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Dima Bondarev Quartet «Under The Impression» FEAT: Ludwig Hornung-Josh Ginsburg-Marc Michel Der Trompeter und Komponist Dima Bondarev, Gewinner des Deutschen Jazz Preises (Kategorie Blechblasinstrumente), kommt mit seinem kraftvollen, modernen
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Dima Bondarev Quartet
«Under The Impression»
FEAT: Ludwig Hornung-Josh Ginsburg-Marc Michel
Der Trompeter und Komponist Dima Bondarev, Gewinner des Deutschen Jazz Preises (Kategorie Blechblasinstrumente), kommt mit seinem kraftvollen, modernen Sound ins A-Trane. In der Ukraine geboren und in Berlin ansässig, zählt Bondarev zu den markantesten Stimmen des zeitgenössischen europäischen Jazz – geprägt von klassischen Wurzeln, tiefem Jazz Verständnis und einer mutigen, modernen Ästhetik.
Als Absolvent des Jazz Instituts Berlin und ehemaliger Teilnehmer des Focus Year-Programms in Basel arbeitete Bondarev mit Größen wie Gilad Hekselman, Kurt Rosenwinkel, Lionel Loueke, Wolfgang Muthspiel, Aaron Parks, Kit Downes, Joey Baron, Jorge Rossy, Jim Black und der NDR Big Band zusammen. Er präsentiert Musik aus seinen vielbeachteten Alben, darunter Get a Second Wind, die lyrische Intensität, rhythmische Energie und furchtlose Improvisation vereint.
Trumpeter and composer Dima Bondarev, winner of the German Jazz Prize (Brass), brings his powerful, modern sound to A-Trane. Born in Ukraine and based in Berlin, Bondarev has emerged as one of Europe’s most distinctive jazz voices, shaped by classical roots, deep jazz tradition, and a bold contemporary edge.
A graduate of the Jazz Institut Berlin and a former Focusyear artist in Basel, Bondarev has collaborated with leading figures such as Gilad Hekselman, Kurt Rosenwinkel, Lionel Loueke, Wolfgang Muthspiel, Aaron Parks, Kit Downes, Joey Baron, Jorge Rossy, Jim Black, and the NDR Big Band. He presents music from his acclaimed albums, including Get a Second Wind, combining lyrical intensity, rhythmic drive, and fearless improvisation.
Dima Bondarev – Trumpet, Flugelhorn
Ludwig Hornung – Piano
Josh Ginsburg – Bass
Marc Michel – Drums
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Dima Bondarev – Trumpet, Flugelhorn
Ludwig Hornung – Piano
Josh Ginsburg – Bass
Marc Michel – Drums
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ORT & ZEIT / PLACE & TIME Kammermusiksaal Philharmonie DONNERSTAG, 12.03.2026 | 20:00 Uhr Herbert-von-Karajan-Straße 1 10785 Berlin Google Map RESERVIERUNG ÜBER DAS A-TRANE
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Herbert-von-Karajan-Straße 1
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In Sachen Vielfalt, Experimentierfreude und Eigenständigkeit ist die französische Jazz-Szene eine der aufregendsten der Welt. „What The French“, kuratiert von Andreas Brandis, präsentiert mit dem Sopransaxofonisten Emile Parisien einen der größten Stars des aktuellen französischen Jazz und mit dem Posaunisten Robinson Khoury einen der meistbeachteten Rising Stars des Landes.
Emile Parisien gilt als aktuell stilprägendster Vertreter seines Instruments. Seine Markenzeichen: Ein hypnotischer Fluss von Melodien und Ideen, atemberaubend virtuos und zugleich beseeltes Spiel und „eine Verbindung von europäischer Eleganz und amerikanischem Überschwang“ (The Times). Dieses verbindende Element stellt Emile Parisien auch in den Mittelpunkt seines Projektes „Floating“, gemeinsam mit dem französisch-israelischen Pianisten und Meister-Improvisator Yaron Herman, der australisch-amerikanischen Bassistin Linda May Han Oh und dem indo-französischen Tablaspieler Prabhu Edouard. Ein Kontinente und Genres überspannendes Zusammentreffen von vier unverwechselbaren Charakteren.
Robinson Khoury ist eine der größten Entdeckungen der scheinbar grenzenlosen französischen Jazz-Szene. Einflüsse aus Jazz, Rock und Electronica fließen ebenso in seine Musik ein, wie Melodien und Stimmungen seiner libanesischen Wurzeln. Das trifft ganz besonders auf sein vielbeachtetes Trio MŸA zusammen mit der Percussionistin Anissa Nehari und dem Keyboarder Léo Jassef zu.
Emile Parisien FLOATING
Emile Parisien sax
Yaron Herman piano
Linda May Han Oh double bass
Prabhu Edouard percussion
Robinson Khoury MŸA
Robinson Khoury trombone, electronics
Léo Jassef keys
Anissa Nehari percussion
Fotos©Elisa Ramirez, Samuel Kirszenbaum
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Emile Parisien FLOATING
Emile Parisien sax
Yaron Herman piano
Linda May Han Oh double bass
Prabhu Edouard percussion
Robinson Khoury MŸA
Robinson Khoury trombone, electronics
Léo Jassef keys
Anissa Nehari percussion
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Für das A-Trane Publikum gibt es auf alle Preiskategorien eine Ermäßigung von 15%.
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Lawrence Fields «Supersonic Trio» FEAT: Kyle Miles-Elé Howell Deutsch Lawrence Fields ist bekannt für faszinierende Musikalität, seine blitzschnelle Klaviertechnik und seinen ausdrucksstarken, persönlichen Sound. Die Musik von Fields, der
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Lawrence Fields
«Supersonic Trio»
FEAT: Kyle Miles-Elé Howell
Deutsch
Lawrence Fields ist bekannt für faszinierende Musikalität, seine blitzschnelle Klaviertechnik und seinen ausdrucksstarken, persönlichen Sound. Die Musik von Fields, der vom Downbeat Magazine als aufstrebender Star bezeichnet wird, wird international präsentiert. Lawrence‘ Bands sind in renommierten Jazzclubs weltweit zu hören – darunter das Moods in Zürich, das Porgy & Bess in Wien, das Unterfahrt in München, der Dizzy’s Club im Jazz at Lincoln Center, Jazz St. Louis und das deutsche Festival Jazzweek Burghausen 2025.
Fields ist außerdem ein wichtiges Mitglied einiger der derzeit zukunftsweisenden, von Kritikern gefeierten Gruppen, darunter Joe Lovano und Dave Douglas‘ „Sound Prints“ und die für den Grammy nominierte Chief Adjuah/Christian Scott Group. Nachdem er mit einer Vielzahl unterschiedlicher Künstler (darunter Nicholas Payton, Branford und Delfeayo Marsalis und andere) aufgetreten ist und/oder Aufnahmen gemacht hat und sein von der Kritik gefeiertes akustisches Jazz-Debüt „To the Surface” veröffentlicht hat, kombiniert Fields‘ neues Supersonic Trio groove-basierte Klänge aus Vergangenheit und Gegenwart – und verschmilzt R&B, Jazz, Hip-Hop und Funk zu einem nahtlosen Ganzen.
English
Lawrence Fields is noted for a blend of compelling musicality, a lightning piano technique, and an expressive, personal sound. Dubbed a rising star by Downbeat Magazine, Fields’ music is being featured internationally. Lawrence’s groups can be heard at prominent jazz venues worldwide — including Zürich’s Moods, Vienna’s Porgy and Bess, Munich’s Unterfahrt, Jazz at Lincoln Center’s Dizzy’s Club, Jazz St. Louis, and Germany’s Jazzweek Burghausen 2025 festival.
Fields is also a key member of some of today’s forward-thinking, critically-acclaimed groups, including Joe Lovano and Dave Douglas‘ „Sound Prints“ and the Grammy-nominated Chief Adjuah/Christian Scott group. After performing and/or recording with a diverse collection of artists (including Nicholas Payton, Branford and Delfeayo Marsalis, and others), and releasing his critically-acclaimed acoustic jazz debut “To the Surface”, Fields‘ new Supersonic Trio combines groove-based sounds from both past and present — blending R&B, jazz, hip-hop and funk into a seamless whole.
Lawrence Fields – Fender Rhodes, Piano
Kyle Miles – Bass
Elé Howell – Drums
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Lawrence Fields – Fender Rhodes, Piano
Kyle Miles – Bass
Elé Howell – Drums
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The Sazerac Swingers «Livin’ The Sazerac Life» Feat: Max Oestersötebier-Lars Bechstein-Szymon Paczkowski-Daniel Le-Van-Vo-Hermano Blanco-Georg Kirschner The Sazerac Swingers sind der Endgegner des bornierten deutschen Jazz-Establishments. Näher am
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The Sazerac Swingers
«Livin’ The Sazerac Life»
Feat: Max Oestersötebier-Lars Bechstein-Szymon Paczkowski-Daniel Le-Van-Vo-Hermano Blanco-Georg Kirschner
The Sazerac Swingers sind der Endgegner des bornierten deutschen Jazz-Establishments. Näher am ursprünglichen Geist der Musik kann man nicht sein als beim Besuch einer Sazerac-Show. Die preisgekrönte Band stellt das Erbe Jelly Roll Mortons und Buddy Boldens nicht ins Museum, sondern gibt ihm eine aktuelle Relevanz und einen zeitgenössischen Sound. Es ist der Sound von New Orleans, kreativ und innovativ, dabei immer die Tradition respektierend. Der Besuch einer Sazerac-Show vermittelt das originäre Lebensgefühl des Jazz. Jede Show ist ein Erlebnis für sich – eine Show voller neuer Kompositionen, ohne dabei das Publikum zu vergessen. Fluide zwischen den Stilen swingend, aber immer im Geist von New Orleans. Mal erklingt die Straße, mal erklingen die „Roaring 20s“, mal wird es burlesk, mal erklingt „Fiesta Music with Solos“, wie Latin King Fredy Omar den Sound der Band beschreibt. Es ist auch ein bisschen Rhythm and Blues und Hip-Hop, es ist mal feingeistig-elegant, aber auch alles von Havanna bis Congo Square. Es ist Jazz wie er eigentlich gehört.
The Sazerac Swingers sind Pioniere: Sie sind die erste deutsche Band, die einen Filmkunstpreis für ein Musikvideo gewonnen hat; sie sind die erste deutsche Band, die im berühmten Pariser „Caveau de la Huchette“ auftreten durfte, und die erste Jazzband überhaupt, die in den heiligsten Hallen des Flamenco auftreten durfte, der „Pena de la Plateria“ in Granada. Und sogar im Profi-Fußball sind The Sazerac Swingers Pioniere: Die swingende Hommage an den Fußball-Regionalligisten FC Gütersloh, „Cowboys aus Jazz City“ (2024), ist Deutschlands erste und einzige Stadionhymne aus dem Genre Jazz, und der Titel erfuhr gleich in seiner Premierensaison eine besondere Ehre, als der MSV Duisburg diesen zum Heimspiel gegen die Gäste aus Gütersloh erklingen ließ: noch nie zuvor wurde an der Wedau die Hymne des Gegners gespielt.
Sie sind die Erfinder des „Sazerac Clubs“, Deutschlands profiliertestem High Class Jazz- und Burlesque-Events, und sie sind die Hausband des berühmten Berlin Burlesque Festivals von Marlene von Steenvag. Vor allem begeistern The Sazerac Swingers regelmäßig Menschen für die Musik, zu der diese vorher keinen richtigen Zugang hatten, indem sie Shows spielen, wie es die zeitgenössischen New-Orleans-Ikonen Kermit Ruffins oder der große Mentor der jungen Band, Glen David Andrews, tun: Authentisch, leidenschaftlich und kreativ. Nicht zum Spaß schrieb das Good Times Magazin, die Sazeracs „zählen zu den größten Attraktionen der deutschen Jazzszene“. Oder, um es im Duktus Rudi Völlers zu sagen: Wer diese Band nicht feiert, hat den Jazz nie geliebt.
Max Oestersötebier – Gitarre, Vocals
Lars Bechstein – Posaune
Szymon Paczkowski – Tenor- und Sopransaxophon
Daniel Le-Van-Vo – Kontrabass
Hermano Blanco – Piano
Georg Kirschner – Drums
The Sazerac Swingers Foto©Matheus Fernandes
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Max Oestersötebier – Gitarre, Vocals
Lars Bechstein – Posaune
Szymon Paczkowski – Tenor- und Sopransaxophon
Daniel Le-Van-Vo – Kontrabass
Hermano Blanco – Piano
Georg Kirschner – Drums
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ALY KEÏTA TRIO «Balafon Evolution» One World Records Album Release Concert Special Guest: Mariam Koné Feat: Marcel van Cleef-Roberto Badoglio On his new album, the
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ALY KEÏTA TRIO
«Balafon Evolution»
One World Records Album Release Concert
Special Guest: Mariam Koné
Feat: Marcel van Cleef-Roberto Badoglio
On his new album, the Ivorian balafon virtuoso Aly Keïta explores new horizons for his instrument in improvised music. Together with his Berlin-based trio, he conquers the peaks of balafon possibilities one by one, wandering between groovy African rhythms, spectacular polyphony and elements of jazz, and combining them into a fusion that is both futuristic and deeply in roots. In Balafon Evolution, Keïta establishes a new level of balafon artistry, creating universal, contemporary soundscapes that transcend cultural boundaries.
The Aly Keïta Trio embodies the pulsating spirit of the Berlin jazz scene. Coming from different cultural backgrounds, the three musicians found a common language on stage as they explored the metropole, one of the most active, buzzing jazz hubs of Europe. Aly Keïta and the Dutch drummer Marcel van Cleef, began playing together in 2008, forming the core of the trio’s future „groove machine“. As a part of the „Aly Keïta and Magic Balafon“ formation, they shared a prize of the Global music contest „Creole“ in 2009. Recognised as one of the most intriguing and innovative bass players among the new generation, the Italian bass player Roberto Badoglio, joined trio in 2014, becoming a true „fusion reactor“ of the band.
Aly Keïta was born in Abidjan and inherited balafon art from his father, who was a Mandingo Griot. After moving to his grandmother’s village in Mali, together with his younger brother, he continued learning their family tradition, building and playing balafons. In the age on 18 Keïta’s virtuosity has became famous far beyond Africa and the young musician started touring around the world, mastering a new for him music language – jazz – and performing with some of the best artists of our time. Following the footsteps of maestro Kélétiguy Diabaté, Aly became the first who made this instrument chromatic and the one who first brought balafon, usually accompanying percussive instrument, to the front of the stage as a soloist. His acoustic, technic and visual innovations became standard for younger generations of balafonists.
Aly Keїta won the German Jazz Award 2022.
Mariam Koné, born April 1987 in Kati/Mali, is a Malian singer and music teacher and a member of the supergroup Les Amazones d’Afrique.
Koné has studied law, but she was swept away by music. In her teens, she joined the hip hop group Pacifique in her home town, releasing two albums with them. Later she studied music in the Bamako Conservatory, from which she graduated in 2011. She now teaches herself in this school.
Koné’s first solo album Dakan was released in 2013. Its style is soft flowing traditional African pop, with dub influences and electric instrumentation. It was produced by the Irishman Liam Farrell a.k.a. Doctor L.
Koné was invited to Les Amazones d’Afrique by Pamela Badjoko, originally from Gabon but now residing in Mali. Koné was drawn to the group by the fact that it tries to further the cause of local women, opposing all kinds of violence against women, and especially female genital mutilation.
Aly Keïta – Balafon, Kalimba, Vocal / Arrangements & Compositions
Marcel van Cleef – Drums/Percussions
Roberto Badoglio – E-Bass
Special Guest: Mariam Koné – Vocals
Fotos©Olha Kovalevska
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Aly Keïta – Balafon, Kalimba, Vocal / Arrangements & Compositions
Marcel van Cleef – Drums/Percussions
Roberto Badoglio – E-Bass
Special Guest: Mariam Koné – Vocals
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Mia Knop Jacobsen «CLOSER» FEAT: Jeppe Holst – Raphael Jesus Braga Mia Knop Jacobsen Trio Das Trio bringt Musiker:innen aus Dänemark und Brasilien zusammen und präsentiert ein
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Mia Knop Jacobsen
«CLOSER»
FEAT: Jeppe Holst – Raphael Jesus Braga
Mia Knop Jacobsen Trio
Das Trio bringt Musiker:innen aus Dänemark und Brasilien zusammen und präsentiert ein aktuelles Programm „CLOSER“ mit neuen Kompositionen von Mia Knop Jacobsen, ergänzt durch neu arrangierte Stücke aus früheren Projekten.
Klanglich bewegt sich das Ensemble im Spannungsfeld zwischen zeitgenössischem Songwriting, Jazz und Crossover, geprägt von feinen, harmonischen Strukturen und einem offenen, nordischen Sound. Wie der Name sagt, wird eingeladen, näher zu treten und die Musik von einer ganz neuen, intimen Note kennenzulernen.
Jacobsens Musik wurde von den Medien als „eine Mischung aus Joni Mitchell und Kate Bush mit nordischem Flair“beschrieben – eine treffende Umschreibung für ihre eigenständige Verbindung von lyrischer Tiefe und klanglicher Transparenz.
Mia Knop Jacobsen
Mia Knop Jacobsen ist eine preisgekrönte dänische Musikerin, Komponistin und Produzentin, die für ihren genreübergreifenden, ausdrucksstarken Gesang, ihre innovativen Kompositionen und dynamischen Produktionen bekannt ist. In ihrer über zehnjährigen Karriere hat sie internationale Anerkennung für ihre einzigartige Fähigkeit erlangt, modernen Jazz, zeitgenössischen Pop und elektronische Elemente zu einem unverwechselbaren eigenen Sound zu verschmelzen.
Sowohl als Solokünstlerin als auch in Zusammenarbeit mit anderen ist Mia weltweit aufgetreten – mit Tourneen durch Südamerika, Asien, Nordamerika und Europa. Sie stand auf renommierten Bühnen und Festivals, darunter das Jazzopen Stuttgart (als Backgroundsängerin für Quincy Jones & Friends), das Kennedy Center for the Performing Arts (als Teil des Betty Carter Jazz Ahead-Programms), TEDx Portugal („Being Human“, ÆterLys), das Konzerthaus Berlin, das Belgrade Jazz Festival und die Deutsche Oper Berlin („Rosemarine“).
Ihre vielseitigen künstlerischen Unternehmungen umfassen unter anderem Kooperationen mit der ECM-Künstlerin Julia Hülsmann sowie interdisziplinäre Projekte mit Film. Für Film und Theater komponiert sie regelmäßig Musik, und ihr Gesang wurde bereits in Produktionen für u. a. Prime Video eingesetzt.
Im April 2024 veröffentlichte sie ihr drittes Album – das erste unter eigenem Namen – mit dem Titel EASE, das von der Presse hochgelobt wurde. Es stellt eine mutige Erkundung der Schnittstelle zwischen Pop und Jazz dar. Aus diesem Release ging auch ihr Musikvideo „Under Water“ hervor, eins der aufwendigsten Kunstwerke ihrer Karriere.
Mias Beiträge zur Musikszene wurden mit zahlreichen Auszeichnungen gewürdigt. Ihr neuestes Projekt, eine Zusammenarbeit mit Jeremy Friedman, feierte 2025 seine Premiere bei TEDx in Lissabon. Diese multidisziplinäre Performance verbindet Musik, Tanz und Film. Mia komponierte dafür die Musik und debütierte als Sprecherin im Film Being Human.
Darüber hinaus erforscht Mia weiterhin neue klangliche Landschaften durch ihre Mitwirkung an verschiedenen internationalen Projekten, in denen sie die Grenzen von Jazz und zeitgenössischer Musik erweitert und sich für mehr künstlerische sowie genreübergreifende Offenheit einsetzt.
Sie besitzt einen Bachelor in Jazz und einen Master in Komposition mit Technologie und lehrt an der Universität der Künste Berlin.
Mia Knop Jacobsen – Vocals, Komposition
Jeppe Holst – Akustik- & E-Gitarre
Raphael Jesus Braga – E-Gitarre
Fotos© Geraldine Hutt
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS HEUTE MIT: EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um
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A-TRANE PRÄSENTIERT:
ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
HEUTE MIT:
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
ANDREAS SCHMIDT piano
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BENNY GREB «ACOUSTIC TRIO» PRE RELEASE CONCERT FEAT: JEAN YANOCHKIN-RALPH KLINZMANN Benny Greb zählt zu den respektiertesten Schlagzeugern weltweit. Er war bereits auf jedem internationalen Drum Festival als
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BENNY GREB
«ACOUSTIC TRIO»
PRE RELEASE CONCERT
FEAT: JEAN YANOCHKIN-RALPH KLINZMANN
Benny Greb zählt zu den respektiertesten Schlagzeugern weltweit. Er war bereits auf jedem internationalen Drum Festival als Headliner zu sehen und tourte mit seinen Clinics und Drum Camps über den ganzen Globus. Aber er ist auch als Komponist und Solokünstler bekannt und erhielt mit seiner eigenen Band, Moving Parts, den prestigeträchtigen Echo Jazz verliehen.
In Zusammenarbeit mit ihm wurden zahlreiche Signature-Produkte entwickelt, die den Schlagzeugern heute zur Verfügung stehen.
Mit „The Language of Drumming“, „The Art and Science of Groove“ und seinem aktuellen Buch „Effective Practicing for Musicians“ veröffentlichte er einige sehr erfolgreiche und von den Kritikern hochgelobte Lehrwerke im Musikbereich.
Ein Abend, den Sie auf keinen Fall verpassen sollten: Benny Greb, von der Fachpresse als einer der bedeutendsten Drummer des 21. Jahrhunderts gefeiert, kommt nach langer Zeit wieder nach Berlin. Das A-Trane freut sich diesen außergewöhnlichen Schlagzeuger zu präsentieren. Es erwartet Sie ein ebenso aussergewöhnliches Konzerterlebnis. Diesmal präsentiert er brandneue Kompositionen in einem Akustik-Trio-Format, das mit seinem unverwechselbaren Groove, seinem einzigartigen Sound und virtuoser Spielfreude begeistert.
Er wird begleitet von Jean Yanochkin & Ralph Klinzmann.
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JEAN YANOCHKIN – Piano
RALPH KLINZMANN – Bass
BENNY GREB – Drums
Benny Greb Farbfoto©Gerhard Kühne
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RALPH KLINZMANN – Bass
BENNY GREB – Drums
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Matti Klein Soul Trio ALBUM RELEASE CONCERT «Bouncin‘ In Bubbleverse» FEAT: Lars Dieterich-André Seidel Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist
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ALBUM RELEASE CONCERT
«Bouncin‘ In Bubbleverse»
Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist das, was uns unverwechselbar macht, steht in den englischen Wörterbüchern. Jede dieser Definitionen trifft auf das Matti Klein Soul Trio zu, aber letztere umschreibt das Wesen des imJahr 2017 gegründeten Dreiergespanns, welches seit dem weltweit schon weit über 300 Konzerte spielte, besonders gut.
Denn im Matti Klein Soul Trio haben sich drei Seelenverwandte im Namen des Grooves zusammengetan, die einen eigenständigen Weg jenseits der viel betanzten Pfade der Hammond-Orgel-Trios beschreiten. Im Zentrum des Klanggeschehens stehen dabei die warmen Wurlitzer-Klänge des Bandleaders Matti Klein, der mit der Funkjazz-Formation Mo‘ Blow und dem brasilianischen Yacht-Pop-Schwergewicht Ed Motta bereits die wichtigsten Jazzclubs in New York, Tokyo, London und Parisbeehrte.
Die wohligen tiefen Töne eines 1973er Fender Rhodes Piano-Bass sind ein ähnlichesAlleinstellungsmerkmal der Gruppe wie der punktgenaue Einsatz von Sound-Effects desTenorsaxofonisten und Bassklarinettisten Lars Dieterich. Das elastische Spiel von Drummer André Seidel sorgt dafür, dass man dem Trio seine weitere Spezialität, die unverkopfte Vorliebe für Odd Meters, buchstäblich nicht krumm nimmt.
All diese Qualitäten bestimmen auch „Soul Trio: Bouncin‘ In Bubbleverse“, das inzwischen dritte Albumdes Dreiergespanns. Auf der Einspielung verarbeiten Klein & Co. ihre reichhaltigen Tournee-Erfahrungen mit catchy Melodien und lange nachklingenden Gesellschaftsreflexionen.
Prominente Soul-Gourmets wie die BBC-Radiolegende Robert Elms oder Sänger Max Mutzke schwörenauf die Songs des Trios, in denen vibrierender Soul-Jazz und der Instrumental-Funk von The Metersoder The Crusaders organisch neben HipHop-Elementen oder spacigem Post-Rock stehen. Und auchdie mediale Resonanz auf die bisherigen Einspielungen und Live-Shows der Band (u.a. in Haiti,Südafrika, Malaysia, Finnland oder bei einer UK-Tour) spricht eine klare Sprache. „Das groovt ungemein“, urteilt der Deutschlandfunk, während das britische Jazzwise-Magazin feststellt: „A new,smoking‘ hot twist on the much-loved organ trio format. They deserve to be huge everywhere!“
“They deserve to be HUGE everywhere.Make sure you catch ‘em.“
JAZZWISE
„A really good album by keyboards player Matti Klein. I was really taken with this record and in fact I was gonnaplay it as my favourite track of the week.»
Robert Elms – BBC London
„Soul Trio is an authentic album drawing on vintage instruments with a 21st century attitude.“
Thomas Fletcher -Jazz Journal UK
„Eine epische Schönheit, die ihresgleichen sucht.“
Victoriah Szirmai – JAZZTHETIK
„Das groovt ungemein wie einst in den besten Tagen des Soul unter dem Tamla/Motown Segel.“
Thorsten Bednarz – Deutschlandfunk Kultur
„A genuine groove virtuoso.“
Kieler Nachrichten
„Out of this world.“
KEYBOARDS – Magazin
Matti Klein – Wurlitzer, Rhodes Bass
Lars Dieterich – Bass Clarinet, Saxophone
André Seidel – Drums
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MUSIKER
Matti Klein – Wurlitzer, Rhodes Bass
Lars Dieterich – Bass Clarinet, Saxophone
André Seidel – Drums
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Matti Klein Soul Trio ALBUM RELEASE CONCERT «Bouncin‘ In Bubbleverse» FEAT: Lars Dieterich-André Seidel Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist
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ALBUM RELEASE CONCERT
«Bouncin‘ In Bubbleverse»
Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist das, was uns unverwechselbar macht, steht in den englischen Wörterbüchern. Jede dieser Definitionen trifft auf das Matti Klein Soul Trio zu, aber letztere umschreibt das Wesen des imJahr 2017 gegründeten Dreiergespanns, welches seit dem weltweit schon weit über 300 Konzerte spielte, besonders gut.
Denn im Matti Klein Soul Trio haben sich drei Seelenverwandte im Namen des Grooves zusammengetan, die einen eigenständigen Weg jenseits der viel betanzten Pfade der Hammond-Orgel-Trios beschreiten. Im Zentrum des Klanggeschehens stehen dabei die warmen Wurlitzer-Klänge des Bandleaders Matti Klein, der mit der Funkjazz-Formation Mo‘ Blow und dem brasilianischen Yacht-Pop-Schwergewicht Ed Motta bereits die wichtigsten Jazzclubs in New York, Tokyo, London und Parisbeehrte.
Die wohligen tiefen Töne eines 1973er Fender Rhodes Piano-Bass sind ein ähnlichesAlleinstellungsmerkmal der Gruppe wie der punktgenaue Einsatz von Sound-Effects desTenorsaxofonisten und Bassklarinettisten Lars Dieterich. Das elastische Spiel von Drummer André Seidel sorgt dafür, dass man dem Trio seine weitere Spezialität, die unverkopfte Vorliebe für Odd Meters, buchstäblich nicht krumm nimmt.
All diese Qualitäten bestimmen auch „Soul Trio: Bouncin‘ In Bubbleverse“, das inzwischen dritte Albumdes Dreiergespanns. Auf der Einspielung verarbeiten Klein & Co. ihre reichhaltigen Tournee-Erfahrungen mit catchy Melodien und lange nachklingenden Gesellschaftsreflexionen.
Prominente Soul-Gourmets wie die BBC-Radiolegende Robert Elms oder Sänger Max Mutzke schwörenauf die Songs des Trios, in denen vibrierender Soul-Jazz und der Instrumental-Funk von The Metersoder The Crusaders organisch neben HipHop-Elementen oder spacigem Post-Rock stehen. Und auchdie mediale Resonanz auf die bisherigen Einspielungen und Live-Shows der Band (u.a. in Haiti,Südafrika, Malaysia, Finnland oder bei einer UK-Tour) spricht eine klare Sprache. „Das groovt ungemein“, urteilt der Deutschlandfunk, während das britische Jazzwise-Magazin feststellt: „A new,smoking‘ hot twist on the much-loved organ trio format. They deserve to be huge everywhere!“
“They deserve to be HUGE everywhere.Make sure you catch ‘em.“
JAZZWISE
„A really good album by keyboards player Matti Klein. I was really taken with this record and in fact I was gonnaplay it as my favourite track of the week.»
Robert Elms – BBC London
„Soul Trio is an authentic album drawing on vintage instruments with a 21st century attitude.“
Thomas Fletcher -Jazz Journal UK
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„Das groovt ungemein wie einst in den besten Tagen des Soul unter dem Tamla/Motown Segel.“
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Petter Bergander Trio «Watershed» Feat: Eva Kruse – Robert Ikiz Petter Bergander Trio from Stockholm will present a fascinating performance that skilfully juggles jazz, pop and Scandinavian folklore,
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Petter Bergander Trio
«Watershed»
Feat: Eva Kruse – Robert Ikiz
Petter Bergander Trio from Stockholm will present a fascinating performance that skilfully juggles jazz, pop and Scandinavian folklore, they released their first album „The Grand Dance“ in 2015 and have since then been touring both Sweden and Europe. Petter and Ikiz have also played together for ten years with Nils Landgren Funk Unit. Eva Kruse, who plays double bass, joined the band in 2016 and in 2019 they released the record ”Kierkegaard’s Waltz”.
On the album Watershed, which came out 2024, jazz is mixed with more modern beats and grooves. Improvisation is always at the very center. The songs and the melodies greet all kind of musiclovers and jazzlovers.
Petter Bergander about the music:
«We want to give people a crazy, exciting experience of life and zest for life. ”Watershed” is an album sprung from a troubled world and time. When I wrote the songs, I thought about events in life that can threaten to cut divides between friends or in the family, and conflicts within ourselves. The music became a way to regain the joy and the art.»
Petter Bergander – Piano
Eva Kruse: Double – Bass
Robert Ikiz – Drums
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Petter Bergander – Piano
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ADHD «March 2026 Tour» Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson ADHD is on tour in Europe in March. They will of course play songs from our
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ADHD
«March 2026 Tour»
Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson
ADHD is on tour in Europe in March.
They will of course play songs from our newest album ADHD 9 with our standards and some new material.
They will record their 10th album in Iceland in February 2026.
The album will be released on enja/Yellowbird in October 2026.
„We will revisit our favorite club, A-Trane in Berlin with two shows on the 23. and 24th and we look forward to seeing our friends old and new at these shows.“ ADHD
ADHD ist eine Band, die sich nicht in Kategorien stecken lässt. Sie kreieren mit ihrer Musik eine akustische Landschaft, die sowohl organisch als auch elektrisch klingt und dabei Elemente aus Jazz, Rock und Folk vermischt. Bei ihre immersiven und aufregenden Konzerten schaffen sie es, das Publikum in einen Trance-ähnlichen Zustand der kollektiven Ekstase zu versetzen. Sowohl Kritiker als auch Fans loben ihre Originalität, Kreativität und Virtuosität.
Im Jahr 2024 hatten ADHD zwei neue spannende Projekte geplant und ausgeführt. Das erste davon war ein Dokumentarfilm, der die Band auf einer Reise von Island nach Berlin begleitete. Die Dokumentation beinhaltete Interviews, Behind The Scenes Eindrücken und Ausschnitten aus ihrer fünftägigen Residenz im A-Trane Jazz Club Berlin. Ausgestrahlt wurde der Film im isländischen National-Fernsehen sowie auf dem internationalen Jazz TV-Sender Singray.
Das zweite Projekt war ein Konzertfilm von ihrer grandiosen Performance im Jazz Club A-Trane Berlin. Der Film wurde auf verschiedenen Streaming Plattformen veröffentlicht.
Bisher erschienen acht Alben von ADHD bei unterschiedlichen Labels und in verschiedenen Formaten.
2024 folgte mit ADHD #9 ihr neuntes Studio Album.
“Eine Musik zwischen Miles Davis, Steeley Dan, Dr. John und Radiohead mit Spannweite zwischen melodischem und assoziativem Spiel”
VerhoovensJazz
“Ein Jazzquartett der Weltklasse”
InReykjavik
“Das Quartett aus Island ist ein Live- Phänomen. Auf der Bühne entfaltet sich der eigensinnige, verspulte und mit blindem Spielverständnis der Mitglieder vorgetragene Klang des Vierers zu etwas Magischem, Grenzenlosem, Transzendentalem”
Sounds & Books
ÓSKAR GUÐJÓNSSON – Saxophon
ÓMAR GUÐJÓNSSON – Gitarre, Pedal Steel, Bass
TÓMAS JÓNSSON – Piano, Keyboards, Organ
MAGNÚS TRYGVASON ELIASSEN – Schlagzeug
Foto©Spessi
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ÓSKAR GUÐJÓNSSON – Saxophon
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Es gibt aber noch Sitzplätze für das gleiche Konzert am 24.03.2026
But there are still seats available for the same concert on the 24th of March 2026
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«March 2026 Tour»
Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson
ADHD is on tour in Europe in March.
They will of course play songs from our newest album ADHD 9 with our standards and some new material.
They will record their 10th album in Iceland in February 2026.
The album will be released on enja/Yellowbird in October 2026.
„We will revisit our favorite club, A-Trane in Berlin with two shows on the 23. and 24th and we look forward to seeing our friends old and new at these shows.“ ADHD
ADHD ist eine Band, die sich nicht in Kategorien stecken lässt. Sie kreieren mit ihrer Musik eine akustische Landschaft, die sowohl organisch als auch elektrisch klingt und dabei Elemente aus Jazz, Rock und Folk vermischt. Bei ihre immersiven und aufregenden Konzerten schaffen sie es, das Publikum in einen Trance-ähnlichen Zustand der kollektiven Ekstase zu versetzen. Sowohl Kritiker als auch Fans loben ihre Originalität, Kreativität und Virtuosität.
Im Jahr 2024 hatten ADHD zwei neue spannende Projekte geplant und ausgeführt. Das erste davon war ein Dokumentarfilm, der die Band auf einer Reise von Island nach Berlin begleitete. Die Dokumentation beinhaltete Interviews, Behind The Scenes Eindrücken und Ausschnitten aus ihrer fünftägigen Residenz im A-Trane Jazz Club Berlin. Ausgestrahlt wurde der Film im isländischen National-Fernsehen sowie auf dem internationalen Jazz TV-Sender Singray.
Das zweite Projekt war ein Konzertfilm von ihrer grandiosen Performance im Jazz Club A-Trane Berlin. Der Film wurde auf verschiedenen Streaming Plattformen veröffentlicht.
Bisher erschienen acht Alben von ADHD bei unterschiedlichen Labels und in verschiedenen Formaten.
2024 folgte mit ADHD #9 ihr neuntes Studio Album.
“Eine Musik zwischen Miles Davis, Steeley Dan, Dr. John und Radiohead mit Spannweite zwischen melodischem und assoziativem Spiel”
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“Ein Jazzquartett der Weltklasse”
InReykjavik
“Das Quartett aus Island ist ein Live- Phänomen. Auf der Bühne entfaltet sich der eigensinnige, verspulte und mit blindem Spielverständnis der Mitglieder vorgetragene Klang des Vierers zu etwas Magischem, Grenzenlosem, Transzendentalem”
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Martin Wind «Gravity Trio» «September» Laika Records CD Release Concert FEAT: Peter Weniger-Jonas Burgwinkel „September“ ist kein melancholisches Herbstalbum, sondern ein Statement über Aufbruch, Wandel und Dankbarkeit. 30 Jahre ist es her,
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Martin Wind «Gravity Trio»
«September»
Laika Records CD Release Concert
FEAT: Peter Weniger-Jonas Burgwinkel
„September“ ist kein melancholisches Herbstalbum, sondern ein Statement über Aufbruch, Wandel und Dankbarkeit.
30 Jahre ist es her, dass Bassist Martin Wind seine Koffer packte und von Norddeutschland nach New York zog – ein Schritt, der sein Leben in jeder Hinsicht verändern sollte. Heute gehört er zu den wenigen deutschen Musikern, die sich dauerhaft im Schmelztiegel des Big Apple etabliert haben: als gefragter Bassist, Komponist und Pädagoge, geschätzt für seinen warmen, facettenreichen Sound und seine Musikalität. Mit dem Trio „Gravity“ – neben Wind der Saxofonist Peter Weniger und der Schlagzeuger Jonas Burgwinkel – hat er ein Format geschaffen, das seinem Namen alle Ehre macht.
Schon das Debütalbum „Gravity“ (2023, Laika Records) wurde international gefeiert. Das amerikanische „Downbeat Magazine“ zog gar Parallelen zu Sonny Rollins’ legendärem „Way Out West“. Nun erscheint das Nachfolgealbum „September“ – eine Produktion, die in den USA entstand und ihre emotionale Schwerkraft aus einem tief bewegenden Moment schöpft. Am Morgen des ersten Aufnahmetages starb Winds langjähriger Mentor Jim McNeely. „Sein Tod hat uns alle tief getroffen“, sagt Wind und ergänzt. „Gleichzeitig hat mich enorm beeindruckt, wie würdevoll er durch den letzten Abschnitt seines Lebens gewandert ist. Ohne Worte des Bedauerns, ohne Bitterkeit, sondern humorvoll und mit großer Dankbarkeit.“ Eine Stimmung, die auch das „Celebrating Jim McNeely“ Konzert im September dominierte, bei dem New Yorker Jazzgrößen wie der Gitarrist John Scofield auftraten.
„September“ ist ein Dialog zwischen Kontinenten, Generationen und musikalischen Temperamenten. Für die Aufnahmen stieß Winds langjähriger US-Weggefährte Scott Robinson (Tenorsaxofon & Klarinette) erstmals im Studio auf den Berliner Saxofonisten Peter Weniger. „Obwohl sie von anderen Kontinenten kommen und andere Roots haben, zeigen sie, dass sie sich perfekt ergänzen und blind miteinander harmonieren können“, beschreibt Wind den besonderen Reiz des transatlantischen Zusammentreffens. Solche Begegnungen prägen den Kosmos von „September“: melodisch, geerdet, voller Seele. Die Stücke erzählen von Bewegung, Wandel und Widerstandskraft – so wie sie auch in der Natur zu erleben sind, wenn nach dem Sommer die kräftigen Farben des Herbstes Einzug halten – eingefangen in der Komposition „Late Summer Lullaby“.
In Wenigers Opener „Dance with the Wind“ geht es um das Vertrauen in den Moment. „Der Wind lässt sich nicht bändigen, also tanze lieber mit ihm“, rät der Komponist. „Relay“ ist ein lässig rollender Stafettenlauf zwischen ihm und Scott Robinson, der den Geist des Hardbop in die Gegenwart trägt. „King of the Castle“ hat Bandleader Wind seinem Drummer Jonas Burgwinkel gewidmet, der „wie von einem Thron aus über seine Instrumente regiert“ – rhythmisch komplex, enorm groovend und doch mit einem natürlichen Flow. Der Titeltrack „September Serenade“ ist eine leise Verneigung vor dem jüngst verstorbenen Jim McNeely, während der Klassiker „Pro Zeca“ die brasilianischen Einflüsse und Musiker widerspiegelt, die Wind seit seinen Jahren in New York begleiten – unter ihnen der Drummer Duduka Da Fonseca. Der Rausschmeißer „Rugby“ entstand, nachdem sich Weniger in Irland von einer Partie des dortigen Nationalsports hatte inspirieren lassen. Das Stück entfesselt die Energie und Rauheit eines improvisierten Spiels: kantig, ungezähmt, teilweise dissonant, die Richtung wechselnd, elektrisierend.
Peter Weniger – Tenor Saxophon
Martin Wind – Kontrabass
Jonas Burgwinkel – Drums
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Martin Wind – Bass
Jonas Burgwinkel – Drums
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YAKOU TRIBE «Out Of Sight» FEAT: Kai Brückner-Jan von Klewitz-Pepe Berns-Rainer Winch Die seit 20 Jahren bestehende Berliner Band „YAKOU TRIBE“ hat im Frühjahr 2019 ihre nunmehr fünfte CD mit dem Titel
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YAKOU TRIBE
«Out Of Sight»
FEAT: Kai Brückner-Jan von Klewitz-Pepe Berns-Rainer Winch
Die seit 20 Jahren bestehende Berliner Band „YAKOU TRIBE“ hat im Frühjahr 2019 ihre nunmehr fünfte CD mit dem Titel „Out Of Sight“vorgelegt. Das Quartett um die Gitarristen Kai Brückner und den Alt-Saxophonisten Jan von Klewitz verfolgt einerseits nach wie vor die Spur des (amerikanischen) Roadmovies-Soundtracks, andererseits erweitern die Musiker ihre Reiseroute sowohl ins urbane Amerika der 50er Jahre als auch in südamerikanische Gefilde. So steuern Klewitz und der 2017 neu hinzugekommen Kontra- und E-Bassist Pepe Berns folkloristische, brasillianisch-beeinflusste und dem Jazz verpflichtete Songs und Balladen bei, während die Kompositionen Brückners und des versierten Schlagzeugers Rainer Winch dem Progressive Rock der 70er Jahre ihre Aufwartung machen.
Der Yakou Tribe wirkt frisch und neu, und dennoch steht die Band noch hundertprozentig zu der Musik, die für sie seit jeher charakteristisch ist. Brückner, von Klewitz und Co. zeichnen sich dadurch aus, dass sie für jeden Track eine neue Verabredung zwischen Kontinuität und Veränderung finden. Sie bedürfen längst nicht mehr der internationalen Vergleiche, sondern definieren ihren eigenen Markenkern: kurze, zugängliche Jazz-Songs zwischen dezenter Melancholie und unaufdringlicher Heiterkeit, die ihre eigenen Bilder entfalten. Vier Musiker, die nicht miteinander spielen, weil sie einander auf Gedeih und Verderb ausgeliefert wären, sondern weil sie gar nichts anderes wollen.
Wolf Kampmann
«Jazz Mit roten Ohren.
Jazz im Geiste des Progressive Rock der Siebziger, nur viel lockerer und virtuoser: Das famose neue Album „Out of Sight“ des Berliner Quartetts „Yakou Tribe.
Je öfter man das Album „Out of Sight“ (Traumton Records) jenes Berliner Quartetts namens Yakou Tribe hört, desto mehr drängt sich der Gedanke auf, dass sich in diesen zehn Songs ein heiteres, souveränes Spiel mit den „Hörgemeinschaften“ längst vergangener Zeiten verbirgt. Jeder von ihnen kann alles spielen, kreuz und quer durch die Genres und die Zeiten.»
Thomas Steinfeld Süddeutschen Zeitung
Kai Brückner – Gitarre
Jan von Klewitz – Alto-Saxophon
Pepe Berns – Bass
Rainer Winch – Schlagzeug
Foto©David Beecroft
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A TRIBUTE TO JIMI HENDRIX WITH WILL JACOBS «KISS THE SKY» «A Compilation Night Of Hendrix» FEAT: Arne Imig-Magro Das letzte Live Konzert mit diesem Trio zu
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A TRIBUTE TO JIMI HENDRIX WITH WILL JACOBS
«KISS THE SKY» «A Compilation Night Of Hendrix»
FEAT: Arne Imig-Magro
Das letzte Live Konzert mit diesem Trio zu Ehren Jimi Hendrix war sehr erfolgreich. Wir hatten viel Mehr Anfragen, als unsere Kapazität. Alle, die bei diesem Konzert dabei waren, haben nach einer Wiederholung gefragt. Hier ist sie. Wir freuen uns dieses tolle Trio Ihnen noch mal präsentieren zu dürfen. Nicht verpassen!
The last live concert with this trio in honor of Jimi Hendrix was a huge success. We had far more requests than we could accommodate. Everyone who attended asked for a repeat performance. Here it is! We are thrilled to present this fantastic trio to you once again. Don’t miss it!
About this project:
Join us as we dive into the music and legacy of Jimi Hendrix. Electrifying and mesmerising, Jimi changed the way we look at guitar as an instrument and as a tool for creativity. He came from another planet, redefining what music could be and single handedly created new genres of music while still sounding like himself. In a time where the beetles and the rolling stones were the hottest thing out there, Jimi stood tall above the rest.
No one will ever be able to re-create the magic that flowed from his hands and his mind, but tonight we will do our best to appreciate the beauty, the power, and the soul that only Jimi layed out for all of us to enjoy.
Kiss the Sky is a compilation album by American rock guitarist and singer-songwriter Jimi Hendrix. It was released in October 1984 by Reprise Records in the USA and in November 1984 by Polydor Records in the UK. The album title is taken from the lyrics of „Purple Haze“.
Prepare yourself, and let’s rock!
Will Jacobs
Known for his powerful, live performances, Ruf Records recording artist WILL JACOBS is a modern Blues/Soul/R&B artist from Chicago, Illinois USA. At 32 years old, he’s no stranger to performance stages having honed his chops the old-fashioned way – experience.
His early teens were spent gigging in Chicago clubs backing many of the city’s finest blues men and women (while at the same time playing in a Grammy-winning, high school jazz band.)
In 2009, he attracts local and international attention with his first band (Dirty Deal), performing at the International Blues Showcase in Memphis, Tennessee after having won Chicago’s Windy City Blues Challenge (Youth Division). His band leaves their mark due to Will’s mature improvisational skills and vocal talents, coupled with its deep, blues-infused sound.
These experiences lead to studies at Berklee College of Music in Boston, more gigging, composing and session work in Chicago, a musical residency in Sri Lanka, as well as touring with renown, Zydeco artist C.J. Chenier.
Making the jump across the pond to Europe in mid-2016, Will begins performing and sharing his dynamic blues sound in Berlin, Germany and throughout Europe. Tours with his own band, collaborations with Hohner-endorsee Marcos Coll (with whom he releases “Takin’ Our Time” ©2019) and gigging with other well-respected EU artists such as Lionel Haas, David “Fingers” Haynes, Breezy Rodio, Martin Stumpf, Stef Rosen, and Gary Wiggins. Within a few short years, Will has logged performances at festivals and clubs in Armenia, Austria, Belgium, Czech Republic, France, Germany, Italy, Luxembourg, Netherlands, Poland, Spain, Sweden, Switzerland, Ukraine and the US.
In 2022, the well-respected Ruf Records label adds Will to their artist roster and immediately inserts him into their Blues Caravan Spring tour alongside Ghalia Volt and Whitney Shea. Ruf Records releases his “Goldfish Blues” album (©Nov2022) which receives strong reviews and garners him new fans online and across the EU and USA. 2023 brings another busy year with his own band plus 16 weeks touring with Rufs Blues Caravan (this time with Ally Venable and Ashley Sherlock.)
Most recently Will has been extensively touring and working as a session musician for other artists as well as forming a group called “The Unit” which is slowly making a name for themselves in and out of Berlin.
Whether playing clubs or festivals, working solo or collaborating other world-class musicians, Will strives to bring his energy, creativity and passion to every stage.
Will Jacobs – Guitar/Vocal
Arne Imig – Bass
Magro – Drums
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Will Jacobs – Guitar/Vocal
Arne Imig – Bass
Magro – Drums
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A TRIBUTE TO JIMI HENDRIX WITH WILL JACOBS «KISS THE SKY» «A Compilation Night Of Hendrix» FEAT: Arne Imig-Magro Das letzte Live Konzert mit diesem Trio zu
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A TRIBUTE TO JIMI HENDRIX WITH WILL JACOBS
«KISS THE SKY» «A Compilation Night Of Hendrix»
FEAT: Arne Imig-Magro
Das letzte Live Konzert mit diesem Trio zu Ehren Jimi Hendrix war sehr erfolgreich. Wir hatten viel Mehr Anfragen, als unsere Kapazität. Alle, die bei diesem Konzert dabei waren, haben nach einer Wiederholung gefragt. Hier ist sie. Wir freuen uns dieses tolle Trio Ihnen noch mal präsentieren zu dürfen. Nicht verpassen!
The last live concert with this trio in honor of Jimi Hendrix was a huge success. We had far more requests than we could accommodate. Everyone who attended asked for a repeat performance. Here it is! We are thrilled to present this fantastic trio to you once again. Don’t miss it!
About this project:
Join us as we dive into the music and legacy of Jimi Hendrix. Electrifying and mesmerising, Jimi changed the way we look at guitar as an instrument and as a tool for creativity. He came from another planet, redefining what music could be and single handedly created new genres of music while still sounding like himself. In a time where the beetles and the rolling stones were the hottest thing out there, Jimi stood tall above the rest.
No one will ever be able to re-create the magic that flowed from his hands and his mind, but tonight we will do our best to appreciate the beauty, the power, and the soul that only Jimi layed out for all of us to enjoy.
Kiss the Sky is a compilation album by American rock guitarist and singer-songwriter Jimi Hendrix. It was released in October 1984 by Reprise Records in the USA and in November 1984 by Polydor Records in the UK. The album title is taken from the lyrics of „Purple Haze“.
Prepare yourself, and let’s rock!
Will Jacobs
Known for his powerful, live performances, Ruf Records recording artist WILL JACOBS is a modern Blues/Soul/R&B artist from Chicago, Illinois USA. At 32 years old, he’s no stranger to performance stages having honed his chops the old-fashioned way – experience.
His early teens were spent gigging in Chicago clubs backing many of the city’s finest blues men and women (while at the same time playing in a Grammy-winning, high school jazz band.)
In 2009, he attracts local and international attention with his first band (Dirty Deal), performing at the International Blues Showcase in Memphis, Tennessee after having won Chicago’s Windy City Blues Challenge (Youth Division). His band leaves their mark due to Will’s mature improvisational skills and vocal talents, coupled with its deep, blues-infused sound.
These experiences lead to studies at Berklee College of Music in Boston, more gigging, composing and session work in Chicago, a musical residency in Sri Lanka, as well as touring with renown, Zydeco artist C.J. Chenier.
Making the jump across the pond to Europe in mid-2016, Will begins performing and sharing his dynamic blues sound in Berlin, Germany and throughout Europe. Tours with his own band, collaborations with Hohner-endorsee Marcos Coll (with whom he releases “Takin’ Our Time” ©2019) and gigging with other well-respected EU artists such as Lionel Haas, David “Fingers” Haynes, Breezy Rodio, Martin Stumpf, Stef Rosen, and Gary Wiggins. Within a few short years, Will has logged performances at festivals and clubs in Armenia, Austria, Belgium, Czech Republic, France, Germany, Italy, Luxembourg, Netherlands, Poland, Spain, Sweden, Switzerland, Ukraine and the US.
In 2022, the well-respected Ruf Records label adds Will to their artist roster and immediately inserts him into their Blues Caravan Spring tour alongside Ghalia Volt and Whitney Shea. Ruf Records releases his “Goldfish Blues” album (©Nov2022) which receives strong reviews and garners him new fans online and across the EU and USA. 2023 brings another busy year with his own band plus 16 weeks touring with Rufs Blues Caravan (this time with Ally Venable and Ashley Sherlock.)
Most recently Will has been extensively touring and working as a session musician for other artists as well as forming a group called “The Unit” which is slowly making a name for themselves in and out of Berlin.
Whether playing clubs or festivals, working solo or collaborating other world-class musicians, Will strives to bring his energy, creativity and passion to every stage.
Will Jacobs – Guitar/Vocal
Arne Imig – Bass
Magro – Drums
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Will Jacobs – Guitar/Vocal
Arne Imig – Bass
Magro – Drums
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS HEUTE MIT: EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um
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A-TRANE PRÄSENTIERT:
ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
HEUTE MIT:
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
ANDREAS SCHMIDT piano
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ANDREAS SCHMIDT piano
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Mariana Zwarg Quintet «Legacy Of Hermeto Pascoal’s Universal Music» FEAT: Itiberê Zwarg WITH: Mette Nadja-Johannes von Ballestrem-Igor Spalatti-Pierre Chastel A rare musical encounter brings
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Mariana Zwarg Quintet
«Legacy Of Hermeto Pascoal’s Universal Music»
FEAT: Itiberê Zwarg
WITH: Mette Nadja-Johannes von Ballestrem-Igor Spalatti-Pierre Chastel
A rare musical encounter brings the Mariana Zwarg Quintet together with Itiberê Zwarg, who travels from Brazil to join the group for a special evening at A-Trane Berlin. Father and daughter meet on stage as composers, arrangers, and improvisers, presenting original music written especially for this collaboration and shaped by the shared legacy of Hermeto Pascoal’s Universal Music.
The Mariana Zwarg Quintet is one of the most innovative ensembles in today’s jazz scene, presenting a distinctive fusion of jazz and Brazilian instrumental music. Formed in 2022, the group brings together exceptional musicianship and a strong compositional voice.
Led by flutist and composer Mariana Zwarg, the quintet’s sound is shaped by sensitivity, precision, and a clear collective identity. The music draws from the rich tradition of Brazilian music, including styles like samba and forró, approached with a contemporary perspective and paired with the freedom of jazz and improvisation.
Before forming the quintet, Mariana Zwarg toured internationally with her Sexteto Universal, releasing the acclaimed album Nascentes in 2020 and performing at major festivals and concert halls across Europe and Brazil. This experience informs the quintet’s confident stage presence and focused live communication.
The evening at A-Trane unfolds as an intimate yet expansive musical conversation — intergenerational, exploratory, and alive in the moment.
Mariana Zwarg – Flutes
Mette Nadja – Voice, Percussion
Johannes von Ballestrem – Piano
Igor Spalatti – Double Bass
Pierre Chastel – Drums, Percussion, Voice
Special Guest:
Itiberê Zwarg – Bass, Voice
Mariana Zwarg Quintet Feat. Itiberê Foto©Carla Alves
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Mariana Zwarg – Flutes
Mette Nadja – Voice, Percussion
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THE MAKING OF CHET BAKER SINGS
BOOK & AUDIO CD
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Restaurant pascarella
ÖFFNUNGSZEITEN MONTAG – SONNTAG 12:00 UHR – 01:00 UHR SCHLÜTERSTR. 69 ECKE PESTALOZZISTRASSE 10625 BERLIN NUR 50 METER ENTFERNT VOM A-TRANE HOMEPAGE PASCARELLA Tel.: +49 30 32764641
DEMNÄCHST / UPCOMING






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Sarah Jane Morris The Sisterhood Acoustic Feat: Tony Remy-Marcus Bonfanti-Henry Thomas Die Jazz- und Soul-Sängerin Sarah Jane Morris hat über 15 Alben veröffentlicht und sich zu einer der größten Jazz-
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Sarah Jane Morris
The Sisterhood Acoustic
Feat: Tony Remy-Marcus Bonfanti-Henry Thomas
Die Jazz- und Soul-Sängerin Sarah Jane Morris hat über 15 Alben veröffentlicht und sich zu einer der größten Jazz- und Soul-Sängerinnen Großbritanniens entwickelt, seit sie in den 80er Jahren mit Bands wie The Republic, Happy End und The Communards berühmt wurde, hier vor allem mit dem Hit „Don’t Leave Me This Way“. Morris war auf vielen Communards-Titeln prominent vertreten, wobei ihre tiefe Stimmlage einen Kontrast zu Jimmy Somervilles Falsett bildete.
Mit ihrer unverwechselbaren Altstimme – kraftvoll, gefühlvoll und ausdrucksstark – bringt sie einen Abend voller akustischem Soul, Jazz und afrikanischem Blues in den Club und präsentiert Songs aus ihrer bemerkenswerten Karriere.
Bekannt für ihre emotionale Tiefe und ihre furchtlosen Geschichten, arbeitet sie weiterhin eng mit dem Gitarristen Tony Rémy zusammen und beschäftigt sich mit Themen wie Liebe, Kampf und zwischenmenschlichen Beziehungen.
Zusammen mit ihren hervorragenden Musikern verspricht dies eine bewegende Rückkehr einer der markantesten Stimmen Großbritanniens ins A-Trane zu werden.
„Eine opulente Stimme mit großem Stimmumfang und roher emotionaler Kraft, die an Nina Simone und Janis Joplin erinnert“
The Guardian
„Eine musikalische Meisterleistung. Diese neuen Songs zeigen die Bandbreite und Vielseitigkeit dieser einzigartigen Stimme. Morris ist eine fesselnde Live-Performerin“
UK Jazz News
„Mit ihrer wohlklingenden Stimme und ihrem Stimmumfang von vier Oktaven könnte Sarah Jane Morris ein Telefonbuch summen und würde dennoch begeistern“
The Standard
Sarah Jane Morris – Vocals
Tony Remy – Guitars
Marcus Bonfanti – Guitars
Henry Thomas – Bass
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Sarah Jane Morris – Vocals
Tony Remy – Guitars
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Christoph Titz & Band «August Stories» Live Album Release Concert FEAT: Gero Körner-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido Christoph Titz ist ein Künstler, den man nicht mehr vorstellen muss
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Christoph Titz & Band
«August Stories» Live
Album Release Concert
FEAT: Gero Körner-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido
Christoph Titz ist ein Künstler, den man nicht mehr vorstellen muss – seit vielen Jahren begleitet er uns mit faszinierenden Projekten, seinem unverwechselbar klaren Trompetenton und Kompositionen, die stets Melodie, Atmosphäre und Gefühl in einer seltenen Einheit verbinden.
Das Christoph Titz Quartett lädt ein zu einem Abend voller musikalischer Erzählkunst mit Instrumenten. Im Mittelpunkt steht das neue Album August Stories, das am 31. Oktobe 2025 erschien. Entstanden ist diese sehr persönliche Musik im August 2024 — ein Monat, den Christoph Titz allein in Berlin verbrachte. Ohne Ablenkung, nur mit Büchern, Gedanken und seiner Trompete. Aus dieser besonderen Zeit entstanden zehn Stücke, die kleine Geschichten erzählen: von Stimmungen, Begegnungen und inneren Bildern.
August Stories ist das erste rein akustische Album von Christoph Titz — Klaviertrio und Trompete, ohne Elektronik, ohne Synthesizer. Die Musik erzählt in ihrer ganz eigenen Sprache: von berührenden Balladen über atmosphärische Klanglandschaften bis zu schnellen, jazzigen Tracks voller Energie. Mal lyrisch und transparent, mal groovig und verspielt, mal virtuos und mitreißend.
Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell und unterhaltsam. Das ist die Musik von Christoph Titz & Band.
Präsentiert wird diese klangvolle Geschichtenreise von Christoph Titz gemeinsam mit seiner fantastischen Band.
Ein abwechslungsreicher Abend, an dem die Musik die Geschichten erzählt — zwischen Improvisation, Ausdruck und Spielfreude.
Neben August Stories werden natürlich auch ältere Kompositionen wie z.B. vom „Walking The Corner“ Album gespielt.
«August Stories“ ist ein zart komponiertes. poetisches Werk – intim, fragil und fokussiert, aber zualeich voller innerer Spannung. Ein Album, das einlädt sich hineinfallen zu lassen in die Klangwelt eines Monats, der zu einem besonderen Moment im Leben geworden ist.»
Jazz Fun-Jacek Brun
Christoph Titz – Trumpet / Flügelhorn
Gero Körner – Piano
Juan Camillo Villa – Contrabass/E-Bass
Alfonso Garrido – Drums / Percussion
Christoph Titz Foto©Natalia Kepesz
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Gero Körner – Piano
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Christoph Titz & Band «August Stories» Live Album Release Concert FEAT: Gero Körner-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido Christoph Titz ist ein Künstler, den man nicht mehr vorstellen muss
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FEAT: Gero Körner-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido
Christoph Titz ist ein Künstler, den man nicht mehr vorstellen muss – seit vielen Jahren begleitet er uns mit faszinierenden Projekten, seinem unverwechselbar klaren Trompetenton und Kompositionen, die stets Melodie, Atmosphäre und Gefühl in einer seltenen Einheit verbinden.
Das Christoph Titz Quartett lädt ein zu einem Abend voller musikalischer Erzählkunst mit Instrumenten. Im Mittelpunkt steht das neue Album August Stories, das am 31. Oktobe 2025 erschien. Entstanden ist diese sehr persönliche Musik im August 2024 — ein Monat, den Christoph Titz allein in Berlin verbrachte. Ohne Ablenkung, nur mit Büchern, Gedanken und seiner Trompete. Aus dieser besonderen Zeit entstanden zehn Stücke, die kleine Geschichten erzählen: von Stimmungen, Begegnungen und inneren Bildern.
August Stories ist das erste rein akustische Album von Christoph Titz — Klaviertrio und Trompete, ohne Elektronik, ohne Synthesizer. Die Musik erzählt in ihrer ganz eigenen Sprache: von berührenden Balladen über atmosphärische Klanglandschaften bis zu schnellen, jazzigen Tracks voller Energie. Mal lyrisch und transparent, mal groovig und verspielt, mal virtuos und mitreißend.
Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell und unterhaltsam. Das ist die Musik von Christoph Titz & Band.
Präsentiert wird diese klangvolle Geschichtenreise von Christoph Titz gemeinsam mit seiner fantastischen Band.
Ein abwechslungsreicher Abend, an dem die Musik die Geschichten erzählt — zwischen Improvisation, Ausdruck und Spielfreude.
Neben August Stories werden natürlich auch ältere Kompositionen wie z.B. vom „Walking The Corner“ Album gespielt.
«August Stories“ ist ein zart komponiertes. poetisches Werk – intim, fragil und fokussiert, aber zualeich voller innerer Spannung. Ein Album, das einlädt sich hineinfallen zu lassen in die Klangwelt eines Monats, der zu einem besonderen Moment im Leben geworden ist.»
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Christoph Titz – Trumpet / Flügelhorn
Gero Körner – Piano
Juan Camillo Villa – Contrabass/E-Bass
Alfonso Garrido – Drums / Percussion
Christoph Titz Foto©Natalia Kepesz
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Gero Körner – Keyboards
Juan Camillo Villa – Bass
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FEAT: Gero Körner-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido
Christoph Titz ist ein Künstler, den man nicht mehr vorstellen muss – seit vielen Jahren begleitet er uns mit faszinierenden Projekten, seinem unverwechselbar klaren Trompetenton und Kompositionen, die stets Melodie, Atmosphäre und Gefühl in einer seltenen Einheit verbinden.
Das Christoph Titz Quartett lädt ein zu einem Abend voller musikalischer Erzählkunst mit Instrumenten. Im Mittelpunkt steht das neue Album August Stories, das am 31. Oktobe 2025 erschien. Entstanden ist diese sehr persönliche Musik im August 2024 — ein Monat, den Christoph Titz allein in Berlin verbrachte. Ohne Ablenkung, nur mit Büchern, Gedanken und seiner Trompete. Aus dieser besonderen Zeit entstanden zehn Stücke, die kleine Geschichten erzählen: von Stimmungen, Begegnungen und inneren Bildern.
August Stories ist das erste rein akustische Album von Christoph Titz — Klaviertrio und Trompete, ohne Elektronik, ohne Synthesizer. Die Musik erzählt in ihrer ganz eigenen Sprache: von berührenden Balladen über atmosphärische Klanglandschaften bis zu schnellen, jazzigen Tracks voller Energie. Mal lyrisch und transparent, mal groovig und verspielt, mal virtuos und mitreißend.
Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell und unterhaltsam. Das ist die Musik von Christoph Titz & Band.
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SHALOSH «What We Are Made Of» ACT MUSIC Album Release Concert FEAT: Gadi Stern-David Michaeli-Matan Assayag Piano, Bass, Schlagzeug. Drei Instrumente, drei junge Musiker. Eine Modern Jazz Band, die
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SHALOSH
«What We Are Made Of»
ACT MUSIC Album Release Concert
FEAT: Gadi Stern-David Michaeli-Matan Assayag
Piano, Bass, Schlagzeug. Drei Instrumente, drei junge Musiker. Eine Modern Jazz Band, die für Nirvana, Brahms und The Bad Plus schwärmt. Verschiedene Stile verbinden sie mit furioser Leidenschaft: die Lautstärke des Rock und die Tanzbarkeit elektronischer Musik trifft auf die Sensibilität studierter Jazz-Musiker. Der Name der Band: SHALOSH, hebräisch für “Drei”.
«Die drei Musiker explodieren fast vor Spielfreude. Ihre extrovertierte Umsetzung des kompositorischen Materials überwältigt. Ihre melodischen Wechsel, ihr Variieren der Zeit (mehrmals innerhalb eines Stückes), ihr improvisatorischer Funkenflug lotet die Grenzen des Jazz gewaltig aus. Rockige Querverweise, östliche und afrikanische Ideen, ja selbst elektronische Erweiterungen paaren sich mit klassischer Virtuosität und energiegeladenem Jazz.»
JAZZ FIRST | JÖRG KONRAD
Deutsch:
Mit ihrem sechsten Album What We Are Made Of richtet SHALOSH den Blick nach innen und klingt dabei zugleich so weit und offen wie nie zuvor. Die Platte ist ein tiefgehendes Eintauchen in die musikalische DNA des Trios und zeichnet die Einflüsse, Instinkte und emotionalen Kräfte nach, die ihre gemeinsame Sprache über Jahre enger Zusammenarbeit und unermüdlichen Tourens geprägt haben.
Durch die Verbindung eigener Kompositionen mit mutig neu interpretierten Coverversionen bewegt sich das Album fließend zwischen rohem Groove, lyrischer Introspektion und Momenten ungezügelter Intensität. Jazz erscheint hier nicht als Genregrenze, sondern als Haltung – offen, körperlich und ständig in Bewegung – und schafft den Raum dafür, dass Elemente aus Rock, klassischer Musik und Pop ganz selbstverständlich im hochkonzentrierten Klang des Trios zusammenfinden.
Aufgenommen mit jener Unmittelbarkeit und Risikobereitschaft, die SHALOSHs Live-Auftritte auszeichnen, zeigt What We Are Made Of die Band so direkt und persönlich wie selten zuvor. Auf der Bühne wird das Material zu einem lebendigen Organismus: elastisch, volatil und zutiefst kommunikativ, getragen von der seltenen Chemie dreier Musiker, die denken, reagieren und atmen wie einer. SHALOSH präsentieren dieses neue Kapitel als kraftvolles Live-Erlebnis, das die Grenzen zwischen Konzert und kollektivem Katharsismoment verschwimmen lässt.
English
With their sixth album, What We Are Made Of (ACT, 03/2026), SHALOSH turns inward while sounding more expansive than ever. The record is a deep dive into the trio’s musical DNA, tracing the influences, instincts, and emotional forces that have shaped their shared language over years of close collaboration and relentless touring.
Blending original compositions with boldly reimagined cover versions, the album moves fluidly between raw groove, lyrical introspection, and moments of unrestrained intensity. Jazz is present not as a genre boundary but as an attitude — open, physical, and constantly in motion — allowing elements of rock, classical music, and popular song to coexist naturally within the trio’s highly focused sound.
Recorded with the immediacy and risk-taking that define SHALOSH’s live performances, What We Are Made Of captures the band at its most direct and personal. On stage, the material becomes a living organism: elastic, volatile, and deeply communicative, driven by the rare chemistry of three musicians who think, react, and breathe as one. In Berlin, SHALOSH presents this new chapter as a powerful live experience that blurs the line between concert and collective release.
Gadi Stern – Piano & Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums
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Gadi Stern – Piano & Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums
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SHALOSH «What We Are Made Of» ACT MUSIC Album Release Concert FEAT: Gadi Stern-David Michaeli-Matan Assayag Piano, Bass, Schlagzeug. Drei Instrumente, drei junge Musiker. Eine Modern Jazz Band, die
Konzertdetails
SHALOSH
«What We Are Made Of»
ACT MUSIC Album Release Concert
FEAT: Gadi Stern-David Michaeli-Matan Assayag
Piano, Bass, Schlagzeug. Drei Instrumente, drei junge Musiker. Eine Modern Jazz Band, die für Nirvana, Brahms und The Bad Plus schwärmt. Verschiedene Stile verbinden sie mit furioser Leidenschaft: die Lautstärke des Rock und die Tanzbarkeit elektronischer Musik trifft auf die Sensibilität studierter Jazz-Musiker. Der Name der Band: SHALOSH, hebräisch für “Drei”.
«Die drei Musiker explodieren fast vor Spielfreude. Ihre extrovertierte Umsetzung des kompositorischen Materials überwältigt. Ihre melodischen Wechsel, ihr Variieren der Zeit (mehrmals innerhalb eines Stückes), ihr improvisatorischer Funkenflug lotet die Grenzen des Jazz gewaltig aus. Rockige Querverweise, östliche und afrikanische Ideen, ja selbst elektronische Erweiterungen paaren sich mit klassischer Virtuosität und energiegeladenem Jazz.»
JAZZ FIRST | JÖRG KONRAD
Deutsch:
Mit ihrem sechsten Album What We Are Made Of richtet SHALOSH den Blick nach innen und klingt dabei zugleich so weit und offen wie nie zuvor. Die Platte ist ein tiefgehendes Eintauchen in die musikalische DNA des Trios und zeichnet die Einflüsse, Instinkte und emotionalen Kräfte nach, die ihre gemeinsame Sprache über Jahre enger Zusammenarbeit und unermüdlichen Tourens geprägt haben.
Durch die Verbindung eigener Kompositionen mit mutig neu interpretierten Coverversionen bewegt sich das Album fließend zwischen rohem Groove, lyrischer Introspektion und Momenten ungezügelter Intensität. Jazz erscheint hier nicht als Genregrenze, sondern als Haltung – offen, körperlich und ständig in Bewegung – und schafft den Raum dafür, dass Elemente aus Rock, klassischer Musik und Pop ganz selbstverständlich im hochkonzentrierten Klang des Trios zusammenfinden.
Aufgenommen mit jener Unmittelbarkeit und Risikobereitschaft, die SHALOSHs Live-Auftritte auszeichnen, zeigt What We Are Made Of die Band so direkt und persönlich wie selten zuvor. Auf der Bühne wird das Material zu einem lebendigen Organismus: elastisch, volatil und zutiefst kommunikativ, getragen von der seltenen Chemie dreier Musiker, die denken, reagieren und atmen wie einer. SHALOSH präsentieren dieses neue Kapitel als kraftvolles Live-Erlebnis, das die Grenzen zwischen Konzert und kollektivem Katharsismoment verschwimmen lässt.
English
With their sixth album, What We Are Made Of (ACT, 03/2026), SHALOSH turns inward while sounding more expansive than ever. The record is a deep dive into the trio’s musical DNA, tracing the influences, instincts, and emotional forces that have shaped their shared language over years of close collaboration and relentless touring.
Blending original compositions with boldly reimagined cover versions, the album moves fluidly between raw groove, lyrical introspection, and moments of unrestrained intensity. Jazz is present not as a genre boundary but as an attitude — open, physical, and constantly in motion — allowing elements of rock, classical music, and popular song to coexist naturally within the trio’s highly focused sound.
Recorded with the immediacy and risk-taking that define SHALOSH’s live performances, What We Are Made Of captures the band at its most direct and personal. On stage, the material becomes a living organism: elastic, volatile, and deeply communicative, driven by the rare chemistry of three musicians who think, react, and breathe as one. In Berlin, SHALOSH presents this new chapter as a powerful live experience that blurs the line between concert and collective release.
Gadi Stern – Piano & Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums
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MUSIKER
Gadi Stern – Piano & Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums
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WORTHY DAVIS «A Soul Rhapsody» FEAT: Will Jacobs-Paul Andrew-Francesco Beccaro-Michi Hubert A Soul Rhapsody – Wenn Soul zur Geschichte wird Mit A Soul Rhapsody lädt Worthy Davis
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WORTHY DAVIS
«A Soul Rhapsody»
FEAT: Will Jacobs-Paul Andrew-Francesco Beccaro-Michi Hubert
A Soul Rhapsody – Wenn Soul zur Geschichte wird
Mit A Soul Rhapsody lädt Worthy Davis zu einem Konzerterlebnis ein, das unter die Haut geht. Getragen von einer kraftvollen, ausdrucksstarken Stimme und tief verwurzelt in der Tradition von Gospel und Soul, entsteht ein Abend voller Intensität, Leidenschaft und spiritueller Tiefe.
Sein musikalischer Weg begann im Gospel – dort, wo Musik mehr ist als Klang, wo sie Trost spendet, Hoffnung schenkt und Gemeinschaft stiftet. Diese Wurzeln sind bis heute spürbar: in jeder Nuance seiner Stimme, in jeder improvisierten Phrase, in jedem Moment, der das Publikum berührt. Soul ist für ihn kein Genre, sondern eine Haltung.
Als Sänger, Songwriter und Produzent arbeitete er bereits mit internationalen Größen wie Stevie Wonder, Chaka Kahn, Dr. Dré, David Foster, Bobby Mc Ferrin um nur einige zu nennen, sowie der deutschen Ausnahmeband Heavytones zusammen. Diese Stationen spiegeln die Bandbreite seines künstlerischen Schaffens – von tief empfundener Soul-Ballade bis zu energiegeladenen Grooves.
“Music is not really something I do, it’s a passion that I live and breath. It makes me who I am. A Soul Rhapsody ist ein Konzert, das nicht nur gehört, sondern gespürt wird.“
Worthy Davis arbeitet derzeit an seinem ersten deutschsprachigen Album: Der American Klassiker, einem Solo-Comedy-Musical, das im Herbst auf Tour gehen wird.
Worthy Davis – Piano
Will Jacobs – Guitar
Paul Andrew – Saxophone
Francesco Beccaro – Bass
Michi Hubert – Drums
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MUSIKER
Worthy Davis – Piano
Will Jacobs – Guitar
Paul Andrew – Saxophone
Francesco Beccaro – Bass
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WORTHY DAVIS «A Soul Rhapsody» FEAT: Will Jacobs-Paul Andrew-Francesco Beccaro-Michi Hubert A Soul Rhapsody – Wenn Soul zur Geschichte wird Mit A Soul Rhapsody lädt Worthy Davis
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WORTHY DAVIS
«A Soul Rhapsody»
FEAT: Will Jacobs-Paul Andrew-Francesco Beccaro-Michi Hubert
A Soul Rhapsody – Wenn Soul zur Geschichte wird
Mit A Soul Rhapsody lädt Worthy Davis zu einem Konzerterlebnis ein, das unter die Haut geht. Getragen von einer kraftvollen, ausdrucksstarken Stimme und tief verwurzelt in der Tradition von Gospel und Soul, entsteht ein Abend voller Intensität, Leidenschaft und spiritueller Tiefe.
Sein musikalischer Weg begann im Gospel – dort, wo Musik mehr ist als Klang, wo sie Trost spendet, Hoffnung schenkt und Gemeinschaft stiftet. Diese Wurzeln sind bis heute spürbar: in jeder Nuance seiner Stimme, in jeder improvisierten Phrase, in jedem Moment, der das Publikum berührt. Soul ist für ihn kein Genre, sondern eine Haltung.
Als Sänger, Songwriter und Produzent arbeitete er bereits mit internationalen Größen wie Stevie Wonder, Chaka Kahn, Dr. Dré, David Foster, Bobby Mc Ferrin um nur einige zu nennen, sowie der deutschen Ausnahmeband Heavytones zusammen. Diese Stationen spiegeln die Bandbreite seines künstlerischen Schaffens – von tief empfundener Soul-Ballade bis zu energiegeladenen Grooves.
“Music is not really something I do, it’s a passion that I live and breath. It makes me who I am. A Soul Rhapsody ist ein Konzert, das nicht nur gehört, sondern gespürt wird.“
Worthy Davis arbeitet derzeit an seinem ersten deutschsprachigen Album: Der American Klassiker, einem Solo-Comedy-Musical, das im Herbst auf Tour gehen wird.
Worthy Davis – Piano
Will Jacobs – Guitar
Paul Andrew – Saxophone
Francesco Beccaro – Bass
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JACOB KARLZON «QUESTAR» FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ Musik für den inneren Film Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise. Entstanden aus
Konzertdetails
JACOB KARLZON
«QUESTAR»
FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ
Musik für den inneren Film
Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise.
Entstanden aus dem Wunsch, neue Klänge und Settings zu erkunden, verbindet QUESTAR tiefe Grooves und fließende Rhythmen mit nordischen Klanglandschaften, die Grenzen überschreiten. Die Musik schafft offene, sich ständig verändernde Landschaften, in denen jedes Konzert auf seine eigene Weise stattfindet.
Hier erweitern sich Melodie und Harmonie wie ein weiter Horizont, wo Komposition auf Improvisation trifft, Akustik und Elektronik sich verbinden und die Zuhörer dazu einladen, aus den Klängen ihre eigenen Bilder und Geschichten zu formen. Karlzon drückt es so aus:
„Die Stärke der Instrumentalmusik liegt darin, dass jeder seine eigenen inneren Bilder schaffen kann, basierend auf dem, was man hört, und seiner eigenen Vorstellungskraft.“
Jacob Karlzon
QUESTAR, was „Suchender“ bedeutet, bietet Musik für den inneren Film, eine sanfte Einladung, an unbekannte Orte zu reisen und eine gemeinsame Atmosphäre voller Energie und Entdeckungen zu schaffen.
Jacob Karlzon
Der schwedische Jazzpianist und Komponist Jacob Karlzon wird mit den legendären Schweden Esbjörn Svensson und Jan Johansson verglichen. Karlzons Spielstil zeichnet sich durch technische Brillanz, rhythmische und harmonische Komplexität mit einem perfekten Gespür für Form aus. Seit 2012 ist er Steinway-Künstler, eine internationale Anerkennung für herausragende Leistungen. Jacob Karlzon ist immer auf der Suche nach neuen Orten, nicht nur in seiner Musik. Doch trotz seines wachsenden Ruhmes, seiner Konzerte in Europa, China und den Vereinigten Staaten und seiner Reisen in immer weiter entfernte Länder kehrt er immer wieder gerne zu seinen Wurzeln und früheren musikalischen Ideen zurück. Auch stilistisch und musikalisch ist Jacob Karlzon weit gereist: Er ist klassisch ausgebildeter Pianist, stand aber auch schon mit Größen wie Dominic Miller, Norma Winstone und Billy Cobham auf der Bühne. Mit seinen Alben „More“ und „Now“, in denen elektronische Elemente den Takt vorgeben, hat er sich einen Weg in die Welt des Heavy Metal gebahnt. Kein Wunder, dass er sich selbst lieber als „alternativen Musiker“ bezeichnet.
Mads La Cour wurde 1980 geboren und begann im Alter von 8 Jahren mit dem Trompetenspiel. 2007 wurde er zum Jazzmusiker des Jahres auf der Insel Fünen gekürt. 2008 schloss er sein Diplom am Fünener Musikkonservatorium ab – eine Reise, die auch ein sechsmonatiges Studium in Stockholm umfasste. Heute ist er Mitglied der DR Big Band und trat bereits mit Künstlern wie Sinne Eeg, Ray Pitts, Chris Potter, Kaya Brüel und anderen auf. Mads La Cour ist einer der bekanntesten Trompeter Dänemarks und garantiert Klänge von höchster Qualität.
Thobias Gabrielson ist ein schwedischer Bassist, Komponist und Multiinstrumentalist, der seit Mitte der 90er Jahre in der schwedischen Jazz- und Pop/Rock-Szene aktiv ist. Er tourte durch Skandinavien, Europa, Südafrika und Asien mit Künstlern wie Nils Landgren, Magnus Öström, Janne Schaffer, Timbuktu und Ida Sand.
Der preisgekrönte, in Istanbul geborene Schlagzeuger Robert Mehmet Ikiz begann im Alter von zwei Jahren auf den Töpfen seiner Großmutter zu spielen. Ikiz studierte von 1995 bis 1998 am Stockholmer Musikkonservatorium im Fachbereich afroamerikanische Musik. 1998 gewann er dort den jährlichen Wettbewerb und erhielt ein Stipendium für ein Studium an der Los Angeles Music Academy. Die Vielfalt der Orte, Menschen und Musikstile, denen er auf seinen Reisen begegnet ist, hat den vielfältigen Klang seines eigenen Schlagzeugstils geprägt. Ikiz trat mit Künstlern und Orchestern wie Bobby McFerrin, Joe Sample, Ivan Lins, der NDR Big Band, dem BBC Orchestra, den Berliner Philharmonikern und Barbara Hendricks auf und tourte mit ihnen. Während seiner Zeit in Südkalifornien sammelte er wertvolle Erfahrungen in der amerikanischen Jazzszene, indem er in David Ornette Cherrys Impressions Of Energy spielte, zu denen unter anderem Musiker wie Justo Almario und Ralph „Buzzy” Jones gehörten. Im Oktober 2017 erhielt Ikiz den Preis „Musiker des Jahres” vom Schwedischen Rundfunk. Der Preis heißt „Jazzkatten” und wurde zuvor noch nie an einen Schlagzeuger vergeben. Ikiz war bereits 2015 für denselben Preis nominiert worden. İkiz‘ Talent wurde von der Königlich Schwedischen Musikakademie anerkannt, als er 1999 und 2003 Auszeichnungen im Bereich Percussion und 2004 im Bereich Jazz erhielt.
„Weltklasse-Piano-Jazz“
Lira Musikmagasin
„Er hat nun den Olymp der europäischen Jazzpianisten erreicht.“
Jazzpodium
„Fesselnde Musikalität“
The Guardian
„Wie kaum ein anderer Jazzpianist beherrscht Karlzon den Spagat zwischen Einfachheit und Komplexität.“
WDR3
„Spricht durch die Tasten seines Flügels wie ein Philosoph“
Aachener Zeitung
„Karlzon schafft musikalische Freiräume“
Süddeutsche Zeitung
JACOB KARLZON – Klavier, Keyboards, Elektronik
MADS LA COUR – Trompete
THOBIAS GABRIELSON – Bass
ROBERT IKIZ – Schlagzeug, Elektronik
Foto Jacob©Mats Bäcker
Foto Ikiz©©Hans-Joachim-Maquet
Foto Mads©Hans Ulrik
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JACOB KARLZON «QUESTAR» FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ Musik für den inneren Film Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise. Entstanden aus
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JACOB KARLZON
«QUESTAR»
FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ
Musik für den inneren Film
Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise.
Entstanden aus dem Wunsch, neue Klänge und Settings zu erkunden, verbindet QUESTAR tiefe Grooves und fließende Rhythmen mit nordischen Klanglandschaften, die Grenzen überschreiten. Die Musik schafft offene, sich ständig verändernde Landschaften, in denen jedes Konzert auf seine eigene Weise stattfindet.
Hier erweitern sich Melodie und Harmonie wie ein weiter Horizont, wo Komposition auf Improvisation trifft, Akustik und Elektronik sich verbinden und die Zuhörer dazu einladen, aus den Klängen ihre eigenen Bilder und Geschichten zu formen. Karlzon drückt es so aus:
„Die Stärke der Instrumentalmusik liegt darin, dass jeder seine eigenen inneren Bilder schaffen kann, basierend auf dem, was man hört, und seiner eigenen Vorstellungskraft.“
Jacob Karlzon
QUESTAR, was „Suchender“ bedeutet, bietet Musik für den inneren Film, eine sanfte Einladung, an unbekannte Orte zu reisen und eine gemeinsame Atmosphäre voller Energie und Entdeckungen zu schaffen.
Jacob Karlzon
Der schwedische Jazzpianist und Komponist Jacob Karlzon wird mit den legendären Schweden Esbjörn Svensson und Jan Johansson verglichen. Karlzons Spielstil zeichnet sich durch technische Brillanz, rhythmische und harmonische Komplexität mit einem perfekten Gespür für Form aus. Seit 2012 ist er Steinway-Künstler, eine internationale Anerkennung für herausragende Leistungen. Jacob Karlzon ist immer auf der Suche nach neuen Orten, nicht nur in seiner Musik. Doch trotz seines wachsenden Ruhmes, seiner Konzerte in Europa, China und den Vereinigten Staaten und seiner Reisen in immer weiter entfernte Länder kehrt er immer wieder gerne zu seinen Wurzeln und früheren musikalischen Ideen zurück. Auch stilistisch und musikalisch ist Jacob Karlzon weit gereist: Er ist klassisch ausgebildeter Pianist, stand aber auch schon mit Größen wie Dominic Miller, Norma Winstone und Billy Cobham auf der Bühne. Mit seinen Alben „More“ und „Now“, in denen elektronische Elemente den Takt vorgeben, hat er sich einen Weg in die Welt des Heavy Metal gebahnt. Kein Wunder, dass er sich selbst lieber als „alternativen Musiker“ bezeichnet.
Mads La Cour wurde 1980 geboren und begann im Alter von 8 Jahren mit dem Trompetenspiel. 2007 wurde er zum Jazzmusiker des Jahres auf der Insel Fünen gekürt. 2008 schloss er sein Diplom am Fünener Musikkonservatorium ab – eine Reise, die auch ein sechsmonatiges Studium in Stockholm umfasste. Heute ist er Mitglied der DR Big Band und trat bereits mit Künstlern wie Sinne Eeg, Ray Pitts, Chris Potter, Kaya Brüel und anderen auf. Mads La Cour ist einer der bekanntesten Trompeter Dänemarks und garantiert Klänge von höchster Qualität.
Thobias Gabrielson ist ein schwedischer Bassist, Komponist und Multiinstrumentalist, der seit Mitte der 90er Jahre in der schwedischen Jazz- und Pop/Rock-Szene aktiv ist. Er tourte durch Skandinavien, Europa, Südafrika und Asien mit Künstlern wie Nils Landgren, Magnus Öström, Janne Schaffer, Timbuktu und Ida Sand.
Der preisgekrönte, in Istanbul geborene Schlagzeuger Robert Mehmet Ikiz begann im Alter von zwei Jahren auf den Töpfen seiner Großmutter zu spielen. Ikiz studierte von 1995 bis 1998 am Stockholmer Musikkonservatorium im Fachbereich afroamerikanische Musik. 1998 gewann er dort den jährlichen Wettbewerb und erhielt ein Stipendium für ein Studium an der Los Angeles Music Academy. Die Vielfalt der Orte, Menschen und Musikstile, denen er auf seinen Reisen begegnet ist, hat den vielfältigen Klang seines eigenen Schlagzeugstils geprägt. Ikiz trat mit Künstlern und Orchestern wie Bobby McFerrin, Joe Sample, Ivan Lins, der NDR Big Band, dem BBC Orchestra, den Berliner Philharmonikern und Barbara Hendricks auf und tourte mit ihnen. Während seiner Zeit in Südkalifornien sammelte er wertvolle Erfahrungen in der amerikanischen Jazzszene, indem er in David Ornette Cherrys Impressions Of Energy spielte, zu denen unter anderem Musiker wie Justo Almario und Ralph „Buzzy” Jones gehörten. Im Oktober 2017 erhielt Ikiz den Preis „Musiker des Jahres” vom Schwedischen Rundfunk. Der Preis heißt „Jazzkatten” und wurde zuvor noch nie an einen Schlagzeuger vergeben. Ikiz war bereits 2015 für denselben Preis nominiert worden. İkiz‘ Talent wurde von der Königlich Schwedischen Musikakademie anerkannt, als er 1999 und 2003 Auszeichnungen im Bereich Percussion und 2004 im Bereich Jazz erhielt.
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Hetty Kate Jazz in Four Seasons Album Release Concert «SPRING» This is the first volume of ‚Jazz in Four Seasons‘, my four-album series exploring the seasons across different cities and
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Hetty Kate
Jazz in Four Seasons
Album Release Concert «SPRING»
This is the first volume of ‚Jazz in Four Seasons‘, my four-album series exploring the seasons across different cities and cultures.
We begin with Spring – the most hopeful and capricious of seasons. A time of renewal and awakening, luring you from your porch with summer’s promise, only to surprise you with a sudden downpour.
This collection of twelve songs celebrates spring in all its tempestuous, colourful yet tender beauty. These standards, carefully chosen from the 1930s to the 1970s, paint a portrait of the season in its fullest expression – from the smallest creatures and sudden rainstorms to luscious blooms and frenetic energy; from the gentle warmth of sunlight on a May morning to that exquisite melancholy of walking beneath flowering trees while gloriously, unapologetically alone.
British/Australian jazz vocalist Hetty Kate presents ‚Spring, Vol. 1‚, the opening chapter of her four-album project ‚Jazz in Four Seasons‚. Recorded across continents and seasons, the series will follow the rhythm of the calendar year through sound, place, and repertoire, drawing from classics and curios of the jazz canon. Hetty’s ‚Spring‘ was recorded in Prague, capturing the freshness and energy of the season through compositions by Duke Ellington, Tadd Dameron, Dave Brubeck, Billy Strayhorn and more. Songs that echo the first buds of the season, melodies that capture the dance of April rain.
Hetty Kate brings a warmth, pure tone and natural artistry to the jazz tradition. Compared to „a good champagne: simultaneously effervescent and restrained“ by the Sydney Morning Herald, her distinctive approach balances her respect for the lyric and audience with spontaneity and wit, with a gift for finding the story in every song.
After coming up in Melbourne’s vibrant jazz scene Hetty launched an international career that has now spanned two decades, eleven albums and 28 countries. She has performed at many international festivals including Sapporo International Jazz Festival, Jazz à Vienne, and Melbourne International Jazz Festival, and her work extends beyond the concert hall to film, television and theatre. For five years Hetty toured internationally as featured vocalist with Australian jazz luminary James Morrison AM, including his award-winning symphonic concert „The A to Z of Jazz,“ performing alongside orchestras in Europe, Asia and Australia. The live recording won a coveted Australian Jazz Bell Award for Best Traditional Album.
Praised as „one of the best swing-style singers on the current scene“ by American author and critic Will Friedwald, Hetty’s discography spans the breadth of the American songbook and beyond. Sure to be a masterful and warm evening.
Hetty Kate – Vocals
Béla Meinberg – Piano
Gur Liraz – Guitar
Lukas Traxel – Double Bass
Ugo Alluni – Drums
Hetty Kate S/W Foto©Anthony LesPetits
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Gur Liraz – Guitar
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TONY HURDLE «Guardians Of The Groove» FEAT: Charles Wynn-Mike Watts-Mike Segal-Torsten Piper-Sugar Bear-Benedikt Jahnel-Dicarlo «On this night the Guardians Of The Groove will celebrate the man and
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TONY HURDLE
«Guardians Of The Groove»
FEAT: Charles Wynn-Mike Watts-Mike Segal-Torsten Piper-Sugar Bear-Benedikt Jahnel-Dicarlo
«On this night the Guardians Of The Groove will celebrate the man and the legendary «Clubowner» Giorgio Carioti, who made the Quasimodo the number club in Germany. Giorgio gave me my first gig in Berlin,Germany(1992) and tonight we honor him with this concert.»
Tony Hurdle
Seit 1993 hat Tony Hurdle in Berlin schon einige ganz unterschiedliche musikalische Formationen zusammen gestellt. Das Spektrum reicht dabei von Jazz-Trio bis zum Bebop-Septett mit einer All-Star- Besetzung bekannt unter dem Namen «Front-Line». Zwei Jahre später, 1995, hob der aus Philadelphia, Pa. / USA stammende Ausnahme-Posaunist die «Guardians Of The Groove» aus der Taufe, mit welchen er diejenigen musikalischen Extrakte und Grundlagen nachhaltig betonen will, die uns alle dazu bringen, unsere Körper und Köpfe zu bewegen. Diesen Extrakten wurden in Europa und in den Staaten schon viele Namen gegeben, die G.O.T.G. (Guardians Of The Groove) jedenfalls bezeichnen sie genau als das, was sie sind:
F-U-N-K P-U-R-E F-U-N-K!
Die «Bewacher des des Groove» haben sich zusammengetan, um das wichtigste Element der «Funk» Music zu bewahrenund zu pflegen: den G-R-O-O-V-E. Sie zollen dabei Tribut an die großen Meister wie Brass Construction, Bill Withers, Funkadelics, Earth, Wind and Fire, den Crusaders, James Brown und natürlich Tony Hurdle.
Und sie verschmelzen den Stil der 70er Jahre mit dem blumigen Twist der 90er..Aus diesem Fundus kreierten die Guardians zusammen mit Tony Hurdle’s Original-Kompositionen ihren ganz speziellen Sound, welcher sich mittlerweile von Berlin aus rasch über ganz Europa ausbreitet.
Bewacht wird der Groove von Mike Watts, Bass, Joe Di-Carlo, Schlagzeug, Florian von Frieling und Alexey Wagner Gitarre. Geführt wird der Groove durch den All-Star-Vocalisten Charles Wynn aus New Jersey, der das auf so unnachahmliche Weise mit soviel Power tut, dass das Publikum nie genug davon kriegen kann.
Die Bläser-Fraktion, Tony Hurdle an der Posaune flankiert durch den flink-fingeringen Tenorsaxophonisten Torsten Piper und Altosaxophonisten Mike Segal die beiden sind unterhaltsam, unerschöpflicher Fundus aus messerscharfen Riffs, excellenten Soli und einem Sound, der bis an die Grenzen dessen geht, was das menschliche Ohr aufzunehmen in der Lage ist.
Tony Hurdle – Trombone
Mike Watts – Bass
Mike Segal – Alto Saxophone
Torsten Piper – Tenor Saxophone
Alexey Wagner – Guitar
Benedikt Jahnel – Piano/Keys
Dicarlo – Drums
Tony Hurdle Foto©Richard Ryals
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Tony Hurdle – Trombone
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Tobias Meinhart Quartet «Light & Shadow» Feat: Eden Ladin-Joe Martin-Mark Whitfield Jr Deutsch Der in Brooklyn lebende Saxophonist Tobias Meinhart präsentiert mit Light & Shadow ein hochkarätig besetztes New Yorker
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Tobias Meinhart Quartet
«Light & Shadow»
Feat: Eden Ladin-Joe Martin-Mark Whitfield Jr
Deutsch
Der in Brooklyn lebende Saxophonist Tobias Meinhart präsentiert mit Light & Shadow ein hochkarätig besetztes New Yorker Quartett. Moderne Jazz-Kompositionen zwischen lyrischer Tiefe, Groove und freier Improvisation – intensiv, mitreißend und zeitgenössisch.
English
Brooklyn-based saxophonist Tobias Meinhart presents Light & Shadow, a New York quartet of outstanding musicians. Contemporary jazz shaped by strong melodies, groove-driven energy, and open improvisation — vivid, engaging, and unmistakably of the moment.
Saxophonist und Komponist Tobias Meinhart zählt zu den markantesten Stimmen des zeitgenössischen Jazz. Ausgezeichnet als Rising Star im DownBeat Critics Poll, verbindet er in seiner Musik die Energie der New Yorker Szene mit europäischer Klangästhetik, erzählerischer Tiefe und einem ausgeprägten Groove- Gefühl.
Mit seinem aktuellen Projekt Light & Shadow präsentiert Meinhart ein Quartett von außergewöhnlicher musikalischer Präsenz. Pianist Eden Ladin, Bassist Joe Martin und Schlagzeuger Mark Whitfield Jr. gehören zur ersten Liga des internationalen Jazz und haben mit Künstlern wie Brad Mehldau, Kurt Rosenwinkel, Kenny Garrett oder Terence Blanchard gearbeitet. Gemeinsam entsteht eine offene, dynamische Musik, die Raum für lyrische Momente ebenso lässt wie für kraftvolle Improvisation.
Light & Shadow steht für Kontraste: klare Melodien treffen auf komplexe rhythmische Strukturen, intime Klangfarben auf urbane Energie. Das Quartett entfaltet live eine dichte, atmende Klangsprache – modern, beweglich und direkt im Kontakt mit dem Publikum. Ein Konzert, das Spannung aufbaut, Geschichten erzählt und den Jazz als lebendige Gegenwartsmusik erfahrbar macht.
„Das größte deutsche Talent am Tenorsaxophon“
JazzThing
„Unser Mann im Big Apple!“
Süddeutsche Zeitung
„Commanding!“ ★★★★
DownBeat
„An elegant Rollins-esque dialogue, packed with high-wire playing!“
Jazzwise
Tobias Meinhart – Tenorsaxophon
Eden Ladin – Piano
Joe Martin – Bass
Mark Whitfield Jr. – Schlagzeug
Photos©Mariana Meraz
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Tobias Meinhart – Tenorsaxophon
Eden Ladin – Piano
Joe Martin – Bass
Mark Whitfield Jr. – Schlagzeug
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS HEUTE MIT: EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um
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A-TRANE PRÄSENTIERT:
ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
HEUTE MIT:
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
ANDREAS SCHMIDT piano
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RICCARDO DEL FRA «HARD-BOP FEVER» QUINTET Feat: Peter Weniger -Bill Petry-Tino Derado-Tobias Backhaus Riccardo Del Fra presents a quintet that brings together brilliant, virtuosi soloists to celebrate the wonderful—and too rarely
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RICCARDO DEL FRA
«HARD-BOP FEVER» QUINTET
Feat: Peter Weniger -Bill Petry-Tino Derado-Tobias Backhaus
Riccardo Del Fra presents a quintet that brings together brilliant, virtuosi soloists to celebrate the wonderful—and too rarely played— repertoire of the “hard bop” composers of the 1960s and 70s – Horace Silver, Benny Golson, Wayne Shorter, Art Blakey’s Jazz Messengers, Clifford Brown, the Adderley brothers, Joe Henderson …
Joyful, energetic, inspired and inspiring music!
Riccardo Del Fra
Wenn Riccardo Del Fra sich mit dem Erbe der JazzLegende Chet Baker beschäftigt, weiß er genau, was er tut. Der Bassist war in jungen Jahren ein gefragter Sideman, unter anderem von Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie und Art Farmer, bis er 1979 regelmäßig mit Baker zu arbeiten begann. Seither gehört die Geschichte des Trompeters Chet Baker zu den großen Lebensprojekten des seit den achtziger Jahren in Paris lebenden Italieners.
Riccardo Del Fra
When Riccardo Del Fra delves into the legacy of jazz legend Chet Baker, he knows exactly what he’s doing. In his younger years, the bassist was a sought-after sideman, playing with artists such as Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie, and Art Farmer, before beginning to work regularly with Baker in 1979. Since then, the story of trumpeter Chet Baker has been one of the major life projects of the Italian, who has lived in Paris since the 1980s.
Bill Petry – Trumpet
Peter Weniger – Saxophone
Tino Derado – Piano
Tobias Backhaus – Drums,
Riccardo Del Fra – Double Bass
Riccardo Del Fra Foto©Ducasse
Riccardo Del Fra Mit Noten Foto©Remi Photon
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Bill Petry – Trumpet
Peter Weniger – Saxophone
Tino Derado – Piano
Tobias Backhaus – Drums,
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RICCARDO DEL FRA «HARD-BOP FEVER» QUINTET Feat: Peter Weniger -Bill Petry-Tino Derado-Tobias Backhaus Riccardo Del Fra presents a quintet that brings together brilliant, virtuosi soloists to celebrate the wonderful—and too rarely
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RICCARDO DEL FRA
«HARD-BOP FEVER» QUINTET
Feat: Peter Weniger -Bill Petry-Tino Derado-Tobias Backhaus
Riccardo Del Fra presents a quintet that brings together brilliant, virtuosi soloists to celebrate the wonderful—and too rarely played— repertoire of the “hard bop” composers of the 1960s and 70s – Horace Silver, Benny Golson, Wayne Shorter, Art Blakey’s Jazz Messengers, Clifford Brown, the Adderley brothers, Joe Henderson …
Joyful, energetic, inspired and inspiring music!
Riccardo Del Fra
Wenn Riccardo Del Fra sich mit dem Erbe der JazzLegende Chet Baker beschäftigt, weiß er genau, was er tut. Der Bassist war in jungen Jahren ein gefragter Sideman, unter anderem von Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie und Art Farmer, bis er 1979 regelmäßig mit Baker zu arbeiten begann. Seither gehört die Geschichte des Trompeters Chet Baker zu den großen Lebensprojekten des seit den achtziger Jahren in Paris lebenden Italieners.
Riccardo Del Fra
When Riccardo Del Fra delves into the legacy of jazz legend Chet Baker, he knows exactly what he’s doing. In his younger years, the bassist was a sought-after sideman, playing with artists such as Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie, and Art Farmer, before beginning to work regularly with Baker in 1979. Since then, the story of trumpeter Chet Baker has been one of the major life projects of the Italian, who has lived in Paris since the 1980s.
Bill Petry – Trumpet
Peter Weniger – Saxophone
Tino Derado – Piano
Tobias Backhaus – Drums,
Riccardo Del Fra – Double Bass
Riccardo Del Fra Mit Noten Foto©Remi Photon
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Peter Weniger – Saxophone
Tino Derado – Piano
Tobias Backhaus – Drums,
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JOE WEBB «Hamstrings & Hurricanes» FEAT: Will Sach-Sam Jesson Pianist Joe Webb has emerged as a leading force on the global jazz scene today, captivating audiences with his exceptional
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JOE WEBB
«Hamstrings & Hurricanes»
FEAT: Will Sach-Sam Jesson
Pianist Joe Webb has emerged as a leading force on the global jazz scene today, captivating audiences with his exceptional talent and rockstar-like persona.
Pianist Joe Webb has fast become one of the most talked-about figures in British jazz – a musician whose combination of raw talent, charisma, and individuality has made a lasting impression on audiences worldwide.
His new album, Hamstrings & Hurricanes, released on Edition Records and shortlisted for the 2025 Mercury Prize, captures his boldest statement yet – where the pulse of 90s Brit-pop meets the lyricism of jazz piano, rooted in his Welsh heritage and love of melody. The result is vivid, rhythmic, and unmistakably his own.
Since moving from Wales to London in 2013, Joe has performed at Ronnie Scott’s, Blue Note China, Jazzwoche Burghausen, and the London Jazz Festival, while collaborations with Wynton Marsalis, Jools Holland, and Kansas Smitty’s have shown his range and versatility.
Fuelled by passion, personality, and instinct, Joe Webb continues to redefine, what it means, to be a modern jazz artist.
Joe Webb – Piano
Will Sach – Double Bass
Sam Jesson – Drums
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Joe Webb – Piano
Will Sach – Double Bass
Sam Jesson – Drums
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Joel Lyssarides Trio «Late on Earth» Feat: Alon Near-Rasmus Blixt ACT Music Album Release Concert Deutsch Für den schwedischen Piano-Shooting-Star Joel Lyssarides stehen Substanz und Tiefe
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Joel Lyssarides Trio
«Late on Earth»
Feat: Alon Near-Rasmus Blixt
ACT Music Album Release Concert
Deutsch
Für den schwedischen Piano-Shooting-Star Joel Lyssarides stehen Substanz und Tiefe stets über flashy Konzepten, Emotion und Ausdruck über schierer Virtuosität. Auch die Qualitäten seines langjährigen Trios liegen im Detail: in feinen Nuancen, filigransten Facetten von Harmonie, Groove und Dynamik, die zusammen ein musikalisches Bild entstehen lassen, das weit mehr ist als die Summe seiner Teile. Das hört und spürt man – und es dürfte genau diese Verbindung aus Können, Raffinesse und emotionaler Kraft sein, die dazu führt, dass Joel Lyssarides’ Stücke allein auf Spotify inzwischen über 100 Millionen Mal gestreamt wurden.
Und es ist vermutlich auch der Grund dafür, dass Lyssarides auf unterschiedlichsten Ebenen gefragt ist: als Begleiter von Nils Landgren, Viktoria Tolstoy u. v. m., als Pianist des e.s.t.-Tribute-Projekts rund um Dan Berglund und Magnus Öström, aber auch als Komponist für Musik zu Videospielen und Pop-Produktionen.
Sein neues Album „Late on Earth“, das am 24.4. bei ACT erscheint, ist für Joel Lyssarides das Ergebnis eines über vier Jahre andauernden Prozesses – einer intensiven Auseinandersetzung mit sich selbst und eines kontinuierlichen Austauschs mit Produzent Andreas Brandis. „Die wichtigste Veränderung im Vergleich zu früheren Aufnahmen war, dass ich einerseits bewusst über meine Grenzen hinausgegangen bin und mir gleichzeitig erlaubt habe, loszulassen und nicht mehr nach Perfektion zu streben. Denn am Ende ist es oft gerade das Imperfekte, das unsere Kunst menschlich und interessant macht.“
Imperfektion mag für Lyssarides, der oft acht Stunden am Tag am Klavier verbringt, ein relativer Zustand sein. Doch die Auseinandersetzung mit den eigenen Grenzen ist Ausdruck seiner immerwährenden Suche nach tiefempfundener, aufrichtiger Emotion – und seines ebenso tiefen Wunsches, diese mit dem Publikum zu teilen.
English
For Swedish piano rising star Joel Lyssarides, substance and depth always come before flashy concepts, emotion and expression before sheer virtuosity. The strengths of his long-standing trio are equally found in the details: in subtle nuances, the finest facets of harmony, groove and dynamics that together create a musical picture far greater than the sum of its parts. You can hear it and feel it – and it is likely this unique combination of skill, sophistication and emotional power that has led to Lyssarides’ music being streamed more than 100 million times on Spotify alone.
It is probably also the reason why Joel Lyssarides is in demand on so many different levels: as an accompanist for Nils Landgren, Viktoria Tolstoy and many others; as the pianist of the e.s.t. tribute project with Dan Berglund and Magnus Öström; and as a composer for video game music and pop productions.
His new album “Late on Earth”, to be released on ACT on April 24, is the result of a process spanning more than four years – an intense journey of self-reflection and an ongoing exchange with producer Andreas Brandis. “The most important change compared to earlier recordings was that I consciously pushed beyond my limits, while at the same time allowing myself to let go and stop striving for perfection. In the end, it is often precisely the imperfect that makes our art human and interesting.”
Joel Lyssarides – Piano
Alon Near – Double Bass
Rasmus Blixt – Drums
Joel Lyssarides Trio In Action Foto©Leo Ahmed
Joel Lyssarides Trio in red Foto©Nicolas Stankovic
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Alon Near – Double Bass
Rasmus Blixt – Drums
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THE JEREMY LEDBETTER TRIO «GRAVITY» FEAT: Rich Brown-Larnell Lewis Album Presentation „Forged in a cauldron of raging, inspiring contemporary jazz, the Jeremy Ledbetter Trio pushes the
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THE JEREMY LEDBETTER TRIO
«GRAVITY»
FEAT: Rich Brown-Larnell Lewis
Album Presentation
„Forged in a cauldron of raging, inspiring contemporary jazz, the Jeremy Ledbetter Trio pushes the boundaries of jazz and world music, providing an undiluted display of rampaging energy and captivating musicianship. Audiences must exercise caution. People who see this band are rarely the same again. If the Jeremy Ledbetter Trio were an inanimate object it would be a runaway train.“
Canadian pianist Jeremy Ledbetter is a fiery, passionate performer whose music knows no boundaries. His compositions are wildly creative and deeply emotional. At Ledbetter’s hands, the piano roars, whispers, cries, and laughs, telling stories as only he can, evoking cinematic images in the listeners’ minds.
The Jeremy Ledbetter Trio’s second album, “Gravity”, has taken the jazz world by storm, racking up a Juno Award (Canada’s top music prize) for Jazz Album of the Year, the title “Best in Canadian Jazz” from Jazz FM91, and over a million streams worldwide. “Gravity” sees Jeremy joined by Grammy-winning drummer Larnell Lewis (Snarky Puppy) and renowned electric bassist Rich Brown (Steve Coleman’s Five Elements), who offer the perfect counterpart to Ledbetter’s iconoclastic energy at the piano.
Jeremy Ledbetter
An engaging and fiery performer whose music knows no boundaries, Canadian pianist Jeremy Ledbetter has made a career from travelling the far-flung corners of the globe in search of the most fascinating and unique musical ideas out there, then seamlessly integrating them into his work as a pianist, composer, and producer.
During his time living in Trinidad and Tobago, Jeremy became musical director to calypso icon David Rudder, a position he has now held for over two decades. His work in Venezuela brought him to the inner cirle of luminaries such as Aquiles Baez, Jorge Glem, and Eliana Cuevas. Jeremy has also recorded and performed with some of the brightest stars from Brasil (Hermeto Pascoal, Munir Hossn), Cuba, (OKAN, Daymé Arocena), and the USA (Andy Narell, Dennis Rollins). Jeremy approaches the music of other cultures with joy and curiosity, and the deepest respect.
At the piano, Ledbetter’s playing features unrelenting energy and a playful spirit. Originally trained as a classical pianist, Jeremy studied jazz performance in Toronto before embarking on over a decade of world travel where he studied, played, and produced music all over Latin America and the Caribbean. Upon his return to Canada, Jeremy formed the Caribbean jazz ensemble CaneFire to play the original music inspired by his travels. CaneFire has quickly risen to international recognition on the strength of two albums – “Kaiso Blue” (2005) and “Pandemonium” (2010), and their performances at jazz festivals the world over.
Today, Ledbetter features prominently in many of the brightest lights of Canada’s jazz and world music scenes. Jeremy is currently a regular performing member with: the Jeremy Ledbetter Trio, CaneFire, the Larnell Lewis Band, OKAN, Eliana Cuevas, David Rudder, the Joy Lapps Project, Rich Brown’s Abeng Quartet, the Elmer Ferrer Group, Schmaltz & Pepper, KC Roberts and the Live Revolution, Mark Kelso’s Jazz Exiles, Alexis Baró, and more.
“Best in Canadian jazz 2024”
JazzFM91 Toronto
“One of the best piano trios of the early 21st century”
Musica Terra, Japan
“Jeremy Ledbetter is turning the world upside down with his new album Gravity”
Music Frames, Netherlands
“Has this Festival ever booked a better band? Probably not. We’ll remember it for the rest of our lives.”
iHarstad, Norway
“The country’s premiere contemporary music trio”
A Guy We Know
Jeremy Ledbetter – Piano
Rich Brown – Bass
Larnell Lewis – Drums
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Jeremy Ledbetter – Piano
Rich Brown – Bass
Larnell Lewis – Drums
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Arne Jansen & Stephan Braun «Short Stories» Herzog Records Release Concert Für ihre neue Einspielung gaben die beiden vielbeschäftigten Musiker Arne Jansen und Stephan Braun, die man
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Arne Jansen & Stephan Braun
«Short Stories»
Herzog Records Release Concert
Für ihre neue Einspielung gaben die beiden vielbeschäftigten Musiker Arne Jansen und Stephan Braun, die man in der Vergangenheit unter anderem an der Seite von Melody Gardot, Nils Landgren, Till Brönner, Nils Wülker, Anders Jormin oder dem Orchestra Baobab hören konnte, die Leitlinie aus: „Wir erzählen unsere eigenen Geschichten.“ „Mit dem Dire-Straits-Programm sind wir oft aufgetreten“, erzählt Gitarrist Jansen, „dabei haben wir auch eigenes Material eingestreut, da wir ja normalerweise keine Cover machen, sondern selbst komponieren. Nach den Konzerten kamen immer wieder Leute zu uns, denen diese Stücke besonders gefallen haben.“
Davon ausgehend besteht „Short Stories“ nun bis auf zwei Ausnahmen aus Stücken, die eigens für die Aufnahme geschrieben wurden. Und auch die Rollenverteilung zwischen Jansen und Braun ist eine deutlich andere als auf dem Erstling. War der Gitarrist bei der Dire-Straits-Hommage so etwas wie ein Sänger auf sechs Saiten und für die Melodien zuständig, so ist es nun auch Braun, der auf Cello und Bass die Themen vorgibt oder virtuos soliert
„Bei uns hast du diese völlige Gleichberechtigung in jeder Hinsicht“, schwärmt Braun von der Zweierkonstellation, „aufgrund der Natur unserer Instrumente können wir solistisch agieren, aber genauso gut begleiten. Dieses Geben und Nehmen ist großartig.“
Abgesehen davon, fügt der Gitarrist hinzu, handele es sich bei seinem musikalischen Gegenüber um einen Pionier des Cello-Spiels: „Er kommt aus der Klassik, denkt aber wie ein Jazz-Saxofonist und hat noch dieses Groove-Ding und den Umgang mit Effekten drauf. Da fallen mir sonst nicht so viele Cellisten ein!“ Mit dieser Meinung steht Jansen nicht allein da: US-Gitarren-Star Pat Metheny schrieb Braun schon mal eine begeisterte Fan-Mail, nachdem er dessen Cello-Videos auf YouTube gesehen hatte.
„Short Stories“ zeigt, wie meisterhaft und innovativ Jansen und Braun ihr Instrumentarium beherrschen – dank spezieller Spieltechniken und dem Einsatz von Delays, Loops und Volume-Pedals klingt das oft nach viel mehr als nur nach einem Duo.
Von dieser Lust an Kommunikation und dem Vertrauen darauf, auch die innersten Gefühle freimütig preisgeben zu können, sind die zehn Stücke auf „Short Stories“ entscheidend geprägt. Jede Komposition hat einen eigenen erzählerischen Ansatz. Mal haben die zwischen Jazz, Folk, Pop und Americana angesiedelten Storys einen dezidiert literarischen Background.
Bob Dylan erinnert an ein berühmtes Zitat von Leonard Bernstein:
„Dies wird unsere Antwort auf Gewalt sein: Musik noch intensiver, noch schöner, noch hingebungsvoller zu machen als je zuvor.“
Mit „Short Stories“ tragen Arne Jansen und Stephan Braun ihren Teil dazu bei, dass aus diesen Worten klingende Wirklichkeit wird.
Arne Jansen – Electric & Acoustic Guitar
Stephan Braun – 5-string Cello
Fotos©Joerg Steinmetz
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Arne Jansen – Electric & Acoustic Guitar
Stephan Braun – 5-string Cello
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Donny McCaslin «Lullaby For The Lost 2026» FEAT: Jason Lindner-Rob Mullarkey-Zach Danziger Donny McCaslin, international gefeierter Saxophonist und einer der bedeutendsten Stimmen des zeitgenössischen Jazz, kehrt mit
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Donny McCaslin
«Lullaby For The Lost 2026»
FEAT: Jason Lindner-Rob Mullarkey-Zach Danziger
Donny McCaslin, international gefeierter Saxophonist und einer der bedeutendsten Stimmen des zeitgenössischen Jazz, kehrt mit seiner neuen Tour „Lullaby For The Lost 2026“ auf die Bühne zurück. Bekannt geworden durch seine Zusammenarbeit mit David Bowie auf dessen letztem Album „Blackstar“, kombiniert McCaslin virtuos Jazz, Rock und elektronische Elemente zu einem eigenständigen, ausdrucksstarken Klangbild.
Schon in jungen Jahren als herausragender Saxophonist in der New Yorker Jazzszene etabliert, gewinnt Donny McCaslin dank Kollaborationen mit Größen wie Michael Brecker und Maria Schneider zunehmend an Anerkennung. Internationale Aufmerksamkeit erlangt McCaslin durch seine zentrale Rolle auf Bowies letztem Album „Blackstar“ (2016). Sein Stil vereint zeitgenössischen Jazz mit der Energie von Rock, elektronischen Klangfarben und komplexen rhythmischen Strukturen zu einem markanten, eigenständigen Sound.
Mit der Tour „Lullaby For The Lost 2026“ bringt Donny McCaslin diese Haltung in verdichteter Form auf die Bühne und präsentiert sich als Künstler, der technische Virtuosität, emotionale Tiefe und kompositorische Offenheit selbstverständlich miteinander verbindet. Gemeinsam mit seiner Band präsentiert McCaslin sowohl neue Kompositionen als auch ausgewählte Stücke aus seinem umfangreichen Repertoire und verspricht intensive, unvergessliche Konzerterlebnisse.
«It’s a marvellous blend of smooth pop, rock drama and jubilant jazz.»
The Times
«McCaslin’s sound has outgrown the language of fusion – now fully possessing its own organic logic, emotional force and sense of wild beauty.»
TheWire
«An epic studio-driven soundscape that’s designed to blow the mind.»
BBC Music
«US saxist and former Bowie Blackstar sideman Donny McCaslin operates at the outer reaches of rock-saturated jazz intensity»
The Guardian
«Drop the needle on “Blond Crush” and turn up the volume. It’s brilliant.»
Downbeat
Donny McCaslin – SAXOPHONE
Jason Lindner – PIANO/ANALOG SYNTHESIZER AND WURLITZER
Rob Mullarkey – BASS
Zach Danziger – DRUMS
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Rob Mullarkey – BASS
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FEAT: Jason Lindner-Rob Mullarkey-Zach Danziger
Donny McCaslin, international gefeierter Saxophonist und einer der bedeutendsten Stimmen des zeitgenössischen Jazz, kehrt mit seiner neuen Tour „Lullaby For The Lost 2026“ auf die Bühne zurück. Bekannt geworden durch seine Zusammenarbeit mit David Bowie auf dessen letztem Album „Blackstar“, kombiniert McCaslin virtuos Jazz, Rock und elektronische Elemente zu einem eigenständigen, ausdrucksstarken Klangbild.
Schon in jungen Jahren als herausragender Saxophonist in der New Yorker Jazzszene etabliert, gewinnt Donny McCaslin dank Kollaborationen mit Größen wie Michael Brecker und Maria Schneider zunehmend an Anerkennung. Internationale Aufmerksamkeit erlangt McCaslin durch seine zentrale Rolle auf Bowies letztem Album „Blackstar“ (2016). Sein Stil vereint zeitgenössischen Jazz mit der Energie von Rock, elektronischen Klangfarben und komplexen rhythmischen Strukturen zu einem markanten, eigenständigen Sound.
Mit der Tour „Lullaby For The Lost 2026“ bringt Donny McCaslin diese Haltung in verdichteter Form auf die Bühne und präsentiert sich als Künstler, der technische Virtuosität, emotionale Tiefe und kompositorische Offenheit selbstverständlich miteinander verbindet. Gemeinsam mit seiner Band präsentiert McCaslin sowohl neue Kompositionen als auch ausgewählte Stücke aus seinem umfangreichen Repertoire und verspricht intensive, unvergessliche Konzerterlebnisse.
«It’s a marvellous blend of smooth pop, rock drama and jubilant jazz.»
The Times
«McCaslin’s sound has outgrown the language of fusion – now fully possessing its own organic logic, emotional force and sense of wild beauty.»
TheWire
«An epic studio-driven soundscape that’s designed to blow the mind.»
BBC Music
«US saxist and former Bowie Blackstar sideman Donny McCaslin operates at the outer reaches of rock-saturated jazz intensity»
The Guardian
«Drop the needle on “Blond Crush” and turn up the volume. It’s brilliant.»
Downbeat
Donny McCaslin – SAXOPHONE
Jason Lindner – PIANO/ANALOG SYNTHESIZER AND WURLITZER
Rob Mullarkey – BASS
Zach Danziger – DRUMS
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Donny McCaslin – SAXOPHONE
Jason Lindner – PIANO/ANALOG SYNTHESIZER AND WURLITZER
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HILA KULIK TRIO FEAT: Marc Michel-Elam Friedlander We are delighteted to present a concert with Award Winning Pianist & Composer Hila Kulik. We are happy that she is
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HILA KULIK TRIO
FEAT: Marc Michel-Elam Friedlander
We are delighteted to present a concert with Award Winning Pianist & Composer Hila Kulik. We are happy that she is back after her last very succesful sold out concert at the A-Trane with standing ovations and couple of encores.
Virtuoso pianist, Hila Kulik is one of the most active performers on the worldwide Jazz scene.
Kulik, an impressive performer, is a graduate of the prestigious Jerusalem Academy, and the Aaron Copland School of Music at Queens College New York.
She has shared the stage, recorded, and toured the world with some of today’s greatest jazz musicians including: Cyrille Aimee, Antonio Hart, Wayne Tucker, Donald Harrison, and more.
The trio will present the music of her recent album “More than a change“, a presentation of her own original music, special arrangements, influenced by Swing, Jazz, and Soul along with hints of middle eastern rhythms and classical harmony.
Kulik will share the stage with two of the greatest musicians in the world Jazz Scene.
Don’t miss a night full of groove and energy through an interesting, adventurous musical journey!
Hila Kulik – Piano
Marc Michel – Drums
Elam Friedlander – Double Bass
Hila Kulik Foto©Yossi Zwecker
Elam Friedlander Foto©Liri Agami
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Hila Kulik – Piano
Marc Michel – Drums
Elam Friedlander – Double Bass
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Iiro Rantala New Trio «TRINITY» ACT MUSIC ALBUM RELEASE FEAT: Kaisa Mäensivu-Morten Lund In the world of jazz, mastering the standards is an essential part of every jazz student’s education.
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Iiro Rantala New Trio
«TRINITY»
ACT MUSIC ALBUM RELEASE
FEAT: Kaisa Mäensivu-Morten Lund
In the world of jazz, mastering the standards is an essential part of every jazz student’s education. I experienced this myself back in the 90s while studying at the prestigious Manhattan School of Music. Now, thirty years later, I have decided to bring this timeless repertoire finally to the stage. My inner voice whispered to me, „Iiro, now is the time!“ On bass, I selected Kaisa Mäensivu, a passionate artist living in New York City who immerses herself in this style of jazz and performs regularly in the scene. For the drums, I chose Morten Lund, a talented musician who truly understands the American jazz tradition. I invite you to join us in exploring the world of standards and to enjoy these timeless melodies tonight at the A-Trane.
«Most jazz records are made in studios with perfect acoustics. Ours was made in a French château surrounded by vineyards. And the acoustics were perfect too.
The atmosphere was as rich and complex as the region’s finest vintages—a setting, unlike any other for a jazz session.
Morten Lund, Kaisa Mäensivu, and I—each an artist in our own right—had never shared a stage before that day. And yet, in that moment, something clicked. Under the high ceilings of the château, surrounded by barrels of aging wine, we reached into the Great American Songbook and pulled out something fresh, alive, and new.
We love these tunes. They’re like perfect little stories packed into 32 bars. The jazz standards are our roots. These Broadway and Hollywood melodies are the songs that shaped this music—and we wanted to give them our voice, here and now.
Also included on the album are two French songs—a lovely idea from our producer, Andreas Brandis. Hymne à l’Amour is a song I’ve known since childhood. The lullaby Fais dodo, Colas mon p’tit frère is familiar only to French people, but I think we captured a beautiful version of it.
My deepest thanks to Thomas Duroux, who so graciously opened his fabulous Château Palmer to us. Merci beaucoup, Andreas, for the idea of recording standards—you brought a fantastic vibe to the château-studio.
I also want to thank Floriane Schroetter for organizing everything so smoothly. And it was wonderful to have Mr. Jazz in France, Alex Dutilh, on board. You shared so many incredible stories during meals and car rides—I now have enough jazz stories to last a lifetime.
Tusen Tack för Kaisa and Morten. Your groove was even better than I could have imagined.»
Iiro Rantala quote about the idea and realization of his new Trinity project
«Eine bezaubernde, großartige Darbietung und eines der besten Alben dieses Jahres.»
The Ear / Great Britain
Iiro Rantala – Piano
Kaisa Mäensivu – Bass
Morten Lund – Drums
Fotos©Yann Rabanier
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Iiro Rantala – Piano
Kaisa Mäensivu – Bass
Morten Lund – Drums
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Es gibt aber noch Sitzplätze für das gleiche Konzert am 01.05.2026
But there are still seats available for the same concert on the 1st of May 2026
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Dima Bondarev Quartet «Under The Impression» FEAT: Ludwig Hornung-Josh Ginsburg-Marc Michel Der Trompeter und Komponist Dima Bondarev, Gewinner des Deutschen Jazz Preises (Kategorie Blechblasinstrumente), kommt mit seinem kraftvollen, modernen
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Dima Bondarev Quartet
«Under The Impression»
FEAT: Ludwig Hornung-Josh Ginsburg-Marc Michel
Der Trompeter und Komponist Dima Bondarev, Gewinner des Deutschen Jazz Preises (Kategorie Blechblasinstrumente), kommt mit seinem kraftvollen, modernen Sound ins A-Trane. In der Ukraine geboren und in Berlin ansässig, zählt Bondarev zu den markantesten Stimmen des zeitgenössischen europäischen Jazz – geprägt von klassischen Wurzeln, tiefem Jazz Verständnis und einer mutigen, modernen Ästhetik.
Als Absolvent des Jazz Instituts Berlin und ehemaliger Teilnehmer des Focus Year-Programms in Basel arbeitete Bondarev mit Größen wie Gilad Hekselman, Kurt Rosenwinkel, Lionel Loueke, Wolfgang Muthspiel, Aaron Parks, Kit Downes, Joey Baron, Jorge Rossy, Jim Black und der NDR Big Band zusammen. Er präsentiert Musik aus seinen vielbeachteten Alben, darunter Get a Second Wind, die lyrische Intensität, rhythmische Energie und furchtlose Improvisation vereint.
Trumpeter and composer Dima Bondarev, winner of the German Jazz Prize (Brass), brings his powerful, modern sound to A-Trane. Born in Ukraine and based in Berlin, Bondarev has emerged as one of Europe’s most distinctive jazz voices, shaped by classical roots, deep jazz tradition, and a bold contemporary edge.
A graduate of the Jazz Institut Berlin and a former Focusyear artist in Basel, Bondarev has collaborated with leading figures such as Gilad Hekselman, Kurt Rosenwinkel, Lionel Loueke, Wolfgang Muthspiel, Aaron Parks, Kit Downes, Joey Baron, Jorge Rossy, Jim Black, and the NDR Big Band. He presents music from his acclaimed albums, including Get a Second Wind, combining lyrical intensity, rhythmic drive, and fearless improvisation.
Dima Bondarev – Trumpet, Flugelhorn
Ludwig Hornung – Piano
Josh Ginsburg – Bass
Marc Michel – Drums
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Dima Bondarev – Trumpet, Flugelhorn
Ludwig Hornung – Piano
Josh Ginsburg – Bass
Marc Michel – Drums
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ORT & ZEIT / PLACE & TIME Kammermusiksaal Philharmonie DONNERSTAG, 12.03.2026 | 20:00 Uhr Herbert-von-Karajan-Straße 1 10785 Berlin Google Map RESERVIERUNG ÜBER DAS A-TRANE
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DONNERSTAG, 12.03.2026 | 20:00 Uhr
Herbert-von-Karajan-Straße 1
10785 Berlin
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In Sachen Vielfalt, Experimentierfreude und Eigenständigkeit ist die französische Jazz-Szene eine der aufregendsten der Welt. „What The French“, kuratiert von Andreas Brandis, präsentiert mit dem Sopransaxofonisten Emile Parisien einen der größten Stars des aktuellen französischen Jazz und mit dem Posaunisten Robinson Khoury einen der meistbeachteten Rising Stars des Landes.
Emile Parisien gilt als aktuell stilprägendster Vertreter seines Instruments. Seine Markenzeichen: Ein hypnotischer Fluss von Melodien und Ideen, atemberaubend virtuos und zugleich beseeltes Spiel und „eine Verbindung von europäischer Eleganz und amerikanischem Überschwang“ (The Times). Dieses verbindende Element stellt Emile Parisien auch in den Mittelpunkt seines Projektes „Floating“, gemeinsam mit dem französisch-israelischen Pianisten und Meister-Improvisator Yaron Herman, der australisch-amerikanischen Bassistin Linda May Han Oh und dem indo-französischen Tablaspieler Prabhu Edouard. Ein Kontinente und Genres überspannendes Zusammentreffen von vier unverwechselbaren Charakteren.
Robinson Khoury ist eine der größten Entdeckungen der scheinbar grenzenlosen französischen Jazz-Szene. Einflüsse aus Jazz, Rock und Electronica fließen ebenso in seine Musik ein, wie Melodien und Stimmungen seiner libanesischen Wurzeln. Das trifft ganz besonders auf sein vielbeachtetes Trio MŸA zusammen mit der Percussionistin Anissa Nehari und dem Keyboarder Léo Jassef zu.
Emile Parisien FLOATING
Emile Parisien sax
Yaron Herman piano
Linda May Han Oh double bass
Prabhu Edouard percussion
Robinson Khoury MŸA
Robinson Khoury trombone, electronics
Léo Jassef keys
Anissa Nehari percussion
Fotos©Elisa Ramirez, Samuel Kirszenbaum
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Emile Parisien FLOATING
Emile Parisien sax
Yaron Herman piano
Linda May Han Oh double bass
Prabhu Edouard percussion
Robinson Khoury MŸA
Robinson Khoury trombone, electronics
Léo Jassef keys
Anissa Nehari percussion
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Herbert-von-Karajan-Straße 1
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Lawrence Fields «Supersonic Trio» FEAT: Kyle Miles-Elé Howell Deutsch Lawrence Fields ist bekannt für faszinierende Musikalität, seine blitzschnelle Klaviertechnik und seinen ausdrucksstarken, persönlichen Sound. Die Musik von Fields, der
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Lawrence Fields
«Supersonic Trio»
FEAT: Kyle Miles-Elé Howell
Deutsch
Lawrence Fields ist bekannt für faszinierende Musikalität, seine blitzschnelle Klaviertechnik und seinen ausdrucksstarken, persönlichen Sound. Die Musik von Fields, der vom Downbeat Magazine als aufstrebender Star bezeichnet wird, wird international präsentiert. Lawrence‘ Bands sind in renommierten Jazzclubs weltweit zu hören – darunter das Moods in Zürich, das Porgy & Bess in Wien, das Unterfahrt in München, der Dizzy’s Club im Jazz at Lincoln Center, Jazz St. Louis und das deutsche Festival Jazzweek Burghausen 2025.
Fields ist außerdem ein wichtiges Mitglied einiger der derzeit zukunftsweisenden, von Kritikern gefeierten Gruppen, darunter Joe Lovano und Dave Douglas‘ „Sound Prints“ und die für den Grammy nominierte Chief Adjuah/Christian Scott Group. Nachdem er mit einer Vielzahl unterschiedlicher Künstler (darunter Nicholas Payton, Branford und Delfeayo Marsalis und andere) aufgetreten ist und/oder Aufnahmen gemacht hat und sein von der Kritik gefeiertes akustisches Jazz-Debüt „To the Surface” veröffentlicht hat, kombiniert Fields‘ neues Supersonic Trio groove-basierte Klänge aus Vergangenheit und Gegenwart – und verschmilzt R&B, Jazz, Hip-Hop und Funk zu einem nahtlosen Ganzen.
English
Lawrence Fields is noted for a blend of compelling musicality, a lightning piano technique, and an expressive, personal sound. Dubbed a rising star by Downbeat Magazine, Fields’ music is being featured internationally. Lawrence’s groups can be heard at prominent jazz venues worldwide — including Zürich’s Moods, Vienna’s Porgy and Bess, Munich’s Unterfahrt, Jazz at Lincoln Center’s Dizzy’s Club, Jazz St. Louis, and Germany’s Jazzweek Burghausen 2025 festival.
Fields is also a key member of some of today’s forward-thinking, critically-acclaimed groups, including Joe Lovano and Dave Douglas‘ „Sound Prints“ and the Grammy-nominated Chief Adjuah/Christian Scott group. After performing and/or recording with a diverse collection of artists (including Nicholas Payton, Branford and Delfeayo Marsalis, and others), and releasing his critically-acclaimed acoustic jazz debut “To the Surface”, Fields‘ new Supersonic Trio combines groove-based sounds from both past and present — blending R&B, jazz, hip-hop and funk into a seamless whole.
Lawrence Fields – Fender Rhodes, Piano
Kyle Miles – Bass
Elé Howell – Drums
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Lawrence Fields – Fender Rhodes, Piano
Kyle Miles – Bass
Elé Howell – Drums
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The Sazerac Swingers «Livin’ The Sazerac Life» Feat: Max Oestersötebier-Lars Bechstein-Szymon Paczkowski-Daniel Le-Van-Vo-Hermano Blanco-Georg Kirschner The Sazerac Swingers sind der Endgegner des bornierten deutschen Jazz-Establishments. Näher am
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The Sazerac Swingers
«Livin’ The Sazerac Life»
Feat: Max Oestersötebier-Lars Bechstein-Szymon Paczkowski-Daniel Le-Van-Vo-Hermano Blanco-Georg Kirschner
The Sazerac Swingers sind der Endgegner des bornierten deutschen Jazz-Establishments. Näher am ursprünglichen Geist der Musik kann man nicht sein als beim Besuch einer Sazerac-Show. Die preisgekrönte Band stellt das Erbe Jelly Roll Mortons und Buddy Boldens nicht ins Museum, sondern gibt ihm eine aktuelle Relevanz und einen zeitgenössischen Sound. Es ist der Sound von New Orleans, kreativ und innovativ, dabei immer die Tradition respektierend. Der Besuch einer Sazerac-Show vermittelt das originäre Lebensgefühl des Jazz. Jede Show ist ein Erlebnis für sich – eine Show voller neuer Kompositionen, ohne dabei das Publikum zu vergessen. Fluide zwischen den Stilen swingend, aber immer im Geist von New Orleans. Mal erklingt die Straße, mal erklingen die „Roaring 20s“, mal wird es burlesk, mal erklingt „Fiesta Music with Solos“, wie Latin King Fredy Omar den Sound der Band beschreibt. Es ist auch ein bisschen Rhythm and Blues und Hip-Hop, es ist mal feingeistig-elegant, aber auch alles von Havanna bis Congo Square. Es ist Jazz wie er eigentlich gehört.
The Sazerac Swingers sind Pioniere: Sie sind die erste deutsche Band, die einen Filmkunstpreis für ein Musikvideo gewonnen hat; sie sind die erste deutsche Band, die im berühmten Pariser „Caveau de la Huchette“ auftreten durfte, und die erste Jazzband überhaupt, die in den heiligsten Hallen des Flamenco auftreten durfte, der „Pena de la Plateria“ in Granada. Und sogar im Profi-Fußball sind The Sazerac Swingers Pioniere: Die swingende Hommage an den Fußball-Regionalligisten FC Gütersloh, „Cowboys aus Jazz City“ (2024), ist Deutschlands erste und einzige Stadionhymne aus dem Genre Jazz, und der Titel erfuhr gleich in seiner Premierensaison eine besondere Ehre, als der MSV Duisburg diesen zum Heimspiel gegen die Gäste aus Gütersloh erklingen ließ: noch nie zuvor wurde an der Wedau die Hymne des Gegners gespielt.
Sie sind die Erfinder des „Sazerac Clubs“, Deutschlands profiliertestem High Class Jazz- und Burlesque-Events, und sie sind die Hausband des berühmten Berlin Burlesque Festivals von Marlene von Steenvag. Vor allem begeistern The Sazerac Swingers regelmäßig Menschen für die Musik, zu der diese vorher keinen richtigen Zugang hatten, indem sie Shows spielen, wie es die zeitgenössischen New-Orleans-Ikonen Kermit Ruffins oder der große Mentor der jungen Band, Glen David Andrews, tun: Authentisch, leidenschaftlich und kreativ. Nicht zum Spaß schrieb das Good Times Magazin, die Sazeracs „zählen zu den größten Attraktionen der deutschen Jazzszene“. Oder, um es im Duktus Rudi Völlers zu sagen: Wer diese Band nicht feiert, hat den Jazz nie geliebt.
Max Oestersötebier – Gitarre, Vocals
Lars Bechstein – Posaune
Szymon Paczkowski – Tenor- und Sopransaxophon
Daniel Le-Van-Vo – Kontrabass
Hermano Blanco – Piano
Georg Kirschner – Drums
The Sazerac Swingers Foto©Matheus Fernandes
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Max Oestersötebier – Gitarre, Vocals
Lars Bechstein – Posaune
Szymon Paczkowski – Tenor- und Sopransaxophon
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Hermano Blanco – Piano
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ALY KEÏTA TRIO «Balafon Evolution» One World Records Album Release Concert Special Guest: Mariam Koné Feat: Marcel van Cleef-Roberto Badoglio On his new album, the
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ALY KEÏTA TRIO
«Balafon Evolution»
One World Records Album Release Concert
Special Guest: Mariam Koné
Feat: Marcel van Cleef-Roberto Badoglio
On his new album, the Ivorian balafon virtuoso Aly Keïta explores new horizons for his instrument in improvised music. Together with his Berlin-based trio, he conquers the peaks of balafon possibilities one by one, wandering between groovy African rhythms, spectacular polyphony and elements of jazz, and combining them into a fusion that is both futuristic and deeply in roots. In Balafon Evolution, Keïta establishes a new level of balafon artistry, creating universal, contemporary soundscapes that transcend cultural boundaries.
The Aly Keïta Trio embodies the pulsating spirit of the Berlin jazz scene. Coming from different cultural backgrounds, the three musicians found a common language on stage as they explored the metropole, one of the most active, buzzing jazz hubs of Europe. Aly Keïta and the Dutch drummer Marcel van Cleef, began playing together in 2008, forming the core of the trio’s future „groove machine“. As a part of the „Aly Keïta and Magic Balafon“ formation, they shared a prize of the Global music contest „Creole“ in 2009. Recognised as one of the most intriguing and innovative bass players among the new generation, the Italian bass player Roberto Badoglio, joined trio in 2014, becoming a true „fusion reactor“ of the band.
Aly Keïta was born in Abidjan and inherited balafon art from his father, who was a Mandingo Griot. After moving to his grandmother’s village in Mali, together with his younger brother, he continued learning their family tradition, building and playing balafons. In the age on 18 Keïta’s virtuosity has became famous far beyond Africa and the young musician started touring around the world, mastering a new for him music language – jazz – and performing with some of the best artists of our time. Following the footsteps of maestro Kélétiguy Diabaté, Aly became the first who made this instrument chromatic and the one who first brought balafon, usually accompanying percussive instrument, to the front of the stage as a soloist. His acoustic, technic and visual innovations became standard for younger generations of balafonists.
Aly Keїta won the German Jazz Award 2022.
Mariam Koné, born April 1987 in Kati/Mali, is a Malian singer and music teacher and a member of the supergroup Les Amazones d’Afrique.
Koné has studied law, but she was swept away by music. In her teens, she joined the hip hop group Pacifique in her home town, releasing two albums with them. Later she studied music in the Bamako Conservatory, from which she graduated in 2011. She now teaches herself in this school.
Koné’s first solo album Dakan was released in 2013. Its style is soft flowing traditional African pop, with dub influences and electric instrumentation. It was produced by the Irishman Liam Farrell a.k.a. Doctor L.
Koné was invited to Les Amazones d’Afrique by Pamela Badjoko, originally from Gabon but now residing in Mali. Koné was drawn to the group by the fact that it tries to further the cause of local women, opposing all kinds of violence against women, and especially female genital mutilation.
Aly Keïta – Balafon, Kalimba, Vocal / Arrangements & Compositions
Marcel van Cleef – Drums/Percussions
Roberto Badoglio – E-Bass
Special Guest: Mariam Koné – Vocals
Fotos©Olha Kovalevska
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Aly Keïta – Balafon, Kalimba, Vocal / Arrangements & Compositions
Marcel van Cleef – Drums/Percussions
Roberto Badoglio – E-Bass
Special Guest: Mariam Koné – Vocals
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Mia Knop Jacobsen «CLOSER» FEAT: Jeppe Holst – Raphael Jesus Braga Mia Knop Jacobsen Trio Das Trio bringt Musiker:innen aus Dänemark und Brasilien zusammen und präsentiert ein
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Mia Knop Jacobsen
«CLOSER»
FEAT: Jeppe Holst – Raphael Jesus Braga
Mia Knop Jacobsen Trio
Das Trio bringt Musiker:innen aus Dänemark und Brasilien zusammen und präsentiert ein aktuelles Programm „CLOSER“ mit neuen Kompositionen von Mia Knop Jacobsen, ergänzt durch neu arrangierte Stücke aus früheren Projekten.
Klanglich bewegt sich das Ensemble im Spannungsfeld zwischen zeitgenössischem Songwriting, Jazz und Crossover, geprägt von feinen, harmonischen Strukturen und einem offenen, nordischen Sound. Wie der Name sagt, wird eingeladen, näher zu treten und die Musik von einer ganz neuen, intimen Note kennenzulernen.
Jacobsens Musik wurde von den Medien als „eine Mischung aus Joni Mitchell und Kate Bush mit nordischem Flair“beschrieben – eine treffende Umschreibung für ihre eigenständige Verbindung von lyrischer Tiefe und klanglicher Transparenz.
Mia Knop Jacobsen
Mia Knop Jacobsen ist eine preisgekrönte dänische Musikerin, Komponistin und Produzentin, die für ihren genreübergreifenden, ausdrucksstarken Gesang, ihre innovativen Kompositionen und dynamischen Produktionen bekannt ist. In ihrer über zehnjährigen Karriere hat sie internationale Anerkennung für ihre einzigartige Fähigkeit erlangt, modernen Jazz, zeitgenössischen Pop und elektronische Elemente zu einem unverwechselbaren eigenen Sound zu verschmelzen.
Sowohl als Solokünstlerin als auch in Zusammenarbeit mit anderen ist Mia weltweit aufgetreten – mit Tourneen durch Südamerika, Asien, Nordamerika und Europa. Sie stand auf renommierten Bühnen und Festivals, darunter das Jazzopen Stuttgart (als Backgroundsängerin für Quincy Jones & Friends), das Kennedy Center for the Performing Arts (als Teil des Betty Carter Jazz Ahead-Programms), TEDx Portugal („Being Human“, ÆterLys), das Konzerthaus Berlin, das Belgrade Jazz Festival und die Deutsche Oper Berlin („Rosemarine“).
Ihre vielseitigen künstlerischen Unternehmungen umfassen unter anderem Kooperationen mit der ECM-Künstlerin Julia Hülsmann sowie interdisziplinäre Projekte mit Film. Für Film und Theater komponiert sie regelmäßig Musik, und ihr Gesang wurde bereits in Produktionen für u. a. Prime Video eingesetzt.
Im April 2024 veröffentlichte sie ihr drittes Album – das erste unter eigenem Namen – mit dem Titel EASE, das von der Presse hochgelobt wurde. Es stellt eine mutige Erkundung der Schnittstelle zwischen Pop und Jazz dar. Aus diesem Release ging auch ihr Musikvideo „Under Water“ hervor, eins der aufwendigsten Kunstwerke ihrer Karriere.
Mias Beiträge zur Musikszene wurden mit zahlreichen Auszeichnungen gewürdigt. Ihr neuestes Projekt, eine Zusammenarbeit mit Jeremy Friedman, feierte 2025 seine Premiere bei TEDx in Lissabon. Diese multidisziplinäre Performance verbindet Musik, Tanz und Film. Mia komponierte dafür die Musik und debütierte als Sprecherin im Film Being Human.
Darüber hinaus erforscht Mia weiterhin neue klangliche Landschaften durch ihre Mitwirkung an verschiedenen internationalen Projekten, in denen sie die Grenzen von Jazz und zeitgenössischer Musik erweitert und sich für mehr künstlerische sowie genreübergreifende Offenheit einsetzt.
Sie besitzt einen Bachelor in Jazz und einen Master in Komposition mit Technologie und lehrt an der Universität der Künste Berlin.
Mia Knop Jacobsen – Vocals, Komposition
Jeppe Holst – Akustik- & E-Gitarre
Raphael Jesus Braga – E-Gitarre
Fotos© Geraldine Hutt
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Jeppe Holst – Akustik- & E-Gitarre
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS HEUTE MIT: EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um
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A-TRANE PRÄSENTIERT:
ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
HEUTE MIT:
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
ANDREAS SCHMIDT piano
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BENNY GREB «ACOUSTIC TRIO» PRE RELEASE CONCERT FEAT: JEAN YANOCHKIN-RALPH KLINZMANN Benny Greb zählt zu den respektiertesten Schlagzeugern weltweit. Er war bereits auf jedem internationalen Drum Festival als
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BENNY GREB
«ACOUSTIC TRIO»
PRE RELEASE CONCERT
FEAT: JEAN YANOCHKIN-RALPH KLINZMANN
Benny Greb zählt zu den respektiertesten Schlagzeugern weltweit. Er war bereits auf jedem internationalen Drum Festival als Headliner zu sehen und tourte mit seinen Clinics und Drum Camps über den ganzen Globus. Aber er ist auch als Komponist und Solokünstler bekannt und erhielt mit seiner eigenen Band, Moving Parts, den prestigeträchtigen Echo Jazz verliehen.
In Zusammenarbeit mit ihm wurden zahlreiche Signature-Produkte entwickelt, die den Schlagzeugern heute zur Verfügung stehen.
Mit „The Language of Drumming“, „The Art and Science of Groove“ und seinem aktuellen Buch „Effective Practicing for Musicians“ veröffentlichte er einige sehr erfolgreiche und von den Kritikern hochgelobte Lehrwerke im Musikbereich.
Ein Abend, den Sie auf keinen Fall verpassen sollten: Benny Greb, von der Fachpresse als einer der bedeutendsten Drummer des 21. Jahrhunderts gefeiert, kommt nach langer Zeit wieder nach Berlin. Das A-Trane freut sich diesen außergewöhnlichen Schlagzeuger zu präsentieren. Es erwartet Sie ein ebenso aussergewöhnliches Konzerterlebnis. Diesmal präsentiert er brandneue Kompositionen in einem Akustik-Trio-Format, das mit seinem unverwechselbaren Groove, seinem einzigartigen Sound und virtuoser Spielfreude begeistert.
Er wird begleitet von Jean Yanochkin & Ralph Klinzmann.
Sichern Sie sich jetzt Ihre Tickets, bevor sie vergriffen sind.
JEAN YANOCHKIN – Piano
RALPH KLINZMANN – Bass
BENNY GREB – Drums
Benny Greb Farbfoto©Gerhard Kühne
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Matti Klein Soul Trio ALBUM RELEASE CONCERT «Bouncin‘ In Bubbleverse» FEAT: Lars Dieterich-André Seidel Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist
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ALBUM RELEASE CONCERT
«Bouncin‘ In Bubbleverse»
Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist das, was uns unverwechselbar macht, steht in den englischen Wörterbüchern. Jede dieser Definitionen trifft auf das Matti Klein Soul Trio zu, aber letztere umschreibt das Wesen des imJahr 2017 gegründeten Dreiergespanns, welches seit dem weltweit schon weit über 300 Konzerte spielte, besonders gut.
Denn im Matti Klein Soul Trio haben sich drei Seelenverwandte im Namen des Grooves zusammengetan, die einen eigenständigen Weg jenseits der viel betanzten Pfade der Hammond-Orgel-Trios beschreiten. Im Zentrum des Klanggeschehens stehen dabei die warmen Wurlitzer-Klänge des Bandleaders Matti Klein, der mit der Funkjazz-Formation Mo‘ Blow und dem brasilianischen Yacht-Pop-Schwergewicht Ed Motta bereits die wichtigsten Jazzclubs in New York, Tokyo, London und Parisbeehrte.
Die wohligen tiefen Töne eines 1973er Fender Rhodes Piano-Bass sind ein ähnlichesAlleinstellungsmerkmal der Gruppe wie der punktgenaue Einsatz von Sound-Effects desTenorsaxofonisten und Bassklarinettisten Lars Dieterich. Das elastische Spiel von Drummer André Seidel sorgt dafür, dass man dem Trio seine weitere Spezialität, die unverkopfte Vorliebe für Odd Meters, buchstäblich nicht krumm nimmt.
All diese Qualitäten bestimmen auch „Soul Trio: Bouncin‘ In Bubbleverse“, das inzwischen dritte Albumdes Dreiergespanns. Auf der Einspielung verarbeiten Klein & Co. ihre reichhaltigen Tournee-Erfahrungen mit catchy Melodien und lange nachklingenden Gesellschaftsreflexionen.
Prominente Soul-Gourmets wie die BBC-Radiolegende Robert Elms oder Sänger Max Mutzke schwörenauf die Songs des Trios, in denen vibrierender Soul-Jazz und der Instrumental-Funk von The Metersoder The Crusaders organisch neben HipHop-Elementen oder spacigem Post-Rock stehen. Und auchdie mediale Resonanz auf die bisherigen Einspielungen und Live-Shows der Band (u.a. in Haiti,Südafrika, Malaysia, Finnland oder bei einer UK-Tour) spricht eine klare Sprache. „Das groovt ungemein“, urteilt der Deutschlandfunk, während das britische Jazzwise-Magazin feststellt: „A new,smoking‘ hot twist on the much-loved organ trio format. They deserve to be huge everywhere!“
“They deserve to be HUGE everywhere.Make sure you catch ‘em.“
JAZZWISE
„A really good album by keyboards player Matti Klein. I was really taken with this record and in fact I was gonnaplay it as my favourite track of the week.»
Robert Elms – BBC London
„Soul Trio is an authentic album drawing on vintage instruments with a 21st century attitude.“
Thomas Fletcher -Jazz Journal UK
„Eine epische Schönheit, die ihresgleichen sucht.“
Victoriah Szirmai – JAZZTHETIK
„Das groovt ungemein wie einst in den besten Tagen des Soul unter dem Tamla/Motown Segel.“
Thorsten Bednarz – Deutschlandfunk Kultur
„A genuine groove virtuoso.“
Kieler Nachrichten
„Out of this world.“
KEYBOARDS – Magazin
Matti Klein – Wurlitzer, Rhodes Bass
Lars Dieterich – Bass Clarinet, Saxophone
André Seidel – Drums
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Lars Dieterich – Bass Clarinet, Saxophone
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Matti Klein Soul Trio ALBUM RELEASE CONCERT «Bouncin‘ In Bubbleverse» FEAT: Lars Dieterich-André Seidel Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist
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«Bouncin‘ In Bubbleverse»
Was ist Soul? Ein mitreißender Musikstil, sagen die einen. Ein überwältigendes Gefühl, behaupten die anderen. Es ist das, was uns unverwechselbar macht, steht in den englischen Wörterbüchern. Jede dieser Definitionen trifft auf das Matti Klein Soul Trio zu, aber letztere umschreibt das Wesen des imJahr 2017 gegründeten Dreiergespanns, welches seit dem weltweit schon weit über 300 Konzerte spielte, besonders gut.
Denn im Matti Klein Soul Trio haben sich drei Seelenverwandte im Namen des Grooves zusammengetan, die einen eigenständigen Weg jenseits der viel betanzten Pfade der Hammond-Orgel-Trios beschreiten. Im Zentrum des Klanggeschehens stehen dabei die warmen Wurlitzer-Klänge des Bandleaders Matti Klein, der mit der Funkjazz-Formation Mo‘ Blow und dem brasilianischen Yacht-Pop-Schwergewicht Ed Motta bereits die wichtigsten Jazzclubs in New York, Tokyo, London und Parisbeehrte.
Die wohligen tiefen Töne eines 1973er Fender Rhodes Piano-Bass sind ein ähnlichesAlleinstellungsmerkmal der Gruppe wie der punktgenaue Einsatz von Sound-Effects desTenorsaxofonisten und Bassklarinettisten Lars Dieterich. Das elastische Spiel von Drummer André Seidel sorgt dafür, dass man dem Trio seine weitere Spezialität, die unverkopfte Vorliebe für Odd Meters, buchstäblich nicht krumm nimmt.
All diese Qualitäten bestimmen auch „Soul Trio: Bouncin‘ In Bubbleverse“, das inzwischen dritte Albumdes Dreiergespanns. Auf der Einspielung verarbeiten Klein & Co. ihre reichhaltigen Tournee-Erfahrungen mit catchy Melodien und lange nachklingenden Gesellschaftsreflexionen.
Prominente Soul-Gourmets wie die BBC-Radiolegende Robert Elms oder Sänger Max Mutzke schwörenauf die Songs des Trios, in denen vibrierender Soul-Jazz und der Instrumental-Funk von The Metersoder The Crusaders organisch neben HipHop-Elementen oder spacigem Post-Rock stehen. Und auchdie mediale Resonanz auf die bisherigen Einspielungen und Live-Shows der Band (u.a. in Haiti,Südafrika, Malaysia, Finnland oder bei einer UK-Tour) spricht eine klare Sprache. „Das groovt ungemein“, urteilt der Deutschlandfunk, während das britische Jazzwise-Magazin feststellt: „A new,smoking‘ hot twist on the much-loved organ trio format. They deserve to be huge everywhere!“
“They deserve to be HUGE everywhere.Make sure you catch ‘em.“
JAZZWISE
„A really good album by keyboards player Matti Klein. I was really taken with this record and in fact I was gonnaplay it as my favourite track of the week.»
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„Soul Trio is an authentic album drawing on vintage instruments with a 21st century attitude.“
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„Eine epische Schönheit, die ihresgleichen sucht.“
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„Das groovt ungemein wie einst in den besten Tagen des Soul unter dem Tamla/Motown Segel.“
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„A genuine groove virtuoso.“
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Petter Bergander Trio «Watershed» Feat: Eva Kruse – Robert Ikiz Petter Bergander Trio from Stockholm will present a fascinating performance that skilfully juggles jazz, pop and Scandinavian folklore,
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Petter Bergander Trio
«Watershed»
Feat: Eva Kruse – Robert Ikiz
Petter Bergander Trio from Stockholm will present a fascinating performance that skilfully juggles jazz, pop and Scandinavian folklore, they released their first album „The Grand Dance“ in 2015 and have since then been touring both Sweden and Europe. Petter and Ikiz have also played together for ten years with Nils Landgren Funk Unit. Eva Kruse, who plays double bass, joined the band in 2016 and in 2019 they released the record ”Kierkegaard’s Waltz”.
On the album Watershed, which came out 2024, jazz is mixed with more modern beats and grooves. Improvisation is always at the very center. The songs and the melodies greet all kind of musiclovers and jazzlovers.
Petter Bergander about the music:
«We want to give people a crazy, exciting experience of life and zest for life. ”Watershed” is an album sprung from a troubled world and time. When I wrote the songs, I thought about events in life that can threaten to cut divides between friends or in the family, and conflicts within ourselves. The music became a way to regain the joy and the art.»
Petter Bergander – Piano
Eva Kruse: Double – Bass
Robert Ikiz – Drums
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Petter Bergander – Piano
Eva Kruse: Double – Bass
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ADHD «March 2026 Tour» Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson ADHD is on tour in Europe in March. They will of course play songs from our
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ADHD
«March 2026 Tour»
Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson
ADHD is on tour in Europe in March.
They will of course play songs from our newest album ADHD 9 with our standards and some new material.
They will record their 10th album in Iceland in February 2026.
The album will be released on enja/Yellowbird in October 2026.
„We will revisit our favorite club, A-Trane in Berlin with two shows on the 23. and 24th and we look forward to seeing our friends old and new at these shows.“ ADHD
ADHD ist eine Band, die sich nicht in Kategorien stecken lässt. Sie kreieren mit ihrer Musik eine akustische Landschaft, die sowohl organisch als auch elektrisch klingt und dabei Elemente aus Jazz, Rock und Folk vermischt. Bei ihre immersiven und aufregenden Konzerten schaffen sie es, das Publikum in einen Trance-ähnlichen Zustand der kollektiven Ekstase zu versetzen. Sowohl Kritiker als auch Fans loben ihre Originalität, Kreativität und Virtuosität.
Im Jahr 2024 hatten ADHD zwei neue spannende Projekte geplant und ausgeführt. Das erste davon war ein Dokumentarfilm, der die Band auf einer Reise von Island nach Berlin begleitete. Die Dokumentation beinhaltete Interviews, Behind The Scenes Eindrücken und Ausschnitten aus ihrer fünftägigen Residenz im A-Trane Jazz Club Berlin. Ausgestrahlt wurde der Film im isländischen National-Fernsehen sowie auf dem internationalen Jazz TV-Sender Singray.
Das zweite Projekt war ein Konzertfilm von ihrer grandiosen Performance im Jazz Club A-Trane Berlin. Der Film wurde auf verschiedenen Streaming Plattformen veröffentlicht.
Bisher erschienen acht Alben von ADHD bei unterschiedlichen Labels und in verschiedenen Formaten.
2024 folgte mit ADHD #9 ihr neuntes Studio Album.
“Eine Musik zwischen Miles Davis, Steeley Dan, Dr. John und Radiohead mit Spannweite zwischen melodischem und assoziativem Spiel”
VerhoovensJazz
“Ein Jazzquartett der Weltklasse”
InReykjavik
“Das Quartett aus Island ist ein Live- Phänomen. Auf der Bühne entfaltet sich der eigensinnige, verspulte und mit blindem Spielverständnis der Mitglieder vorgetragene Klang des Vierers zu etwas Magischem, Grenzenlosem, Transzendentalem”
Sounds & Books
ÓSKAR GUÐJÓNSSON – Saxophon
ÓMAR GUÐJÓNSSON – Gitarre, Pedal Steel, Bass
TÓMAS JÓNSSON – Piano, Keyboards, Organ
MAGNÚS TRYGVASON ELIASSEN – Schlagzeug
Foto©Spessi
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WARTELISTE / WATINGLISTSitzplatz Reservierung
Es gibt aber noch Sitzplätze für das gleiche Konzert am 24.03.2026
But there are still seats available for the same concert on the 24th of March 2026
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ADHD «March 2026 Tour» Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson ADHD is on tour in Europe in March. They will of course play songs from our
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«March 2026 Tour»
Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson
ADHD is on tour in Europe in March.
They will of course play songs from our newest album ADHD 9 with our standards and some new material.
They will record their 10th album in Iceland in February 2026.
The album will be released on enja/Yellowbird in October 2026.
„We will revisit our favorite club, A-Trane in Berlin with two shows on the 23. and 24th and we look forward to seeing our friends old and new at these shows.“ ADHD
ADHD ist eine Band, die sich nicht in Kategorien stecken lässt. Sie kreieren mit ihrer Musik eine akustische Landschaft, die sowohl organisch als auch elektrisch klingt und dabei Elemente aus Jazz, Rock und Folk vermischt. Bei ihre immersiven und aufregenden Konzerten schaffen sie es, das Publikum in einen Trance-ähnlichen Zustand der kollektiven Ekstase zu versetzen. Sowohl Kritiker als auch Fans loben ihre Originalität, Kreativität und Virtuosität.
Im Jahr 2024 hatten ADHD zwei neue spannende Projekte geplant und ausgeführt. Das erste davon war ein Dokumentarfilm, der die Band auf einer Reise von Island nach Berlin begleitete. Die Dokumentation beinhaltete Interviews, Behind The Scenes Eindrücken und Ausschnitten aus ihrer fünftägigen Residenz im A-Trane Jazz Club Berlin. Ausgestrahlt wurde der Film im isländischen National-Fernsehen sowie auf dem internationalen Jazz TV-Sender Singray.
Das zweite Projekt war ein Konzertfilm von ihrer grandiosen Performance im Jazz Club A-Trane Berlin. Der Film wurde auf verschiedenen Streaming Plattformen veröffentlicht.
Bisher erschienen acht Alben von ADHD bei unterschiedlichen Labels und in verschiedenen Formaten.
2024 folgte mit ADHD #9 ihr neuntes Studio Album.
“Eine Musik zwischen Miles Davis, Steeley Dan, Dr. John und Radiohead mit Spannweite zwischen melodischem und assoziativem Spiel”
VerhoovensJazz
“Ein Jazzquartett der Weltklasse”
InReykjavik
“Das Quartett aus Island ist ein Live- Phänomen. Auf der Bühne entfaltet sich der eigensinnige, verspulte und mit blindem Spielverständnis der Mitglieder vorgetragene Klang des Vierers zu etwas Magischem, Grenzenlosem, Transzendentalem”
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ÓSKAR GUÐJÓNSSON – Saxophon
ÓMAR GUÐJÓNSSON – Gitarre, Pedal Steel, Bass
TÓMAS JÓNSSON – Piano, Keyboards, Organ
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Martin Wind «Gravity Trio» «September» Laika Records CD Release Concert FEAT: Peter Weniger-Jonas Burgwinkel „September“ ist kein melancholisches Herbstalbum, sondern ein Statement über Aufbruch, Wandel und Dankbarkeit. 30 Jahre ist es her,
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Martin Wind «Gravity Trio»
«September»
Laika Records CD Release Concert
FEAT: Peter Weniger-Jonas Burgwinkel
„September“ ist kein melancholisches Herbstalbum, sondern ein Statement über Aufbruch, Wandel und Dankbarkeit.
30 Jahre ist es her, dass Bassist Martin Wind seine Koffer packte und von Norddeutschland nach New York zog – ein Schritt, der sein Leben in jeder Hinsicht verändern sollte. Heute gehört er zu den wenigen deutschen Musikern, die sich dauerhaft im Schmelztiegel des Big Apple etabliert haben: als gefragter Bassist, Komponist und Pädagoge, geschätzt für seinen warmen, facettenreichen Sound und seine Musikalität. Mit dem Trio „Gravity“ – neben Wind der Saxofonist Peter Weniger und der Schlagzeuger Jonas Burgwinkel – hat er ein Format geschaffen, das seinem Namen alle Ehre macht.
Schon das Debütalbum „Gravity“ (2023, Laika Records) wurde international gefeiert. Das amerikanische „Downbeat Magazine“ zog gar Parallelen zu Sonny Rollins’ legendärem „Way Out West“. Nun erscheint das Nachfolgealbum „September“ – eine Produktion, die in den USA entstand und ihre emotionale Schwerkraft aus einem tief bewegenden Moment schöpft. Am Morgen des ersten Aufnahmetages starb Winds langjähriger Mentor Jim McNeely. „Sein Tod hat uns alle tief getroffen“, sagt Wind und ergänzt. „Gleichzeitig hat mich enorm beeindruckt, wie würdevoll er durch den letzten Abschnitt seines Lebens gewandert ist. Ohne Worte des Bedauerns, ohne Bitterkeit, sondern humorvoll und mit großer Dankbarkeit.“ Eine Stimmung, die auch das „Celebrating Jim McNeely“ Konzert im September dominierte, bei dem New Yorker Jazzgrößen wie der Gitarrist John Scofield auftraten.
„September“ ist ein Dialog zwischen Kontinenten, Generationen und musikalischen Temperamenten. Für die Aufnahmen stieß Winds langjähriger US-Weggefährte Scott Robinson (Tenorsaxofon & Klarinette) erstmals im Studio auf den Berliner Saxofonisten Peter Weniger. „Obwohl sie von anderen Kontinenten kommen und andere Roots haben, zeigen sie, dass sie sich perfekt ergänzen und blind miteinander harmonieren können“, beschreibt Wind den besonderen Reiz des transatlantischen Zusammentreffens. Solche Begegnungen prägen den Kosmos von „September“: melodisch, geerdet, voller Seele. Die Stücke erzählen von Bewegung, Wandel und Widerstandskraft – so wie sie auch in der Natur zu erleben sind, wenn nach dem Sommer die kräftigen Farben des Herbstes Einzug halten – eingefangen in der Komposition „Late Summer Lullaby“.
In Wenigers Opener „Dance with the Wind“ geht es um das Vertrauen in den Moment. „Der Wind lässt sich nicht bändigen, also tanze lieber mit ihm“, rät der Komponist. „Relay“ ist ein lässig rollender Stafettenlauf zwischen ihm und Scott Robinson, der den Geist des Hardbop in die Gegenwart trägt. „King of the Castle“ hat Bandleader Wind seinem Drummer Jonas Burgwinkel gewidmet, der „wie von einem Thron aus über seine Instrumente regiert“ – rhythmisch komplex, enorm groovend und doch mit einem natürlichen Flow. Der Titeltrack „September Serenade“ ist eine leise Verneigung vor dem jüngst verstorbenen Jim McNeely, während der Klassiker „Pro Zeca“ die brasilianischen Einflüsse und Musiker widerspiegelt, die Wind seit seinen Jahren in New York begleiten – unter ihnen der Drummer Duduka Da Fonseca. Der Rausschmeißer „Rugby“ entstand, nachdem sich Weniger in Irland von einer Partie des dortigen Nationalsports hatte inspirieren lassen. Das Stück entfesselt die Energie und Rauheit eines improvisierten Spiels: kantig, ungezähmt, teilweise dissonant, die Richtung wechselnd, elektrisierend.
Peter Weniger – Tenor Saxophon
Martin Wind – Kontrabass
Jonas Burgwinkel – Drums
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YAKOU TRIBE «Out Of Sight» FEAT: Kai Brückner-Jan von Klewitz-Pepe Berns-Rainer Winch Die seit 20 Jahren bestehende Berliner Band „YAKOU TRIBE“ hat im Frühjahr 2019 ihre nunmehr fünfte CD mit dem Titel
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YAKOU TRIBE
«Out Of Sight»
FEAT: Kai Brückner-Jan von Klewitz-Pepe Berns-Rainer Winch
Die seit 20 Jahren bestehende Berliner Band „YAKOU TRIBE“ hat im Frühjahr 2019 ihre nunmehr fünfte CD mit dem Titel „Out Of Sight“vorgelegt. Das Quartett um die Gitarristen Kai Brückner und den Alt-Saxophonisten Jan von Klewitz verfolgt einerseits nach wie vor die Spur des (amerikanischen) Roadmovies-Soundtracks, andererseits erweitern die Musiker ihre Reiseroute sowohl ins urbane Amerika der 50er Jahre als auch in südamerikanische Gefilde. So steuern Klewitz und der 2017 neu hinzugekommen Kontra- und E-Bassist Pepe Berns folkloristische, brasillianisch-beeinflusste und dem Jazz verpflichtete Songs und Balladen bei, während die Kompositionen Brückners und des versierten Schlagzeugers Rainer Winch dem Progressive Rock der 70er Jahre ihre Aufwartung machen.
Der Yakou Tribe wirkt frisch und neu, und dennoch steht die Band noch hundertprozentig zu der Musik, die für sie seit jeher charakteristisch ist. Brückner, von Klewitz und Co. zeichnen sich dadurch aus, dass sie für jeden Track eine neue Verabredung zwischen Kontinuität und Veränderung finden. Sie bedürfen längst nicht mehr der internationalen Vergleiche, sondern definieren ihren eigenen Markenkern: kurze, zugängliche Jazz-Songs zwischen dezenter Melancholie und unaufdringlicher Heiterkeit, die ihre eigenen Bilder entfalten. Vier Musiker, die nicht miteinander spielen, weil sie einander auf Gedeih und Verderb ausgeliefert wären, sondern weil sie gar nichts anderes wollen.
Wolf Kampmann
«Jazz Mit roten Ohren.
Jazz im Geiste des Progressive Rock der Siebziger, nur viel lockerer und virtuoser: Das famose neue Album „Out of Sight“ des Berliner Quartetts „Yakou Tribe.
Je öfter man das Album „Out of Sight“ (Traumton Records) jenes Berliner Quartetts namens Yakou Tribe hört, desto mehr drängt sich der Gedanke auf, dass sich in diesen zehn Songs ein heiteres, souveränes Spiel mit den „Hörgemeinschaften“ längst vergangener Zeiten verbirgt. Jeder von ihnen kann alles spielen, kreuz und quer durch die Genres und die Zeiten.»
Thomas Steinfeld Süddeutschen Zeitung
Kai Brückner – Gitarre
Jan von Klewitz – Alto-Saxophon
Pepe Berns – Bass
Rainer Winch – Schlagzeug
Foto©David Beecroft
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Kai Brückner – Gitarre
Jan von Klewitz – Alto-Saxophon
Pepe Berns – Bass
Rainer Winch – Schlagzeug
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A TRIBUTE TO JIMI HENDRIX WITH WILL JACOBS «KISS THE SKY» «A Compilation Night Of Hendrix» FEAT: Arne Imig-Magro Das letzte Live Konzert mit diesem Trio zu
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A TRIBUTE TO JIMI HENDRIX WITH WILL JACOBS
«KISS THE SKY» «A Compilation Night Of Hendrix»
FEAT: Arne Imig-Magro
Das letzte Live Konzert mit diesem Trio zu Ehren Jimi Hendrix war sehr erfolgreich. Wir hatten viel Mehr Anfragen, als unsere Kapazität. Alle, die bei diesem Konzert dabei waren, haben nach einer Wiederholung gefragt. Hier ist sie. Wir freuen uns dieses tolle Trio Ihnen noch mal präsentieren zu dürfen. Nicht verpassen!
The last live concert with this trio in honor of Jimi Hendrix was a huge success. We had far more requests than we could accommodate. Everyone who attended asked for a repeat performance. Here it is! We are thrilled to present this fantastic trio to you once again. Don’t miss it!
About this project:
Join us as we dive into the music and legacy of Jimi Hendrix. Electrifying and mesmerising, Jimi changed the way we look at guitar as an instrument and as a tool for creativity. He came from another planet, redefining what music could be and single handedly created new genres of music while still sounding like himself. In a time where the beetles and the rolling stones were the hottest thing out there, Jimi stood tall above the rest.
No one will ever be able to re-create the magic that flowed from his hands and his mind, but tonight we will do our best to appreciate the beauty, the power, and the soul that only Jimi layed out for all of us to enjoy.
Kiss the Sky is a compilation album by American rock guitarist and singer-songwriter Jimi Hendrix. It was released in October 1984 by Reprise Records in the USA and in November 1984 by Polydor Records in the UK. The album title is taken from the lyrics of „Purple Haze“.
Prepare yourself, and let’s rock!
Will Jacobs
Known for his powerful, live performances, Ruf Records recording artist WILL JACOBS is a modern Blues/Soul/R&B artist from Chicago, Illinois USA. At 32 years old, he’s no stranger to performance stages having honed his chops the old-fashioned way – experience.
His early teens were spent gigging in Chicago clubs backing many of the city’s finest blues men and women (while at the same time playing in a Grammy-winning, high school jazz band.)
In 2009, he attracts local and international attention with his first band (Dirty Deal), performing at the International Blues Showcase in Memphis, Tennessee after having won Chicago’s Windy City Blues Challenge (Youth Division). His band leaves their mark due to Will’s mature improvisational skills and vocal talents, coupled with its deep, blues-infused sound.
These experiences lead to studies at Berklee College of Music in Boston, more gigging, composing and session work in Chicago, a musical residency in Sri Lanka, as well as touring with renown, Zydeco artist C.J. Chenier.
Making the jump across the pond to Europe in mid-2016, Will begins performing and sharing his dynamic blues sound in Berlin, Germany and throughout Europe. Tours with his own band, collaborations with Hohner-endorsee Marcos Coll (with whom he releases “Takin’ Our Time” ©2019) and gigging with other well-respected EU artists such as Lionel Haas, David “Fingers” Haynes, Breezy Rodio, Martin Stumpf, Stef Rosen, and Gary Wiggins. Within a few short years, Will has logged performances at festivals and clubs in Armenia, Austria, Belgium, Czech Republic, France, Germany, Italy, Luxembourg, Netherlands, Poland, Spain, Sweden, Switzerland, Ukraine and the US.
In 2022, the well-respected Ruf Records label adds Will to their artist roster and immediately inserts him into their Blues Caravan Spring tour alongside Ghalia Volt and Whitney Shea. Ruf Records releases his “Goldfish Blues” album (©Nov2022) which receives strong reviews and garners him new fans online and across the EU and USA. 2023 brings another busy year with his own band plus 16 weeks touring with Rufs Blues Caravan (this time with Ally Venable and Ashley Sherlock.)
Most recently Will has been extensively touring and working as a session musician for other artists as well as forming a group called “The Unit” which is slowly making a name for themselves in and out of Berlin.
Whether playing clubs or festivals, working solo or collaborating other world-class musicians, Will strives to bring his energy, creativity and passion to every stage.
Will Jacobs – Guitar/Vocal
Arne Imig – Bass
Magro – Drums
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In 2009, he attracts local and international attention with his first band (Dirty Deal), performing at the International Blues Showcase in Memphis, Tennessee after having won Chicago’s Windy City Blues Challenge (Youth Division). His band leaves their mark due to Will’s mature improvisational skills and vocal talents, coupled with its deep, blues-infused sound.
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS HEUTE MIT: EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um
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A-TRANE PRÄSENTIERT:
ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
HEUTE MIT:
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
ANDREAS SCHMIDT piano
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Mariana Zwarg Quintet «Legacy Of Hermeto Pascoal’s Universal Music» FEAT: Itiberê Zwarg WITH: Mette Nadja-Johannes von Ballestrem-Igor Spalatti-Pierre Chastel A rare musical encounter brings
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Mariana Zwarg Quintet
«Legacy Of Hermeto Pascoal’s Universal Music»
FEAT: Itiberê Zwarg
WITH: Mette Nadja-Johannes von Ballestrem-Igor Spalatti-Pierre Chastel
A rare musical encounter brings the Mariana Zwarg Quintet together with Itiberê Zwarg, who travels from Brazil to join the group for a special evening at A-Trane Berlin. Father and daughter meet on stage as composers, arrangers, and improvisers, presenting original music written especially for this collaboration and shaped by the shared legacy of Hermeto Pascoal’s Universal Music.
The Mariana Zwarg Quintet is one of the most innovative ensembles in today’s jazz scene, presenting a distinctive fusion of jazz and Brazilian instrumental music. Formed in 2022, the group brings together exceptional musicianship and a strong compositional voice.
Led by flutist and composer Mariana Zwarg, the quintet’s sound is shaped by sensitivity, precision, and a clear collective identity. The music draws from the rich tradition of Brazilian music, including styles like samba and forró, approached with a contemporary perspective and paired with the freedom of jazz and improvisation.
Before forming the quintet, Mariana Zwarg toured internationally with her Sexteto Universal, releasing the acclaimed album Nascentes in 2020 and performing at major festivals and concert halls across Europe and Brazil. This experience informs the quintet’s confident stage presence and focused live communication.
The evening at A-Trane unfolds as an intimate yet expansive musical conversation — intergenerational, exploratory, and alive in the moment.
Mariana Zwarg – Flutes
Mette Nadja – Voice, Percussion
Johannes von Ballestrem – Piano
Igor Spalatti – Double Bass
Pierre Chastel – Drums, Percussion, Voice
Special Guest:
Itiberê Zwarg – Bass, Voice
Mariana Zwarg Quintet Feat. Itiberê Foto©Carla Alves
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Mariana Zwarg – Flutes
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Johannes von Ballestrem – Piano
Igor Spalatti – Double Bass
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