individuality and expressiveness and you can clearly hear how much the musicians trust, encourage and challenge each other. Free improvisation mixes with complex rhythms and tense melodies without ever losing the thread, but rather to create sound worlds with collective energy, whose attraction lies in the spontaneous interaction and honesty of the musicians.

ZWEITES SET
Julius Gawlik – Tenor sax / Alto clarinet
Thorbjørn Stefansson – Bass
Marius Wankel – Drums

YouTube Link DREAM BIG FISH

HORNUNG TRIO
«STRUKTUREN»
Traumton CD Release Concert

Ludwig Hornung ist einer jener Jazzpianisten, die von der Klassik nicht lassen können und die deren subtile formale Entwicklungen, Klangfarben und Anschlagstechniken in ihrem Spiel verarbeiten. Damit ragt er schon meilenweit aus der Masse der sich in letzter Zeit neu gebildeten »klassischen«, d.h. das Immer gleiche aufs Neue wiederholenden Pianisten hervor. Mit dem Bassisten Phil Donkin und dem Schlagzeuger Bernd Oezsevim hat er nach »Spieler« die zweite CD veröffentlicht, die vielleicht noch radikaler Hörgewohnheiten brüskiert und mit jazzüblichen Formschemata (Thema Solo Thema) Schluss macht.
Wer gemeinhin bei der Themenreprise abschaltet, weil sie bereits Bekanntes wiederholt, muss bei Hornung bis zum Ende hinhören. Denn es gibt bei ihm keine Form, auf die man sich einstellen könnte, die Form muss man beim Hören aktiv erschließen. Hornung verarbeitet Einflüsse, die gleichermaßen von Paul Bley, Skrjabin und Messiaen kommen, aber auch vom weniger bekannten russischen Komponisten Nikolai Roslawez, dessen Musik eine sehr eigentümliche Stellung zwischen Tonalität und Atonalität einnahm.
Mit enormer Virtuosität lässt Hornung die herkömmlichen, klar trennenden Grenzen zwischen Komposition und Improvisation verschwimmen, baut ungewöhnliche Metren ein, spielt wild perlende Arpeggien und konstruiert Linien, die in ihrem Habitus teilweise an die Zwölftonmusik erinnern. Das deutlichste Merkmal seines Spiels ist allerdings seine sensible Anschlagtechnik, mit der er fein nuancierte Klangfarben erreicht. Dies hört man schon deutlich am Anfang der CD: nach dem rasenden, manchmal hart gespielten ersten Stück »Strukturen« kommt der Kontrast: das weichere, eher balladeske, fast kantable »Wenn die Sirenen wieder rufen« mit leisen Tönen und ungewöhnlichen Intervallen.
Hornung dereguliert den Jazz, lässt viel Eigenes einfließen und erweitert so das Arsenal der Spielmöglichkeiten, macht aber die Ergebnisse seiner Phantasie zu einem anregenden Erlebnis für jene willigen Hörenden, die wirklich an Neuem interessiert sind.
BENNO BARTSCH/JAZZ PODIUM

Ludwig Hornung
begann seine Ausbildung sechsjährig mit klassischen Klavierstunden und Schlagzeugunterricht, in den anschließenden Jahren folgten zweite und erste Preise bei
„Jugend musiziert“ und „Jugend jazzt“.
Parallel dazu interessierte sich Ludwig Hornung für elektronische Musikstile wie Trip Hop, Hip Hop und Breakbeat und begann im Alter von 14 Jahren, Beats und Remixes mit professionellen DJs zu produzieren und gastierte mit diesen bei Konzerten.
2006 Studium als Diplommusiker im Bereich Jazz-Klavier an der Musikhochschule Stuttgart bei Prof. Paul Schwarz. 2008 wechselte er dann an das Jazz Institut Berlin zu Prof. Wolfgang Köhler, Prof. David Friedman und Prof. Hubert Nuss, wo er im Juli 2011 sein Bachelor-Studium mit Bestnote abschloss.
Seine Hauptaktivitäten in den letzten Jahren waren vor allem die Gründung zweier eigener Projekte: das akustische „Hornung Trio“ mit Phil Donkin am Bass und Bernd Oezsevim am Schlagzeug (die erste CD „Spieler“ erschien im Sommer 2017 bei der renommierten Reihe „Jazz thing – Next Generation“, die zweite CD „Strukturen“ im Herbst 2022 bei Traumton Records“), sowie die Combo „Triebwerk Hornung“, bestehend aus Saxophon, Schlagzeug und Fender Rhodes, zusammen mit Wanja Slavin und John Schröder (letzterer wurde 2019 abgelöst durch Oliver Steidle), die Debut-CD erschien im Winter 2016 bei dem schweizer Label „Unit Records“ (ausschließlich  Eigenkompositionen).
Hornung trat weltweit auf vielen Festivals auf.
Er spielte und konzertierte unter anderem mit Kurt Rosenwinkel, Tobias Delius, Felix Wahnschaffe, Dima Bondarev, Rudi Mahall, Uli Kempendorff, John Schröder, Ben Kraef, Tobias Backhaus, Sebastian Merk, Ivars Arutyunyan, Moritz Baumgärtner, Oliver Steidle, Fabian Arends, Phil Donkin, Andreas Lang, Matthias Pichler, Josh Ginsburg, Ronny Graupe, Paulo Cardoso, Diego Pinera, Tony Lakatos u. v. a.
2017, 2018 sowie 2021 erhielt Ludwig Hornung ein Stipendium des Berliner Senats.

Bernd Oezsevim
spielt seit seinem neunten Lebensjahr Schlagzeug. Nach Anfängen in Orchestern und Bigbands begann er als Jugendlicher in kleineren Ensembles zu spielen. Er lebte zwischen 2002 und 2008 im Ruhrgebiet, wo er an der Folkwang Hochschule ein Jazzstudium absolvierte.
Seit 2002 tourte er weltweit mit Gunter Hampel, was auf zahlreichen Ton- und Bildträgern dokumentiert ist. Mit dem Pianisten Oliver Maas und dem Bassisten Markus Braun bildete er das Trio Invisible Change, mit Katrin Scherer und Sven Decker die Band Ohne 4 gespielt drei. Auch spielte er in den vergangenen Jahren mit Musikern wie Perry Robinson, Rupert Stamm, Matthias Schubert, Steve Swell, Daniel Carter, Sabir Mateen, Florian Weber, Randy Brecker, Uri Caine, Nguyên Lê, Angelika Niescier, Silke Eberhard, Dan Weiss oder Rudresh Mahanthappa. Des Weiteren war er auch Teil verschiedener Theater- und Tanzproduktionen im In- und Ausland. Seit 2010 lebt er in Berlin und gehört zur dortigen Jazzszene.
Oezsevim erreichte im Alter von 14 Jahren einen ersten Preis bei Jugend musiziert; beim Wettbewerb Best European Youth Drummer 1996 in Lahnstein beim Super Drumming Festival erreichte er den dritten Platz. 2000 war er Bundespreisträger bei Jugend jazzt in Erfurt. Den JazzWerkRuhrPreis gewann er insgesamt viermal, mit den Bands Invisible Change, Ohne 4 gespielt drei, Matovs Garage und dem Zodiak Trio. Mit dem Zodiak Trio erreichte er 2011 beim Neuen Deutschen Jazzpreis einen zweiten Platz, sowie 2013 mit „Ohne 4 gespielt drei“.

Ludwig Hornung – Piano
Matthias Pichler – Bass
Bernd Oezsevim – Drums

TORSTEN GOODS
«Soul Searching» Tour 2023
ALBUM RELEASE CONCERT

FEAT: JAN MISERRE – BJÖRN WERRA – CHRISTOPH HUBER

Der Name ist Programm. „Soul Searching“, das neue, schon siebte Album von Torsten Goods ist mehr als eine Quelle frischer „Feelgood Music“, beeinflusst von Jazz, Soul, Blues und den lockeren Westcoast/AOR Sounds der späten 70er in Kalifornien, mit Gästen wie Randy Brecker, Nils Landgren oder Bireli Lagrene. „Soul Searching“ erzählt auch die sehr persönliche Geschichte der optischen Wandlung des „an der Gitarre ebenso wie als Sänger begnadeten“, laut SZ, „den man deswegen auch schon den „deutschen George Benson“ genannt hat“. Die Identitätsfindung, die auch die Gewöhnung an sein neues, kahles Aussehen aufgrund einer Autoimmmunstörung mit sich brachte, ist zentrales Thema bei „Soul Searching“, offensichtlich in Songs wie „Naked Funk“ oder der Ballade „I Had To Learn Not To Care“.

Seine „Soul Searching Tour 2023“ führt Torsten Goods mit Jan Miserre an Keyboards und Piano, Felix Lehrmann am Schlagzeug und Thomas Stieger am Bass, sprich: der Band hinter dem neuen Album, seit vierzehn Jahren perfekt eingespielt, im Herbst endlich wieder durch ganz Deutschland. Aber auch in die Schweiz, UK und natürlich Irland, der Heimat seiner Mutter und Familie. Im Zentrum der Konzerte steht das neue Album, aber auch die Fan-Favoriten aus Torstens Back-Katalog dürfen nicht fehlen. So wird jedes Konzert der „Soul Searching“-Tour zum einzigartigen Erlebnis, voll tief empfundener, virtuos gespielter, akustischer Glücklichmacher. Das Rezept: „smooth Vocals, fast guitars und feelgood grooves“.

TORSTEN GOODS – GUITAR/VOCALS
JAN MISERRE – KEYS/PIANO
BJÖRN WERRA – BASS
CHRISTOPH HUBER – DRUMS
Foto©Chris Heidrich

TORSTEN GOODS
«Soul Searching» Tour 2023
ALBUM RELEASE CONCERT

FEAT: JAN MISERRE – BJÖRN WERRA – CHRISTOPH HUBER

Der Name ist Programm. „Soul Searching“, das neue, schon siebte Album von Torsten Goods ist mehr als eine Quelle frischer „Feelgood Music“, beeinflusst von Jazz, Soul, Blues und den lockeren Westcoast/AOR Sounds der späten 70er in Kalifornien, mit Gästen wie Randy Brecker, Nils Landgren oder Bireli Lagrene. „Soul Searching“ erzählt auch die sehr persönliche Geschichte der optischen Wandlung des „an der Gitarre ebenso wie als Sänger begnadeten“, laut SZ, „den man deswegen auch schon den „deutschen George Benson“ genannt hat“. Die Identitätsfindung, die auch die Gewöhnung an sein neues, kahles Aussehen aufgrund einer Autoimmmunstörung mit sich brachte, ist zentrales Thema bei „Soul Searching“, offensichtlich in Songs wie „Naked Funk“ oder der Ballade „I Had To Learn Not To Care“.

Seine „Soul Searching Tour 2023“ führt Torsten Goods mit Jan Miserre an Keyboards und Piano, Felix Lehrmann am Schlagzeug und Thomas Stieger am Bass, sprich: der Band hinter dem neuen Album, seit vierzehn Jahren perfekt eingespielt, im Herbst endlich wieder durch ganz Deutschland. Aber auch in die Schweiz, UK und natürlich Irland, der Heimat seiner Mutter und Familie. Im Zentrum der Konzerte steht das neue Album, aber auch die Fan-Favoriten aus Torstens Back-Katalog dürfen nicht fehlen. So wird jedes Konzert der „Soul Searching“-Tour zum einzigartigen Erlebnis, voll tief empfundener, virtuos gespielter, akustischer Glücklichmacher. Das Rezept: „smooth Vocals, fast guitars und feelgood grooves“.

TORSTEN GOODS – GUITAR/VOCALS
JAN MISERRE – KEYS/PIANO
BJÖRN WERRA – BASS
CHRISTOPH HUBER – DRUMS
Foto©Chris Heidrich

Stephanie Lottermoser
«IN DEPENDENCE»

Jazz ist eine Allegorie für das Leben. Und für beides gilt: Unabhängigkeit zu erlangen ist ein langer Prozess. Das ist das Narrativ von IN DEPENDENCE. Stephanie Lottermosers aktuelles Album handelt vom Streben nach Eigenständigkeit in allen Facetten des Lebens. Musikalisch hat sich Stephanie Lottermoser von Anfang an konsequent ihren Freiraum genommen und längst eine eigenständige und wiedererkennbare Sprache gefunden in einer Synthese aus Jazz, Soul und Pop. Ihr Stil ist geprägt von klaren kompositorischen Linien, eingängigen Melodien, emotionaler Ansprache und einer subtilen Virtuosität, fernab von akademischer Nüchternheit und Technikaffinität.
Mit ihren mittlerweile sechs Alben hat sich Stephanie Lottermoser als Saxophonistin, Sängerin, Komponistin und Bandleaderin einen festen Platz in der Deutschen Jazzlandschaft erspielt und tourt darüber hinaus mittlerweile weltweit, zuletzt in Indien, der Dominikanischen Republik, Mexico und West Afrika.
«Soulig, funkig und ganz einfach unzähmbar“  – Stephanie Lottermoser spielt mit den Kontrasten von Bedürfnis, Unabhängigkeit und Selbstbestimmung. Als Sängerin und Saxophonistin präsentiert sie ihre eigenständige und wiedererkennbare Sprache. Ihre Musik ist intensiv, persönlich und geht ins Blut. Musik, so weich und anschmiegsam wie ein rotes Plüschsofa in der Lounge bei Dämmerlicht, so aufwühlend erotisch wie die knisternde Luft eines zwielichtigen Jazzclubs. Lottermoser weiß in ihren Kompositionen mit Emotion, Arrangement und Instrumentierung umzugehen,  alle Seiten der Powerfrau kommen zum Tragen: nach ein wenig melancholischen Klängen gibt sie gleich wieder Vollgas und steuert zielstrebig in Richtung Erfolg.»
Concerto Magazin

STEPHANIE LOTTERMOSER HOMEPAGE

Stephanie Lottermoser – Tenorsaxophone/Vocal
Maik Schott – Keys
Robert Schulenburg – Bass
Tobias Held – Drums
Foto©Simon Heydorn

Stephanie Lottermoser
«IN DEPENDENCE»

Jazz ist eine Allegorie für das Leben. Und für beides gilt: Unabhängigkeit zu erlangen ist ein langer Prozess. Das ist das Narrativ von IN DEPENDENCE. Stephanie Lottermosers aktuelles Album handelt vom Streben nach Eigenständigkeit in allen Facetten des Lebens. Musikalisch hat sich Stephanie Lottermoser von Anfang an konsequent ihren Freiraum genommen und längst eine eigenständige und wiedererkennbare Sprache gefunden in einer Synthese aus Jazz, Soul und Pop. Ihr Stil ist geprägt von klaren kompositorischen Linien, eingängigen Melodien, emotionaler Ansprache und einer subtilen Virtuosität, fernab von akademischer Nüchternheit und Technikaffinität.
Mit ihren mittlerweile sechs Alben hat sich Stephanie Lottermoser als Saxophonistin, Sängerin, Komponistin und Bandleaderin einen festen Platz in der Deutschen Jazzlandschaft erspielt und tourt darüber hinaus mittlerweile weltweit, zuletzt in Indien, der Dominikanischen Republik, Mexico und West Afrika.
«Soulig, funkig und ganz einfach unzähmbar“  – Stephanie Lottermoser spielt mit den Kontrasten von Bedürfnis, Unabhängigkeit und Selbstbestimmung. Als Sängerin und Saxophonistin präsentiert sie ihre eigenständige und wiedererkennbare Sprache. Ihre Musik ist intensiv, persönlich und geht ins Blut. Musik, so weich und anschmiegsam wie ein rotes Plüschsofa in der Lounge bei Dämmerlicht, so aufwühlend erotisch wie die knisternde Luft eines zwielichtigen Jazzclubs. Lottermoser weiß in ihren Kompositionen mit Emotion, Arrangement und Instrumentierung umzugehen,  alle Seiten der Powerfrau kommen zum Tragen: nach ein wenig melancholischen Klängen gibt sie gleich wieder Vollgas und steuert zielstrebig in Richtung Erfolg.»
Concerto Magazin

STEPHANIE LOTTERMOSER HOMEPAGE

Stephanie Lottermoser – Tenorsaxophone/Vocal
Maik Schott – Keys
Robert Schulenburg – Bass
Tobias Held – Drums
Foto©Simon Heydorn

IIRO RANTALA
HEL TRIO
FEAT: CONOR CHAPLIN-ANTON EGER

Iiro Rantala präsentiert sein neues HEL Trio
«Intelligenz, Humor, viel Sentiment, unvorhersehbare Ideen und feinstes Piano-Handwerk»
Frankfurter Allgemeine Zeitung
«Naturereignis an den Tasten»
Jazz Thing

Nach anderthalb Jahrzehnten kehrt der finnische Pianist Iiro Rantala zu seinen Wurzeln zurück.
Es ist das erste Mal seit der Auflösung seiner Kultband Trio Töykeät im Jahr 2008, dass Rantala seine Musik wieder im Format eines klassischen Piano-Trios präsentiert. Mit TrioTöykeät krempelte er ab 1988 die europäische Jazzwelt um und galt neben dem Esbjörn Svensson Trio als das angesagteste Trio des Kontinents. Seit der Auflösung der Gruppe im Jahr 2008 suchte Rantala nach der idealen Formation — eine langjährige Suche, die nun mit dem HEL Trio ein Ende gefunden hat.

Als Mitmusiker stehen ihm dabei zwei kongeniale Improvisateure und Partner zur Seite — zum einen der britische Bassist Conor Chaplin, seines Zeichens Mitglied der mit dem Mercury Prize nominierten Band Dinosaur; zum anderen der schwedisch-norwegische Schlagzeuger Anton Eger — eine der schillerndsten Schlagzeuger-Persönlichkeiten der europäischen Jazzszene. Wohin die musikalische Reise mit dem HEL Trio genau gehen wird, verrät er bislang nicht. Wer Rantala, den klassisch geschulten Meisterpianisten mit dem Schalk im Nacken aber kennt, weiß, dass man von ihm Virtuosität mit eingängiger und nachvollziehbarer Melodik, E-Musik ganz ohne heiligen Ernst und mit jeder Menge überraschenden Wendungen erwarten darf. Kurzweilige und mitreißende Performances zwischen Klassik und Jazz, feurig wie die Hölle (vielleicht deshalb der Name des Trios!) und mit jeder Menge Humor dargeboten sind garantiert. In den letzten Jahren trat Rantala in den unterschiedlichsten Konstellationen auf — solo, mit Streicherensemble, im Duo und Trio mit anderen Pianisten sowie verschiedenen Bandformaten. Seine Rückkehr zum Piano-Trio-Format sollte man sich auf gar keinen Fall entgehen lassen.

Iiro Rantala – Piano
Conor Chaplin – Bass
Anton Eger – Drums

IIRO RANTALA
HEL TRIO
FEAT: CONOR CHAPLIN-ANTON EGER

Iiro Rantala präsentiert sein neues HEL Trio
«Intelligenz, Humor, viel Sentiment, unvorhersehbare Ideen und feinstes Piano-Handwerk»
Frankfurter Allgemeine Zeitung
«Naturereignis an den Tasten»
Jazz Thing

Nach anderthalb Jahrzehnten kehrt der finnische Pianist Iiro Rantala zu seinen Wurzeln zurück.
Es ist das erste Mal seit der Auflösung seiner Kultband Trio Töykeät im Jahr 2008, dass Rantala seine Musik wieder im Format eines klassischen Piano-Trios präsentiert. Mit TrioTöykeät krempelte er ab 1988 die europäische Jazzwelt um und galt neben dem Esbjörn Svensson Trio als das angesagteste Trio des Kontinents. Seit der Auflösung der Gruppe im Jahr 2008 suchte Rantala nach der idealen Formation — eine langjährige Suche, die nun mit dem HEL Trio ein Ende gefunden hat.

Als Mitmusiker stehen ihm dabei zwei kongeniale Improvisateure und Partner zur Seite — zum einen der britische Bassist Conor Chaplin, seines Zeichens Mitglied der mit dem Mercury Prize nominierten Band Dinosaur; zum anderen der schwedisch-norwegische Schlagzeuger Anton Eger — eine der schillerndsten Schlagzeuger-Persönlichkeiten der europäischen Jazzszene. Wohin die musikalische Reise mit dem HEL Trio genau gehen wird, verrät er bislang nicht. Wer Rantala, den klassisch geschulten Meisterpianisten mit dem Schalk im Nacken aber kennt, weiß, dass man von ihm Virtuosität mit eingängiger und nachvollziehbarer Melodik, E-Musik ganz ohne heiligen Ernst und mit jeder Menge überraschenden Wendungen erwarten darf. Kurzweilige und mitreißende Performances zwischen Klassik und Jazz, feurig wie die Hölle (vielleicht deshalb der Name des Trios!) und mit jeder Menge Humor dargeboten sind garantiert. In den letzten Jahren trat Rantala in den unterschiedlichsten Konstellationen auf — solo, mit Streicherensemble, im Duo und Trio mit anderen Pianisten sowie verschiedenen Bandformaten. Seine Rückkehr zum Piano-Trio-Format sollte man sich auf gar keinen Fall entgehen lassen.

Iiro Rantala – Piano
Conor Chaplin – Bass
Anton Eger – Drums

Wolfgang Muthspiel Trio
FEAT: Scott Colley and Jorge Rossy
ECM Release Tour

Verbunden durch eine enge und tiefe langjährige Freundschaft bilden Wolfgang Muthspiel, Scott Colley und Jorge Rossy zusammen das Wolfgang Muthspiel Trio. Die drei Ausnahmekönner beherrschen die Kunst, ihre persönliche Verbundenheit auf faszinierende Weise in musikalische Gefilde zu übersetzen.
Die spielerischen dynamischen Interaktionen des Trios reichen von sanften und poetischen Melodien bis hin zu kantigen Grooves und raffinierte Harmonien und kreieren eine Atmosphäre, die dieses österreichisch-amerikanische-spanische Trio einzigartig macht. Jede Note Eingebettet in warmen Klang ist es bemerkenswert und auf seine Weise persönlich und öffnet den Raum wie von Zauberhand und offenbart seine Tiefe. Die Musik scheint sich in einer Art permanenter Levitation zu befinden. Nie den Boden zu berührend lässt sie die vermeintliche Komplexität des Jazz vergessen und verwandelt sie in die zugängliche und zugleich ästhetische Eleganz einer gefühlvollen Malerei.

Wolfgang Muthspiel – GUITAR
Scott Colley – BASS
Jorge Rossy – DRUMS

Wolfgang Muthspiel Trio
FEAT: Scott Colley and Jorge Rossy
ECM Release Tour

Verbunden durch eine enge und tiefe langjährige Freundschaft bilden Wolfgang Muthspiel, Scott Colley und Jorge Rossy zusammen das Wolfgang Muthspiel Trio. Die drei Ausnahmekönner beherrschen die Kunst, ihre persönliche Verbundenheit auf faszinierende Weise in musikalische Gefilde zu übersetzen.
Die spielerischen dynamischen Interaktionen des Trios reichen von sanften und poetischen Melodien bis hin zu kantigen Grooves und raffinierte Harmonien und kreieren eine Atmosphäre, die dieses österreichisch-amerikanische-spanische Trio einzigartig macht. Jede Note Eingebettet in warmen Klang ist es bemerkenswert und auf seine Weise persönlich und öffnet den Raum wie von Zauberhand und offenbart seine Tiefe. Die Musik scheint sich in einer Art permanenter Levitation zu befinden. Nie den Boden zu berührend lässt sie die vermeintliche Komplexität des Jazz vergessen und verwandelt sie in die zugängliche und zugleich ästhetische Eleganz einer gefühlvollen Malerei.

Wolfgang Muthspiel – GUITAR
Scott Colley – BASS
Jorge Rossy – DRUMS

Paul Albrecht-Max Gerl-Beka Gochiashvili Trio
Tour 2023

Mit dem “Paul Albrecht, Max Gerl, Beka Gochiashvili Trio” gründen drei passionierte Künstler eine Band, Die Virtuosität und Beats auf eine unterhaltsame und neue Art vereint.
Beka Gochiashvili, der mit 14 Jahren mit Chick Corea spielte und zwei Jahre später mit Stanley Clarke international tourte wurde von Quincy Jones so beschreiben: “Beka is a beast, He’s a bad Motherfucker”. Als 14-jähriger Bandleader trat er mit seinem Trio zum Beispiel beim “Montreux Jazzfestival” und dem “Black Sea Festival” auf. Er wurde mit 13 Jahren von seinem Heimatland Georgien gesponsert und erhielt ein volles Stipendium an der Julliard School.
Max Gerl graduierte mit Auszeichnungen vom Berklee College of Music, leitet seine Band “Wasafiri” und arbeitet mit Musikern*innen wie: Arturo Sandoval, Emily Baer, James Francies, Talib Kweli, Jordan Rakei, Blaquedynamite und vielen anderen.
Wie seine Mentoren Stanley Clarke und John Patitucci ist Max Gerl sowohl am Kontrabass als auch am Electric Bass versiert.
Paul Albrecht gewann mit seiner Band “Paulbright Experience” Deutschlands größten Jazz-Nachwuchspreis “Future Sounds 2021” nur wenige Wochen nach Gründung der Band und wird sowohl in der Jazzszene als auch in der HipHop und Pop Welt wahrgenommen.
Er ist spielt unter anderen bei Newcomer Schmyt sowie The Jakob Manz Project und gehört aktuell zu Deutschlands gefragtesten und vielseitigsten Drummern.
Alle drei Künstler sind auch als Produzenten und Komponisten aktiv.

Paul Albrecht – Drums
Beka Gochiashvili – Piano
Max Gerl – Bass

JC DOOK
«BACK AGAIN AT THE A-TRANE»
FEAT: TILL SAHM-MANU ZACEK-MARLON BROWDEN
SPECIAL GUEST: MARLIN WILLIFORD

An evening of old school Blues, R&B, and Soul!
Blues classics from the likes of Muddy Waters, BB King, Robert Cray

Der New Yorker Gitarrist hat bereits 10 Jahre Erfahrung in der hart umkämpften Bluesszene gesammelt. Er spielte schon mit der New Orleans Legende Earl King, den Holmes Brothers sowie auch Ben E. King. Auch als Vorgruppe für Johnny Copeland, Walter» Wolfman «Washington und Little Feet trat er auf. Seine musikalische Vielschichtigkeit ermöglichte ihm gemeinsame Auftritte mit Harry Belafonte, Manu Dibango und Cassandra Wilson. Für Ester Marrow & The Harlem Gospel Singers fungierte er fünf Jahre lang als Gittarist, Arrangeur und musikalischer Leiter. JC Dook begleitete als Gitarrist zuletzt den Bassisten und Sänger Richard Bona auf seiner Welttournee.
Vielschichtig und multikulturell, so beschreibt man am besten den Gitarristen, Komponisten und Arrangeur J.C. Doo-Kingué. JC hat die meiste Zeit seines Lebens in New York verbracht. Hervorragende musikalische Kenntnisse ermöglichen es ihm, sich überzeugend und einfühlend in verschiedenen Musikrichtungen zu bewegen, ohne seine eigene musikalische Note zu verlieren. Seit 2000 lebt JC in Deutschland. Als ersten Grundstein für seine weitere musikalische Karriere in Deutschland gründete er 2001 das Blues-Trio Dook Joint.  Zwar mit dem Blues aufgewachsen und erfolgreich in New York praktiziert, konnte JC mit einem Worldbeat Instrumental Jazz-Album seine ganze musikalische und multikulturelle Bandbreite zur Geltung bringen. JC Dook Band präsentiert sowohl eigene Musikstücke als auch Blues & Soul Standards.
A-Trane is very happy to welcome the great artist and musician living in our town to perform and share his music on our stage.

«On my back to the A-Trane night, my newly revamped band will perform Blues classics as well R&B, Soul and Motown hits. I will feature  Marlin Williford (The Voice Of Germany 2017). Come on down! An event not to be missed!»
JC Dook

JC Dook – Guitar/Vocal
Till Sahm – Keys
Manu Zacek – Bass
Marlon Browden – Drums
Marlin Williford – Vocal
Fotos©Gudrun Arndt

Emma Rawicz
ACT CD RELEASE «CHROMA»

Jamie Cullum nennt die britische Saxofonistin Emma Rawicz «Ein beeindruckendes Talent», Jazzwise Magazine «Eine Kraft mit der man rechnen sollte» und die BBC konstatiert: «Der Name Emma Rawicz ist gerade in aller Munde». Die 21-Jährige ist die neueste Entdeckung der lebendigen Londoner Jazz-Szene, die seit Jahren weltweit für Aufsehen sorgt. Und trotz ihres jungen Alters hat sie bereits enorm viel erreicht: Gewinnerin des Parliamentary Jazz Awards, Finalistin bei den Jazz FM Awards und der BBC Young Jazz Musician Competition, Konzerte auf und in allen namhaften britischen Festivals und Clubs, mehrfacher Headliner in Londoner Institutionen wie dem Jazz Café oder dem Ronnie Scott’s und Auftritte auf internationalen Festivals. Heute ist sie im A-Trane.

«Already the real deal»
Jazzwise

«Hugely promising! Emma Rawicz has a fantastic sound»
Marlbank

Emma Rawicz -Tenor Saxophone, Flute, Bass Clarinet
Kit Downes – Piano
Kevin Glasgow – Upright & Electric Bass
Martin France – Drums
Foto©ACT Gregor Hohenberg

A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

FACEBOOK LIVE

Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,

Facebook Andreas Schmidt

It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

«JAB105»JAZZAUSBERLIN
NOVEMBER 2023
TWO CONCERTS ONE NIGHT
HEUTE MIT: RAY’M & MIRNA BOGDANOVIC

JAB 105 (Jazz aus Berlin) ist eine konstante Berliner Jazz Reihe im A-Trane Berlin seit 2014, welche Berliner KünstlerInnen featured. In Zusammenarbeit mit IG-Jazz und der Deutschen Jazz Union werden unter dem Motto “Two Concerts One Night” jeden ersten Dienstag im Monat jeweils zwei Berliner Ensembles an einem Abend vorgestellt. Dabei variieren die Besetzungen von Solo bis Quintett. Im Fokus stehen Vielfalt und Diversität der Berliner Jazzszene, die an acht Konzertterminen im Jahr präsentiert wird. Kuratiert wird die Reihe von 2 Berliner MusikerInnen, die alle 2 Jahre wechseln. KuratorInnen bis jetzt waren: Uli Kempendorff, Gebhard Ullmann, Peter Ehwald, Moritz Baumgärtner, Kathrin Pechlof, Julia Hülsman, Mia Knop Jacobsen und Lukas Akintaya. Kuratorinnen derzeit sind James Banner und Zuza Jasinska. Das Programm verspricht spannende und vielfältige Konzerterlebnisse und wirft gleichzeitig die Aufmerksamkeit auf die starke Berliner Jazz Szene.
Durch die sehr unterschiedlich gestalteten Sets (Stile, Alter, Herkunft) soll die Vernetzung der Berliner Szene angeregt/erweitert werden. Mit JAB 105 soll auch zukünftig bewiesen werden, dass es in der Hauptstadt eine der stärksten und diversesten Jazz-Szenen gibt. Das A-Trane überträgt die Konzerte Live, bei denen auch der früherer RBB-Moderator Ulf Drechsel Interviews mit den KünstlerInnen führt. Dadurch bekommen die ZuhörerInnen einen persönlicheren Zugang zu den KünstlerInnen, womit neues Publikum gewonnen werden kann. Das A-Trane streamt die Konzerte live online, womit zusätzlich eine internationale Sichtbarkeit geschaffen wird. Die Kooperation mit dem IG- JAZZ-Team soll dabei eine Plattform des Austausches zwischen den MusikerInnen, den OrganisatorInnen und natürlich den ZuschauerInnen und ZuhörerInnen bieten.

Ray’m
Ray’m’s Forschung konzentriert sich auf die Ökologie von Klang und Erinnerung: unser Gehörsinn in hypervisuellen Zeiten und unser Zugehörigkeitsgefühl – das Erinnern – in zunehmend virtuellen Räumen.Sie sind Teil unabhängiger Kunstgruppen, über die sie ihre Arbeiten teilen: LiosLabs, Palace Collective, Make Up Collective, LearnLabor-Projekte.Sie veröffentlichten ihre Musik auf dem Berliner Label „Average Negative Records“ (2022) und der in Lissabon ansässigen Ci-Community (2020). Im Rahmen der Reihe „Jazz aus Berlin“ präsentieren sie Kompositionen in Triobesetzung.
Erstes Set:
Ray’m – Keys/Electronics
n.n. – Guitar
n.n. – Drums

Mirna Bogdanovic
Im Alter von zwei Jahren hatte die bosnisch-slowenische Sängerin Mirna Bogdanović bereits mehr Entbehrungen zu ertragen als die meisten anderen, da sie mit ihren Eltern wegen des Krieges aus ihrem Land fliehen musste. Mittlerweile ist sie in der Berliner Szene fest etabliert und hat sich einen Namen als gefühlvolle Songwriterin, Downbeat-prämierte Sängerin und Performerin gemacht.  Ihr Debütalbum “Confrontation”, das Instrumentalmusik mit Gesang sowie Jazz mit Elektronik und Pop verbindet, wurde 2021 mit dem Deutschen Jazzpreis für das “Debütalbum des Jahres” ausgezeichnet.
Zweites Set
Mirna Bogdanovic – Vocal, Ukulele
Povel Widestrand – Piano
Peter Meyer – Guitar
Matthias Pichler – Bass
Philip Dornbusch – Drums

DAVID HELBOCK
AUSTRIAN SYNDICATE

Austrian Syndicate – sofort werden Assoziationen wach, zum berühmtesten und einflussreichsten Österreicher im Jazz: Joe Zawinul. Aber das neue Projekt des Tastenspielers David Helbock ist viel mehr als eine Reminiszenz. Es ist Rückbesinnung auf die Wurzeln und ihre Fortentwicklung, stilistische Neuausrichtung und Bündelung der Kräfte sowie weltmusikalische Öffnung. Oder wie Helbock schlicht selbst sagt: „Eine Herzensangelegenheit“.
Als Syndikatsmitglieder hat er die beste Rhythmusgruppe, die Österreich zu bieten hat, gewinnen können: Raphael Preuschl an Bass und Bass-Ukulele, den Schlagzeuger Herbert Pirker und den Perkussionisten Claudio Spieler. Ein prominenter Wahlösterreicher aus Amerika komplettiert das Quintett: Pianist Peter Madsen. Und wäre diese österreichische Supergroup nicht schon genug, beehren die Star-Gäste Maria João, Fred Wesley, Dhafer Youssef, Alex Acuña und Lakecia Benjamin das Austrian Syndicate.
Ganz im Geiste von Joe Zawinul, dem Pionier des Einsatzes elektronischer Tasteninstrumente und den Großmeister des Fusion-Jazz – ob bei Miles Davis, Weather Report oder dem eigenen, dann auch den World-Jazz mit ins Rampenlicht stellenden Zawinul Syndicate – ist David Helbock auf „Austrian Syndicate“ erstmals nur an elektronischen Tasteninstrumenten zu hören. Den Platz am Klavierhocker überlässt er voll und ganz Peter Madsen. „Ich habe quasi alles von ihm, was ich über Musik und Jazz weiß“, sagt Helbock über seinen einstigen Lehrer, Mentor und heutigen Freund. Ein wahrer, aber viel zu oft als Geheimtipp gehandelter, Klavier-Hero, der schon 1987 mit Stan Getz auf Welttournee ging und seitdem mit dem “Who is Who” der Jazzszene gespielt hat – ob mit traditionellen Musikern wie Benny Golson oder  Stanley Turrentine, Modern-Jazz-Größen wie Chris Potter, Joe Lovano oder Kenny Garrett, Free-Jazzern wie Dewey Redman und Don Cherry oder Funketeers wie Fred Wesley und Maceo Parker. 2001 verschlug es Madsen von New York aus nach Österreich, wo er auf den damals 16-jährigen Helbock traf und ihn unter seine Fittiche nahm. Weshalb Madsen bei „Austrian Syndicate“ neben den Klavierparts sozusagen auch die Rolle des zweiten Bandleaders übernommen hat und als Komponist hervorsticht.
Auch Raphael Preuschl und Herbert Pirker sind langjährige Weggefährten von David Helbock und beide seit über 20 Jahren als eingespieltes Team das gefragteste Bass-Schlagzeug-Gespann in Wien. Preuschl hat sich überdies wie kein anderer auch die ungewöhnliche Bassukulele zu eigen gemacht. Der ebenso vielseitige Pirker sitzt unter anderem in Österreichs Sensationsband Shake Stew am Schlagzeug. Perkussionist Claudio Spieler hat in jungen Jahren beim afghanischen Meistertrommler Hakim Ludin studiert und gastiert mittlerweile auf den großen Bühnen mit Konstantin Wecker oder Martin Grubinger.
Zu guter Letzt verleihen außergewöhnliche Gäste, ausnahmslos Weltstars, dem Album internationalen Glanz und weltmusikalisches Kolorit. Mit dabei sind Portugals große Stimme Maria João; Der peruanische Perkussionist Alex Acuña, welcher einst mit Zawinul bei Weather Report spielte; Der gerade erst für sein Album “Streets of Minarets“ preisgekrönte und vor ausverkauften Häusern spielende tunesische Sänger und Oud-Virtuose Dhafer Youssef; Funk-Mastermind und James-Brown-Weggefährte Fred Wesley; Und die Saxofonistin Lakecia Benjamin, aktuell vielleicht das heißeste Eisen im amerikanischen Jazz-Feuer.

«savvy sound tinkerer and consistent pathfinder at the pulse of the times»
3sat Kulturzeit
«shooting star of the European scene»
Süddeutsche Zeitung

David Helbock – Rhodes, Synthesizer, Effects
Peter Madsen – Piano
Raphael Preuschl – Bass, Bassukulele
Herbert Pirker – Drums
Claudio Spieler – Percussion
Fotos©Severin Koller

Mareike Wiening Quintet
Greenleaf Music CD RELEASE «Reveal»
Tour 2023/2024

«Zukunftsorientiert, frisch und mit purer Ehrlichkeit präsentiert»
New York City Jazzrecord

„Reveal“ heißt das neue Album der Deutschen Schlagzeugerin Mareike Wiening und ihrem US-amerikanischen Quintet, welches 2022 beim Deutschen Jazzpreis als Band des Jahres nominiert war.
Inspiriert ist die Musik nicht nur von den EinUlüssen des Big Apple, sondern auch von Wienings früherer Lebensstation: Skandinavien. Ein subtiles, melodiefreudiges Gesamtkunstwerk voller nuancen- und variantenreicher Klanggedichte, mal kammermusikalisch, mal spielerisch tänzelnd im Walzer, dann wieder zupackend mit groovenden Improvisationen.
Der musikalische Dialog zwischen Solist und Begleitung ist dabei ein weiteres Merkmal der Band: Das Geben und Nehmen, die emotionale Reaktion oder die kreativen und ungeahnten Überraschungen, die durch Spontanität und aus dem Moment heraus entstehen:
„Wiening hat ein wahrhaft transatlantisches Jazzprojekt auf die Beine gestellt. Jedes ihrer Stücke ist ein komplettes, anspruchsvolles, elegantes Kunstwerk.“ (JazzTimes)
Die mehrfach ausgezeichnete Musikerin hat viele Jahre in New York gelebt und sich dort in der New Yorker Jazz-Szene etabliert. Sie gab Konzerte im Blue Note Jazzclub, beim Winter Jazzfest New York und in der Carnegie Hall. Auf der Bühne stand sie u.a. mit John Zorn, Ben Wendel oder Dan Tepfer. Konzerte führten sie durch ganz Europa, Nord- und Südamerika. Die gebürtige Fränkin ist Dozentin für Schlagzeug an der Musikhochschule in Zürich und lebt in Köln

«Auf dem Album, geprägt von einer entspannten und resolute Stimmung, Ulitzt und Uließt Wiening mit der geschmeidigen Flexibilität eines Tänzers.»
Downbeat Magazine

«Wiening ist mit ihren Stücken eine bemerkenswert eigenständige Komponistin, die den Bebop bis zu freien Spielformen erweitert und souverän die ausgetüfteltsten ungeraden Metren beherrscht.»
Frankfurter Allgemeine

Rich Perry – Tenor Saxophon
Volker Engelberth – Klavier
Alex Goodman – Gitarre
Jakob Dreyer – Kontrabass
Mareike Wiening – Schlagzeug, Komposition
Mareike Foto©Wolf Peter Steinheisser
Mareike Band Foto©Tim Hurley

Lily Dahab
Bajo un mismo cielo

Noch vor kurzem hat sie zusammen mit ihrer Band und Orchester den Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausverkauft.
„Wir sind alle Kinder aus einer gemeinsamen Wurzel, unter demselben Himmel.“ Unter diesem gleichen Himmel, so der Titel ihrer aktuellen CD hat die Sängerin aus Buenos Aires mit ihrer multinationalen Band großartige Lieder aus ihrer Heimat Argentinien, aus Brasilien, Uruguay, Chile und Spanien, Klangfarben aus Tango, argentinischer Folklore, Samba, Flamenco und Bossa Nova versammelt – und in ihrer einzigartigen Weise mit dem Jazz und Originals verknüpft.  Bajo un mismo cielo  gibt dem Bekenntnis zu kreativem Miteinander eine musikalische Stimme.
Durch ihre beiden Alben nomade und Huellas und in über 300 Konzerten haben sich Lily Dahab und ihr Quartett eine große Fangemeinde erspielt – denn die ist fasziniert von dieser tiefempfundenen Vokalkunst, die alle Facetten von funkelnder Leidenschaft bis zu inniger Melancholie in sich trägt.

„Himmlisch»
jazzthing
„Großartig! Charismatisch und live eine absolut überzeugende Band.“
rbb kulturradio
„Ganz phantastisch!“
Deutschlandfunk Kultur

Lily Dahab – Vocals
Bene Aperdannier – Piano, Rhodes
Camilo Villa Robles – Bass
Jo Gehlmann – Guitar
David Guy – Drums, Percussion
Foto© Janine Guldener

Lily Dahab
Bajo un mismo cielo

Noch vor kurzem hat sie zusammen mit ihrer Band und Orchester den Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausverkauft.
„Wir sind alle Kinder aus einer gemeinsamen Wurzel, unter demselben Himmel.“ Unter diesem gleichen Himmel, so der Titel ihrer aktuellen CD hat die Sängerin aus Buenos Aires mit ihrer multinationalen Band großartige Lieder aus ihrer Heimat Argentinien, aus Brasilien, Uruguay, Chile und Spanien, Klangfarben aus Tango, argentinischer Folklore, Samba, Flamenco und Bossa Nova versammelt – und in ihrer einzigartigen Weise mit dem Jazz und Originals verknüpft.  Bajo un mismo cielo  gibt dem Bekenntnis zu kreativem Miteinander eine musikalische Stimme.
Durch ihre beiden Alben nomade und Huellas und in über 300 Konzerten haben sich Lily Dahab und ihr Quartett eine große Fangemeinde erspielt – denn die ist fasziniert von dieser tiefempfundenen Vokalkunst, die alle Facetten von funkelnder Leidenschaft bis zu inniger Melancholie in sich trägt.

„Himmlisch»
jazzthing
„Großartig! Charismatisch und live eine absolut überzeugende Band.“
rbb kulturradio
„Ganz phantastisch!“
Deutschlandfunk Kultur

Lily Dahab – Vocals
Bene Aperdannier – Piano, Rhodes
Camilo Villa Robles – Bass
Jo Gehlmann – Guitar
David Guy – Drums, Percussion
Foto© Janine Guldener

Guy Mintus Trio
«The Playground»

Award winning Israeli pianist, vocalist and composer Guy Mintus will bring his stellar trio back to the A-Trane Jazz Club. Guy and the trio will present their signature eclectic and energetic show with a repertoire ranging from imaginative originals to surprising reimaginations of music by Chopin, The Beatles as well as of the trio’s latest release on ENJA Records – A Gershwin Playground. A show with a Mediterranean groove, swing, storytelling and lots of “joie de vivre” between the group and with the audience. An enchanting invitation to visit the playground of a trio, which never ceases to amaze.

«His bold reimaginings of each track take listeners on a rocket ride to heights where they can see these tunes as if for the first time.»
DownBeat Magazine

«Mintus pours together a mixed brew of influences with ebullient grace that you’d think they all originated in the very same place»
The New York Times

Guy Mintus – Piano, Vocals
Alon Near – Double Bass
Yonatan Rosen – Drums
Foto©Avishag Sheor Yashuv
Foto©Kira Kuznetsova

A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

FACEBOOK LIVE

Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,

Facebook Andreas Schmidt

It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

LIVE FROM THE A-TRANE ON YOUTUBE

A-TRANE PRÄSENTIERT:
rejazz-FESTIVAL DAY1
TWOCONCERTS ONENIGHT
Lucía Boffo & Andrés Marino Duo
Olga Reznichenko Trio

rejazz-festival featured herausragende female bandleaders.

Unter dem Motto „Frauen im Jazz“ präsentiert rejazz-festival Musik von Frauen, die komponieren, arrangieren und eine Band leiten oder co-leiten, und möchte damit der immer noch aktuellen Debatte „Frauen im Jazz“ Aufwind geben. Dabei geht es nicht darum, reine Frauenbands zu präsentieren, sondern von Frauen geführte Bands. Es geht um „female bandleaders“.
Die Qualität der Musik steht dabei nach wie vor im Vordergrund.
Ziel des Festivals ist es zu zeigen, dass Musik genderunabhängig ist und für sich steht.
Das Festival zeigt verschiedene Facetten des Jazz. Von kammermusikalischem Jazz über contemporary Jazz bis hin zu experimentellem Jazz und elektronischen Klängen ist alles dabei.

Mehr Info: re-jazz
Gefördert von Senat für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt 

Lucía Boffo & Andrés Marino
«Boffo ist ein Wunderkind»
Club del Disco

Eine fulminante Eröffnung unserer diesjährigen Ausgabe: spannende Kompositionen, spannende Arrangements, spannender Gesang. Bald 10 Jahre musizieren die beiden kongenial zusammen und eröffnen dem Duo-Spiel durch ihre frische Herangehensweise neue Dimensionen.
Elemente des harmonischen Jazz verschmelzen mit elektronischer Musik, Poesie und narrativen Elementen – dabei fungiert die Stimme immer wieder als Instrument. Ausgangspunkt ihrer Stücke sind Songs, deren Struktur jedoch fortwährend aufgebrochen wird und hochvirtuos in neue Klangwelten entführen.

VIDEO TRAILER
Erste Set
Lucía Boffo – vocals, electronics
Andrés Marino – piano, keyboard, vocals, electronics
________________________

Olga Reznichenko Trio
«Reznichenko überwältigt auf ihrem Debütalbum mit einer Fülle an melodischen Einfällen, die sie in nicht enden wollenden Wendungen immer weiter fortspinnt.»
WDR 3

Das für den deutschen Jazzpreis 2023 nominierte Trio spielt als brillante Einheit mit enormer Klangfarbigkeit – inspiriert durch russische Spätromantik und zeitgenössischen Jazz. Die Stücke der klassisch geschulten Pianistin und Komponistin zeigen starken Gestaltungswillen und weisen zudem Einflüsse aus klassischer Moderne und Minimalismus auf.
Reznichenko und ihr Trio verbinden intuitive Ansätze mit klaren Vorstellungen zu Stimmungen und Klangfarben. Komplexe harmonische und rhythmische Strukturen, subtile und kraftvolle Momente sowie melodische Anknüpfungspunkte ergeben eine persönliche, nahegehende Ästhetik.

VIDEO TRAILER
Zweite Set
Olga Reznichenko – piano
Lorenz Heigenhuber – bass
Maximilian Stadtfeld – drums

ALMA NAIDU
FEAT: LISA WULFF – LUKAS HÄFNER – VALENTIN RENNER

«Eines der größten Gesangstalente der Republik” (Süddeutsche Zeitung) “Zartelegische, wunderschön klare und absolut intonationssichere Stimme»
Jazzthing Magazin

«Eine Urgewalt»
Böblinger Zeitung

Die preisgekrönte Münchner Sängerin und Komponistin Alma Naidu gehört zu den interessantesten Newcomerinnen der deutschen Jazzszene. Die Süddeutsche Zeitung bezeichnete sie als eine „eines der größten Gesangstalente der Republik”, das Jazzthing Magazin lobte ihre “zartelegische, wunderschön klare und absolut intonationssichere Stimme“. Konzertreisen unter anderem mit Starschlagzeuger Wolfgang Haffner brachten sie in den vergangenen Jahren bis nach Indien, in die Mongolei und in die USA.
Ihr Debütalbum Alma (Leopard Records), bestehend aus ihren eigenen Kompositionen und Arrangements, wurde Anfang 2022 veröffentlicht und schaffte es ihn die Top 10 der deutschen Jazzcharts. Seitdem spielte sie gemeinsam mit ihrer vierköpfigen Band, in der sie selbst auch an den Tasteninstrumenten sitzt, rund 50 Releasekonzerte in ganz Deutschland, Frankreich und Tschechien. Zudem trat sie auf einigen der renommiertesten deutschen Jazzfestivals wie den Leverkusener Jazztagen, dem Jazzfest Bonn und der Jazzwoche Burghausen auf.
Alma Naidu wurde unter anderem mit dem BMW Welt Young Artist Jazz Award und dem Kurt Maas Jazz Award ausgezeichnet. 2021 erhielt sie den Bayerischen Kunstförderpreis.

Alma Naidu – Vocal, Keyboards
Lisa Wulff – Bass, Backing Vocals
Lukas Häfner – Guitar
Valentin Renner -Drums

MORGAN JAMES
ALBUM RELEASE TOUR 2023 «NOBODY’S FOOL»
FEATURING IN DUO: DOUG WAMBLE

«A phenomenal talent whose feel for classic soul music is bone deep. This woman is on fire.»
The New York Times

Morgan James is a Juilliard trained singer, songwriter, actress and recording artist in New York City.
Morgan is currently on tour supporting her fifth studio album, “Nobody’s Fool”.  She independently released her studio albums of original soul music, entitled Memphis Magnetic, and A Very Magnetic Christmas recorded to analog tape in Memphis, Tennessee.  Other albums include “Reckless Abandon”, which prompted the Huffington Post to call MJ the “Brightest Breakout Artist of the Year”. In addition to her original music, Morgan co-produced and starred in an all-female concept recording of “Jesus Christ Superstar”.  Morgan has taken on full album covers of the Beatles’ iconic ‘White Album’, Joni Mitchell’s “Blue”, Jeff Buckley’s “Grace”, and many more. Morgan recorded two full-length albums with Epic Records: “Hunter”and “Morgan James Live, a celebration of Nina Simone“.  All of her music can be found on all streaming platforms, and hard copies on her website or at shows.
On Broadway, Morgan was in five back-to-back original companies: The Addams Family (starring Nathan Lane and Bebe Neuwirth), Wonderland, Godspell and Motown: The Musical, and as a guest at Kristin Chenoweth’s For The Girls.
With viral sensation Postmodern Jukebox and with her own YouTube channel, Morgan’s music videos have accumulated more than 285 million views (and climbing).
Today she is presenting her new album «Nobody’s Fool» at the A-Trane.

Morgan James – Vocals
Doug Wamble – Piano

«EVOLUTION»
Andreas Schaerer / Kalle Kalima / Tim Lefebvre
ACTMUSIC Album Release Tour «EVOLUTION»

Deutsch:
Andreas Schaerer und Kalle Kalima haben sich für ihr neues Projekt ‚Evolution‘ neu erfunden. Normalerweise gehören zeitgenössischer Jazz und elektronische Musik zu ihren Spielwiesen. Durchaus musikalischer Spitzensport, wenn man ihn so ernsthaft betreibt wie die Beiden: Seit zehn Jahren stehen sie zusammen auf der Bühne, unter anderem mit dem Quartett „A Novel Of Anomaly“. Besonders für den Stimmkünstler Schaerer, der durch sein kreatives Beatboxing und seiner Band „Hildegard Lernt Fliegen“ Aufmerksamkeit erlangte, waren perfekte Körperbeherrschung und auf Kommando abrufbarer Einfallsreichtum normaler Bühnenalltag.
Musikalisch wagen die Zwei dabei viel. Bisher hat Schaerer vor allem mit Lauten gemalt, jetzt will er eigenen Inhalten mit seiner Stimme Gewicht verleihen. Und Kalima steuert statt schwindelerregender technischer Höhenflüge nun Gefühlstiefe an. Zusammen mit dem kongenialen Tim Lefebvre am Bass nehmen beide für dieses Projekt kurzzeitig Abschied von der Perfektion und von der Überholspur und kehren ihr Innerstes nach außen.

„Vielleicht kennt ihr das: Wir sitzen in einem sehr spannenden Konzert und sind ganz eingesogen. Das Konzert läuft seit circa vierzig Minuten und ist, ja, komplex. Wir staunen, ohne überfordert zu sein und sind eingesogen, besonders aufgrund der Ungewohntheit, teils auch der Intelligenz der Klänge. Es ist vielschichtig, tiefgehend. Wir könnten mit dem Ohr immer noch tiefer hineinwandern.
Und dann plötzlich: diese total simple Melodie, eine Songstruktur, im Vergleich ganz klar. Plötzlich geht das Licht an, wir die Welt weit und die Ernsthaftigkeit, mit der erzählt wird, entsteht aus der Reduktion. Sie entsteht aus dem “nichts beweisen müssen”, aus der plötzlichen Abwesenheit von offensichtlicher Komplexität. Und sie entsteht, weil unser Ohr schon so offen ist, dass es uns mit voller Wucht trifft.
Das neue Album von Andreas Schaerer, Kalle Kalima und Tim Lefebvre ist dieser Moment. Wer in Europa schon mal aus Versehen in einen Konzertraum gestolpert ist, kennt die drei. Natürlich ist das Album kein kompletter Neustart: Wir hören, dass Levebvre auf David Bowies Album “Blackstar” gespielt hat; wir hören das letzte “Hildegard Lernt Fliegen” Album in Schaerers Melodieführung; wir hören Kalle Kalimas Liebe zum Blues. Und doch ist irgendwie alles ganz anders.
Das wohl bisher songhafteste Album Schaerers trägt den Namen “Evolution” – in diesem Falle sicher auch: Entwicklung – und erscheint am 29. September auf ACT Music.“
Sonia Loenne

English
Who doesn’t long for clarity, calm, peace these days… We all know by now that there are no simple answers for the complex problems of our time, BUT: there are simple melodies that appeal to our sensuality, to our humanity, that open spaces through their simplicity. Stories that lie like a warm blanket over the mental overload in our brain. And so music gives us strength that lingers.
Andreas Schaerer and Kalle Kalima have reinvented themselves for their new project ‘Evolution’. Normally contemporary jazz and electronic music belong to their playgrounds. Quite a top musical sport, if you pursue it as seriously as the two of them: They have been on stage together for ten years, among others with the quartet “A Novel Of Anomaly”. Especially for the vocal artist Schaerer, who gained attention through his creative beatboxing and his band “Hildegard Lernt Fliegen”, perfect body control and ingenuity that can be called up on command were normal everyday life on stage.
And now: “Four Chords and the Truth”? No. But maybe “twisted jazzcore ballads”, because they are indeed ballads written by Andreas Schaerer, Kalle Kalima and Essi Kalima. It’s about self-optimization, as in “Multitasking”, about obsessions, as in “Piercing Love”, about science fiction dreams and of course about love and loss. What’s interesting about it is the in-between world in which the songs are set, as if Henry David Thoreau were wandering around in one of James Cameron’s fantasy forests.
Musically, the two dare to do a lot. Until now, Schaerer has mainly painted with lutes, but now he wants to lend weight to content with his voice. And Kalima now heads for depth of feeling instead of dizzying technical flights of fancy. Together with the congenial Tim Lefebvre on bass, both take a short leave from perfection and the fast lane for this project and turn their innermost to the outside.

“Maybe you know this: We are sitting in a very exciting concert and are completely sucked in. The concert has been running for about forty minutes and is, yes, complex. We marvel without being overwhelmed and are sucked in, especially because of the unfamiliarity, partly also the intelligence of the sounds. It is multilayered, profound. We could wander deeper and deeper into it with our ears.
And then suddenly: this totally simple melody, a song structure, quite clear in comparison. Suddenly the light goes on, we the world wide and the seriousness, with which is told, arises from the reduction. It arises from the “nothing to prove”, from the sudden absence of obvious complexity. And it arises because our ear is already so open that it hits us with full force.
The new album by Andreas Schaerer, Kalle Kalima and Tim Levebvre is that moment. Anyone who has ever accidentally stumbled into a concert space in Europe knows the three of them. Of course, the album is not a complete reboot: we hear Lefebvre playing on David Bowie’s album “Blackstar”; we hear the last “Hildegard Lernt Fliegen” album in Schaerer’s melodic lead; we hear Kalle Kalima’s love of the blues. And yet, somehow, everything is quite different.
Probably Schaerer’s most songlike album to date is called “Evolution” – in this case, certainly: development – and will be released on September 29 on ACT Music.”
Sonia Loenne

Andreas Schaerer -Vocal/Beatboxing
Kalle Kalima – Guitar
Tim Lefebvre – Electric Bass
Schaerer & Kalima & Lefebvre Foto©Gregor Hohenberg

ALY KEïTA-JAN GAlEGA BRÖNNIMANN-LUCAS NiGGLI
«KALAN TEBAN»
INTAKT RECORDS ALBUM RELEASE CONCERT

Aly Keïta stammt aus einer Griot-Familie der Malinke von der Elfenbeinküste und ist ein Meister des Balafons, des afrikanischen Xylophons. Der Musiker aus Côte d’Ivoire hat sich vor Jahren in Europa niedergelassen und seither mit etlichen Jazzprominenten gespielt: vom Key- boarder Joe Zawinul bis zum norwegischen Saxophonisten Jan Garbarek.
Voll zur Geltung kommt Aly Keïtas Musik im Trio mit dem Schlagzeuger Lucas Niggli und dem Klarinettisten/Saxophonisten Jan Galega Brönnimann. Die beiden Schweizer Musiker sind in Kamerun geboren und kennen sich von klein auf. 2016 erscheint das erste erfolgreiche Album „Kalo Yele“. Sie geben Konzerte und sind auf Tourneen unterwegs. In dieser Zeit haben sie ihre Musik verfeinert und perfektioniert.
Das neue Album „Kalan Teban“ schillert in noch kräftigeren Farben. Eine hypnotische Trommelmusik aus dichten Balafon-Melodiemustern, der Gesang von Aly Keïta, die Grooves des Schlagzeugs und ausgreifende Improvisationsbögen von Saxophon oder Klarinette machen „Kalan Teban“ zu einem tranceartigen Hörvergüngen.

Aly Keïta comes from a Malinke Griot family from the Ivory Coast and is a master of the balafon, the African xylophone. The musician from Côte d’Ivoire settled in Europe years ago and has since played with a number of jazz giants from keyboarder Joe Zawinul to Norwegian saxo- phonist Jan Garbarek.
Aly Keïta’s music comes into its own in a trio with percussionist Lucas Niggli and woodwind player Jan Galgen Brönnimann. Both Swiss musicians were born in Cameroon and have known each other since childhood. The first successful album ‘Kalo Yele’ was released in 2016. They gave concerts and went on tour and have since refined and perfected their music.
The new album ‘Kalan Teban’ shimmers in even stronger colours. The hypnotic music of dense balafon melody patterns, the singing of Aly Keïta, the grooves of the drums and extensive improvisation arcs of saxophone or clarinet make ‘Kalan Teban’ a trance-like listening pleasure.

Aly Keïta – Balafon, Kalimba, Voice
Jan Galega Brönnimann – Contra Alto- Bass-Clarinet, Soprano Saxophone, Kass Kass, Thumb Piano
Lucas Niggli – Drums, Percussion

A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

FACEBOOK LIVE

Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,

Facebook Andreas Schmidt

It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

Franck Tortiller & Alexandra Lehmler
«Aerial»

Aerial, das deutsch-französische Duo-Projekt der Saxofonistin Alexandra Lehmler und des Vibraphonisten Franck Tortiller, evoziert die LuC als das Medium ihrer kommunikativen Musik. Die schwebenden Klänge des Vibraphon und die melodischen Girlanden des Saxofon vermiDeln das Gefühl einer schwerelosen Souveränität, mit der die beiden Musiker:innen durch die stilistischen Weiten ihres Fachs navigieren.
Alexandra Lehmler, Jahrgang 1979, ist eine quicklebendige Improvisatorin mit einem großen, ausdrucksstarken Ton auf Sopran-, Alt- und Baritonsaxofon, die Sicherheit und Sensibilität, Struktur und Spielfreude geradezu idealtypisch ausbalanciert. Franck Tortiller, 16 Jahre älter und als Sohn einer Familie von Weinbauern und Amateurmusikern im Burgund aufgewachsen, hat sich sowohl als Solist wie auch als ein Komponist/Arrangeur mit ausgeprägtem Gespür für den Farbenreichtum größerer Ensembles profiliert. Vor allem als Mitglied des Vienna Art Orchestra und als Leiter des Orchestre Na:onal de Jazz wuchs er zu einem festen Gast auf den großen Jazzbühnen Europas.
Vor neun Jahren, kreuzten sich die Wege der beiden zum ersten Mal, und schnell zeigte sich, dass ihre musikalische Kommunika:on von einer ganz besonderen Spannung gespeist wird. Zwei verwandte Seelen, zugleich jedoch so verschieden, dass in ihrem Zusammentreffen Reibungswärme entsteht. Im Duo unterstreichen Lehmler und Tor:ller den aerialen Charakter ihrer Musik. Von oben, aus der Vogelperspek:ve, lassen sie den Blick schweifen über das weite Feld an Möglichkeiten, das ihnen ihre Musik bietet. Mal treffen sie auf einen Jazzstandard, mal auf ein Wiegenlied oder auch auf eine klassische Arie. Die Antennen sind ausgefahren. Aerial, ihr Duo, nimmt die Signale auf und verwandelt sie in eine Musik, die Funken sprühen lässt.

Alexandra Lehmler – Saxophone
Franck Tortiller – Vibraphone
Foto©Felix Groteloh

LIVE FROM THE A-TRANE ON YOUTUBE

A-TRANE PRÄSENTIERT:
rejazz-FESTIVAL DAY2
TWOCONCERTS ONENIGHT
Anna-Lena Schnabel / Florian Weber Duo
Lucía Martínez & The Fearless

rejazz-festival featured herausragende female bandleaders.

Unter dem Motto „Frauen im Jazz“ präsentiert rejazz-festival Musik von Frauen, die komponieren, arrangieren und eine Band leiten oder co-leiten, und möchte damit der immer noch aktuellen Debatte „Frauen im Jazz“ Aufwind geben. Dabei geht es nicht darum, reine Frauenbands zu präsentieren, sondern von Frauen geführte Bands. Es geht um „female bandleaders“.
Die Qualität der Musik steht dabei nach wie vor im Vordergrund.
Ziel des Festivals ist es zu zeigen, dass Musik genderunabhängig ist und für sich steht.
Das Festival zeigt verschiedene Facetten des Jazz. Von kammermusikalischem Jazz über contemporary Jazz bis hin zu experimentellem Jazz und elektronischen Klängen ist alles dabei.

Mehr Info: re-jazz
Gefördert von Senat für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt 

Anna-Lena Schnabel / Florian Weber Duo
«ernst, expressiv, sprühend»
DIE ZEIT

Die vielfach ausgezeichnete Saxophonistin und Querflötistin Anna-Lena Schnabel arbeitet kompositorisch an der Verschmelzung ungewöhnlicher und vertrauter Klänge zu einer ganz eigenen Musik. Diese hält sich an kein musikalisches Idiom und kann sich in jede Richtung entfalten. Dementsprechend vielseitig klingt sie: mal swingend, dann kunstvoll holprig und von lyrischen Passagen bis hin zu höchster Dynamik nichts auslassend.
Zu einem wichtigen musikalischen Partner der Saxophonistin ist der preisgekrönte Pianist Florian Weber geworden. Gemeinsam erkunden sie die grenzenlosen Möglichkeiten des Duo-Spiels, die Verbindung von Webers ausdrucksstarkem Klavierspiel mit Schnabels Spielweise überzeugt durch stilistische Vielfalt und gefühlvolles Zusammenspiel.

VIDEO TRAILER

Erste Set
Anna-Lena Schnabel – saxophone, flute
Florian Weber – piano
________________________

Lucía Martínez & The Fearless
«Eine Talentschau, die in ihren Dimensionen vielseitig und überwältigend ist»
Fernando Neira, Un disco al día

Die Schlagzeugerin und Percussionistin Lucía Martínez kommt aus Galizien und lebt in Berlin. Hier präsentiert sie ihr neuestes Projekt, für das sie sich mit vier bekannten Berliner Musikern zusammengetan hat. Die Furchtlosen haben vor allem keine Angst vorm Wilden Westen, ihre Stücke atmen den Geist von Ennio Morricone und zapfen noch weitere Soundtrack-Quellen an. Quentin Tarantino gefällt das.
Das Ergebnis: schlagender, elektroakustischer Jazz, der in Richtung Far West geht und Klänge aus dem amerikanischen Kernland einbezieht, geschliffen durch die europäische Perspektive von Martínez’ Kompositionen.

VIDEO TRAILER

Zweite Set
Lucía Martínez – drums
Benjamin Weidekamp – bass clarinet
Ronny Graupe – guitar
Morris Kliphuis – horn, cornet, electronics
Marcel Kroemker – bass