|: Live Concert

A-TRANE PRÄSENTIERT ZUSAMMEN MIT GERMANIA MUSIC:
Dorrey Lyles
«Soul Sexy»

Am Samstag, den 3. Juni erwartet euch wieder ein Gesangsfeuerwerk der Extraklasse im A-Trane. Dorrey Lyles und ihre Band Soul Sexy präsentieren die perfekte Mischung aus neuen und alten Funk- und Soulklassikern und Titel aus ihrem Album „My Realized Dream“. Ein inspirierendes musikalisches Erlebnis!

DORREY L. LYLES ist ohne Frage eine der beeindruckendsten und großartigsten Soul-Sängerinnen. Sie ist nicht nur für ihre außergewöhnliche und kraftvolle Stimme bekannt, sondern auch für die authentische und leidenschaftliche Art und Weise, mit der sie es schafft, Soulmusik zum Leben zu erwecken. Geboren 1970 als Tochter des Pfarrers Charles Lyles, wurde sie buchstäblich in die Gospelszene hineingeboren. Sie tourte mit vielen großen Gospelchören, wie etwa „The Very Best Of Black Gospel“, „Harlem Gospel Singers“ oder „The Philadelphia Singers“. Auch formte sie in jungem Alter eine erfolgreiche Gruppe mit dem Namen „The Chosen Ones“, bestehend aus ebenso zielstrebigen und talentierten jungen Musikern. Für ihr außergewöhnliches Talent erhielt Dorrey den „Best Gospel Award“ in den USA, die einzige derartige Auszeichnung landesweit. Später wurde sie Mitglied der weltbekannten und erfolgreichen Gruppe „The Weather Girls“ .

DORREY LYLES – VOCAL
Helmut Bruger – Piano/Keys
Sebastian Vogel – Bass
Maximilian Bahr – Guitar
Connor Fitzgerald – Drums
Background-Vocals
Annika Sesterhenn – Vocal
Brenda Marie Turner – Vocal
Foto©David Beecroft

A-TRANE PRÄSENTIERT: «JAB105» JAZZAUSBERLIN JUNI 2023
TWO CONCERTS ONE NIGHT
HEUTE MIT: Zola Mennenöh | Kathrin Pechlof DUO / Max Andrzejewski SOLO

Zola Mennenöh | Kathrin Pechlof
DUO
An diesem Abend begegnen sich mit Zola Mennenöh und Kathrin zwei Meisterinnen von filigraner Klangsprache und kluger Improvisationskunst. Feinsinnig und nuanciert gehen die beiden Künstlerinnen in einen engen Dialog und navigieren organisch zwischen komponierten Strukturen, die an eine Mischung aus Björk und Hans Abrahamsen erinnern und freien Improvisationen. Ohne Zweifel löst das Duo Genre- und Stil-Grenzen auf, lauscht und macht einfach – Musik. Zola Mennenöh ist Sängerin/Komponistin und steht u.a. mit ihrem Solo-Projekt “A Labour of Love” und “OHNE GARANTIE” auf der Bühne. Kathrin Pechlof ist Harfenistin und Komponistin und tourt unter anderem mit ihrem Trio mit Robert Landfermann und Christian Weidner.

Erstes Set:
Zola Mennenöh – Stimme, Komposition
Kathrin Pechlof – Harfe
Foto Zola©Hipermania

Max Andrzejewski
SOLO
«Eines der ersten Solo-Sets des „Maverick Ästheten»
Süddeutsche Zeitung

Max Andrzejewski (*1986) ist Komponist und improvisierender Schlagzeuger, wohnhaft in Berlin.
Seine energetische musikalische Arbeit zwischen experimentellem Jazz, zeitgenössischer Kunstmusik und Improvisation öffnet ihm die Bühnen der Welt für Konzerte und Kompositionsaufträge.
Andrzejewski studierte Jazz-Schlagzeug an der MHS Köln und der UdK Berlin. Mit seiner eigenen Band Max Andrzejewski´s Hütte veröffentlichte er vier Alben, zwei davon mit gastierendem Vokalensemble und gewann 2013 den Neuen Deutschen Jazzpreis. Im September 2023 erscheint das neue Album REDUCE – wieder in der Ursprungsbesetzung. Seine weiteren eigenen Projekte sind das Duo TRAINING und das Kammermusikensemble Stemeseder / Andrzejewski light / tied.
Als Komponist zeitgenössischer Musik ist Andrzejewski mit Kompositionsaufträgen für das Beethovenfest Bonn, die Elbphilharmonie Hamburg, das Podium Festival Esslingen, das Ensemble Resonanz Hamburg, das Berliner Ensemble, das aDevantgarde Festival München, das Thalia Theater Hamburg, die Münchner Kammerspiele, das Theater Basel, das Maxim-Gorki-Theater uvm. tätig.
Er tourt weltweit mit seinen eigenen Projekten und erscheint auf zahlreichen Alben.

«Die Nähte zwischen unterschiedlichen Traditionen und Praktiken werden in seiner Arbeit immer unsichtbarer, und die Möglichkeiten scheinen sich nur unter seiner sicheren, fieberhaften Kreativität zu erweitern»
Peter Margasak, The Quietus
«Ein Komponist auf dem Schlagzeug, dessen Einfallsreichtum keine Grenzen kennt»
Wolf Kampmann
«Max überzeugt mit schillernden Klangfarben, mäandernden Motiven und Bombastlosigkeit»
taz
«Das ist freie Musik in allerbestem Sinne, eine Sound- Musik-Collage, die in jeder Sekunde nach jenem wilden Berlin klingt»
Süddeutsche Zeitung
«Hier ein bisschen Improvisation, dort ein bisschen Jazz, ne, easy, ist ja nur Training. Hier ist eine die Genregrenzen mit Leichtigkeit verschiebende, außergewöhnliche Jazz-Platte geglückt»
Musikexpress

Zweites Set:
Max Andrzejewski – drums

LISA WULFF QUARTETT

Das Lisa Wulff Quartett spielt contemporary Jazz in klassischer Quartett Besetzung. Mit dem Saxophonisten Adrian Hanack, dem Schlagzeuger Silvan Strauß und dem Pianisten Frank Chastenier hat die Bassistin und Bandleaderin sich ein buntes Quartett aus eigensinnigen Musikern zusammen gestellt, die Ihren Kompositionen die richtigen Farben verleihen. Seit 2014 arbeiten die drei Musiker kontinuierlich daran ihren gemeinsamen Sound weiter zu entwickeln, zu experimentieren und sich dabei stets auf neue Wege und Abenteuer einzulassen. Frank Chastenier bringt mit seiner Erfahrung und seinem einzigartigen Spiel eine faszinierende neue Facette hinzu, die den Bandklang in neue Sphären hebt.
Von Groove und Swing, bis hin zu freien, klangmalerischen Improvisationen oder klassisch anmutenden Werken ist bei Lisa Wulffs Kompositionen alles möglich.
Zusammen mit dem Schlagzeuger Silvan Strauß, der als Sideman (u.a. Nils Landgren, Maria Joao) und Bandleader (Toy Toy) längst kein Unbekannter mehr ist, dem Pianist Frank Chastenier, der als Solist zahlreiche Preise gewann, 25 Jahre lang Mitglied der WDR Bigband war und mit Größen wie Ray Brown spielte, und dem Saxophonisten Adrian Hanack (u.A. Meute, we don’t suck we blow), der von avantgardistischen Soli, bis hin zu phantasievoll luftige Balladeninterpretationen immer für Überraschungen sorgt, bildet die Bassistin Lisa Wulff, mit ihrem warmen Kontrabass- und Sopranbassklang, mitreißenden Grooves und lyrischen Soli, eine starke Einheit.
Die gebürtige Hamburgerin, die an der Musikhochschule Bremen und Hamburg bei Detlev Beier und Lucas Lindholm Bass studierte, gewann 2016 mit ihrem Quartett den Jazz Baltica Förderpreis und brachte im Zuge dessen ihr erstes Album „Encounters“ heraus, das gleich für den ECHO Jazz nominiert wurde. 2018 erschien das aktuelle Album der Band – „wondrous strange“ – bei LAIKA Records. 2019 wurde Lisa Wulff für Ihre musikalische Arbeit und das Engagement für die Hamburger Jazzszene mit dem Hamburger Jazzpreis ausgezeichnet.
Neben ihren eigenen Bands und Projekten ist Lisa Wulff am E-Bass, wie auch am Kontrabass regelmäßig bei der NDR Bigband zu hören und tourt national und international unter anderem mit Künstlern wie Nils Landgren, Christof Lauer, Rolf Kühn, Hans Lüdemann und Caecilie Norby.

Frank Chastenier – Piano
Adrian Hanack – Saxophone
Lisa Wulff – Bass
Silvan Strauß – Drums
Foto Lisa©Anne de Wolff
Foto Lisa & Band©Lena Müller

ARNE JANSEN & STEPHAN BRAUN
«GOING HOME»
HERZOG RECORDS CD RELEASE CONCERT

Der Duft der Kindheit. Das tröstliche Gutenachtlied der Eltern. Der erste Kuss. Wie großartig wäre es, könnte man die magischen Eindrücke des noch jungen Lebens für immer konservieren! Nicht in Form eines entfärbten Schnappschusses, sondern in seiner ganzen emotionalen Essenz. Gewissermaßen als „Explosion im Herzen“, wie es im Text des Dire- Straits-Songs „Romeo & Juliet“ heißt.
Woran die Neurowissenschaft im Silicon Valley möglicherweise noch fieberhaft experimentiert, ist dem Gitarristen Arne Jansen und dem Cellisten Stephan Braun mit ihrem Album „Going Home“ bereits gelungen – die Zuhörenden unmittelbar teilhaben lassen am Zauber des ersten Mals. Als man nur Gefühl war und ohne Vorurteile. So wie Arne Jansen in jenem Dänemark-Urlaub Mitte der 1980er Jahre, der mit einer herben Enttäuschung begonnen hatte.
Eine Zufallsbegegnung mit Langzeitfolgen: „Der Song ,Telegraph Road’ ist der Grund, warum ich angefangen habe, Gitarre zu spielen“, erzählt Jansen. Was ein enormes Glück für die hiesige Musikszene war. „Einen Jazzgitarristen vom Format des Berliners Arne Jansen hat es in Deutschland seit Jahrzehnten nicht mehr gegeben. Vielleicht noch nie“, urteilte etwa das Fachmagazin Jazzthetik über Jansens spartensprengende Fähigkeiten auf seinem Instrument, die ihm unter anderem zwei Auszeichnungen mit dem „ECHO Jazz“ für die Alben „The Sleep of Reason – Ode to Goya“ und „Nine Firmaments“ einbrachten.
„Going Home“ ist nun die persönlichste Einspielung des Gitarristen, den man u.a. als kongenialen Saitenpartner des Trompeters Nils Wülker kennt. Jansen nimmt die Zuhörenden mit auf eine Reise zu den Wurzeln seiner Musikbegeisterung. Und lässt sie mit jedem nuancenreichen Ton spüren, was ihm die Dire Straits und ihr gitarristischer Kopf Mark Knopfler einst bedeuteten und welche fein verästelten Seeleneindrücke sie bei ihm hinterlassen haben.

In dem Cellisten und Bassisten Stephan Braun, mit dem er seit über 20 Jahren musikalisch und freundschaftlich eng verbunden ist, hat Jansen einen gleichermaßen überraschenden wie perfekten Duett-Partner für die originellen kammer-jazzrockigen Umdeutungen der Songs seiner Jugend gefunden.
Denn Braun ist ein Ein-Mann-Orchester, der dank einer zusätzlichen tiefen Saite auf dem Cello, ungewöhnlicher perkussiver Spieltechniken und großem improvisatorischem Geschick die Funktionen einer ganzen Band zu übernehmen vermag (wer sich das anschauen möchte, sollte auf YouTube unbedingt mal nach Brauns atemberaubenden „Somewhere Over the Rainbow“-Live-Versionen mit US-Gesangsstar Melody Gardot suchen).

Klar ist: So wie auf „Going Home“ hat man die bekanntesten Lieder der erfolgreichsten britischen Rock-Gruppe der 1980er Jahre noch nie gehört. Das geht sogar so weit, dass man die millionenfach verkauften Gassenhauer stellenweise kaum oder erst ganz spät erkennt und sie dadurch ganz neu für sich entdecken kann – sei es „Money for Nothing“, das als Walzer mit einem gewissen Wüsten-Rock-Twang wiedergeboren wird, sei es das unglaublich lässig tänzelnde „Sultans of Swing“ oder das beinahe schon clubbig-psychedelisch daherkommende „Calling Elvis“.
Als besonders eindrücklich erweist sich neben Jansens Solo-Vortrag des Titelstücks mit seiner feinen Chord-Melody-Poesie die stille Duo-Lesart des Welthits „Brothers in Arms“. Zu Letzterem hat Jansen eine spezielle Verbindung – 2012 spielte er die Nummer mit seinem Trio beim Konzert im Rahmen des Koktebel Jazz Festivals auf der Krim, die damals noch ukrainisch war. „Das war ein ganz bewegender Moment, es gab richtige Verbrüderungsszenen danach“, erzählt der Gitarrist, „da merkt man: Mark Knopfler schafft es, Songs zu schreiben, in denen sich tiefere Wahrheiten verbergen, die etwas in den Menschen überall auf der Welt zum Klingen bringt.“
In früheren Tagen habe er sich vor der Jazzkollegenschaft immer ein wenig für seinen musikalischen Jugendschwarm geschämt, gesteht Jansen lachend. Zumal die Dire Straits nicht nur in Jazzkreisen im Ruf standen, ziemlich uncool und bloß ein Fall für zauselige Englischlehrer zu sein. Doch eine Urlaubsreise, bei der er ausschließlich Miles Davis und Mark Knopfler hörte, machte dem vor den Toren Berlins lebenden Gitarristen bewusst: Seine beiden Heroen Miles und Mark verbindet mehr, als man landläufig denkt. Vor allem, was die Gabe angeht, mit ganz wenigen Tönen eine zutiefst persönliche Geschichte zu erzählen.

«Da gibt jemand wirklich etwas von sich preis. Genau das ist es, was mich mittlerweile interessiert – dass der Zuhörerin oder dem Zuhörer klar wird, was für eine Bedeutung das Gespielte für dich hat. Und darum geht es auch auf diesem Album: Auf dem Instrument zu singen.»
Arne Jansen

ARNE JANSEN – GUITAR
STEPHAN BRAUN – CELLO
Foto©Joerg Steinmetz

Wolfgang Lackerschmid
And The Brazilian Trio Meets: Paulo Morello
Feat: Hélio Alves-Nilson Matta-Duduka da Fonseca

Wie ein roter Faden zieht sich durch Wolfgang Lackerschmids musikalische Karriere die Liebe zur brasilianischen Musik.
Ob in seiner Zeit in den USA oder bei Tourneen durch Europa, immer wieder finden sich Größen des Brazil- und Latin-Jazz wie Romero Lubambo, Claudio Roditi, Dom um Romao oder Paquito D`Rivera zu Bandprojekten des Vibraphonisten ein und spielen neben traditioneller Literatur auch die von brasilianischer Rhythmik und Form beeinflussten Kompositionen Lackerschmids.
Die Zusammenarbeit mit dem Brazilian Trio war somit nur eine Frage der Zeit.
Die drei in New York lebenden Musiker des brasilianischen Trios verfügen jeder für sich über einen beeindruckenden Lebenslauf. Ob als Sideman oder Bandleader sind sie alle führende Vertreter des brasilianischen Jazz.
Das Repertoire dieser neu entstandenen Band ist eine Mischung aus Eigenkompositionen der Bandmitglieder und Werken aus dem reichhaltigen Schatz des Samba- und Brazil-Jazz.

Wolfgang Lackerschmid – vibes ist seit den siebziger Jahren gleichermaßen als Vibraphon-Virtuose und Komponist erfolgreich. Besondere Aufmerksamkeit erfuhren u.a. seine legendären Duoaufnahmen mit Chet Baker sowie seine Zusammenarbeit mit Attila Zoller. Von Lackerschmid stammen zahlreiche Songs und Jazztitel, die sich im Repertoire vieler seiner Kollegen etabliert haben, weiterhin konzertante Werke für Orchester, Chor und viele andere Formationen, sowie Musik für Theater, Film und Hörspiele. Künstler-Website

Hélio Alves – piano studierte Klavier am Berklee College of Music in Boston. Auf Anraten von Claudio Roditi zog er nach New York City. Er arbeitete als Mitglied von Santi Debrianos Circlechant und bei Paquito D’Rivera, Joyce Morena, Dave Samuels, Gato Barbieri, Paul Peress, Airto Moreira und Herbie Mann. Zwischen 1995 und 1997 tourte er mit Joe Hendersons Double Rainbow Quartet. 2003 war er an mehreren Alben beteiligt, die einen Grammy gewannen: Yo-Yo Mas Obrigado Brasil, Joe Hendersons Big Band and Paquito D’Riveras Brazilian Dreams.

Nilson Matta – bass kam 1970 zum Bass-Studium nach Rio de Janeiro und arbeitete ab Anfang der 1980er Jahre mit Musikern wie João Bosco, Hermeto Pascoal, Chico Buarque oder Luis Bonfa. Nach seinem Umzug nach New York 1985 spielte er u. a. mit Paquito D’Rivera, Don Pullens African-Brazilian Connection, Paul Winter/Oscar Castro-Neves, Kenny Barron, Cyro Baptista, Joe Henderson und Yo-Yo Ma. Mit Romero Lubambo und Duduka da Fonseca bildete er 1989 das Trio da Paz.

Duduka da Fonseca – drums begann im Alter von zwölf Jahren Schlagzeug zu spielen und trat bereits drei Jahre später mit bekannten brasilianischen Musikern auf. Nach einer Ausbildung am Villa Lobos Institut in Rio, bei Pro Arte und der Musikschule Guerra Peixe zog er 1975 nach New York City, wo er Mitglied verschiedener Formationen wurde, wie etwa Brazilian Express, The New York Samba Band und The Brazilian Jazz All Stars, denen u.a. Bob Mintzer, Eliane Elias und Randy Brecker angehörten. 1989 gründete er mit Romero Lubambo und Nilson Matta das Trio da Paz, welches bis heute besteht. Sein Album Samba Jazz Fantasia wurde 2002 für einen Grammy nominiert.

Paulo Morello gilt als einer der vielseitigsten Jazzgitarristen Europas. Zusammen mit der Grammy-Gewinnerin Leny Andrade oder dem Bossa Nova-Urvater Johnny Alf gastierte Morello auf den bedeutendsten Europäischen und Südamerikanischen Jazz Festivals. Seine Feuertaufe im Hammond-Trio bestand er als Sideman des legendären Jimmy Smith, den er auf dessen letzter Europa-Tournee begleitete.
Mit seinem Trio „Hammond Eggs“ tourte Morello international mit den Solisten Randy Brecker und Bob Mintzer. Im erfolgreichen Projekt „Night of Jazz Guitars“ spielte er mit Gitarrenlegenden wie dem späten Larry Coryell und Pat Martino.
Darüber hinaus arbeitete er mit Paul Kuhn, Billy Cobham, Airto Moreira, Ivan Lins, Raul de Souza, André Ceccarelli, Martin Taylor, Jim Mullen, Don Menza, Howard Alden, Roberta Gambarini und den Orchestern des WDR und des BR zusammen.
Aktuell konzertiert Morello ausgiebig mit seinem „Sambop“ Quartett, seinem Trio mit der belgischen Gitarrenlegende Philip Catherine und dem Duo mit dem schwedischen Gitarristen Ulf Wakenius.
Morello ist künstlerischer Direktor des Jazz Instituts Berlin und lehrt dort als Professor für Jazzgitarre.
„Paulo Morellos Gitarre klingt, als hätte es George Benson nach Rio de Janeiro verschlagen“, so die AZ München.

Wolfgang Lackerschmid – Vibraphone
Paulo Morello – Guitar
Hélio Alves – Piano
Nilson Matta – Bass
Duduka da Fonseca – Drums

Wolfgang Lackerschmid
And The Brazilian Trio Meets: Paulo Morello
Feat: Hélio Alves-Nilson Matta-Duduka da Fonseca

Wie ein roter Faden zieht sich durch Wolfgang Lackerschmids musikalische Karriere die Liebe zur brasilianischen Musik.
Ob in seiner Zeit in den USA oder bei Tourneen durch Europa, immer wieder finden sich Größen des Brazil- und Latin-Jazz wie Romero Lubambo, Claudio Roditi, Dom um Romao oder Paquito D`Rivera zu Bandprojekten des Vibraphonisten ein und spielen neben traditioneller Literatur auch die von brasilianischer Rhythmik und Form beeinflussten Kompositionen Lackerschmids.
Die Zusammenarbeit mit dem Brazilian Trio war somit nur eine Frage der Zeit.
Die drei in New York lebenden Musiker des brasilianischen Trios verfügen jeder für sich über einen beeindruckenden Lebenslauf. Ob als Sideman oder Bandleader sind sie alle führende Vertreter des brasilianischen Jazz.
Das Repertoire dieser neu entstandenen Band ist eine Mischung aus Eigenkompositionen der Bandmitglieder und Werken aus dem reichhaltigen Schatz des Samba- und Brazil-Jazz.

Wolfgang Lackerschmid – vibes ist seit den siebziger Jahren gleichermaßen als Vibraphon-Virtuose und Komponist erfolgreich. Besondere Aufmerksamkeit erfuhren u.a. seine legendären Duoaufnahmen mit Chet Baker sowie seine Zusammenarbeit mit Attila Zoller. Von Lackerschmid stammen zahlreiche Songs und Jazztitel, die sich im Repertoire vieler seiner Kollegen etabliert haben, weiterhin konzertante Werke für Orchester, Chor und viele andere Formationen, sowie Musik für Theater, Film und Hörspiele. Künstler-Website

Hélio Alves – piano studierte Klavier am Berklee College of Music in Boston. Auf Anraten von Claudio Roditi zog er nach New York City. Er arbeitete als Mitglied von Santi Debrianos Circlechant und bei Paquito D’Rivera, Joyce Morena, Dave Samuels, Gato Barbieri, Paul Peress, Airto Moreira und Herbie Mann. Zwischen 1995 und 1997 tourte er mit Joe Hendersons Double Rainbow Quartet. 2003 war er an mehreren Alben beteiligt, die einen Grammy gewannen: Yo-Yo Mas Obrigado Brasil, Joe Hendersons Big Band and Paquito D’Riveras Brazilian Dreams.

Nilson Matta – bass kam 1970 zum Bass-Studium nach Rio de Janeiro und arbeitete ab Anfang der 1980er Jahre mit Musikern wie João Bosco, Hermeto Pascoal, Chico Buarque oder Luis Bonfa. Nach seinem Umzug nach New York 1985 spielte er u. a. mit Paquito D’Rivera, Don Pullens African-Brazilian Connection, Paul Winter/Oscar Castro-Neves, Kenny Barron, Cyro Baptista, Joe Henderson und Yo-Yo Ma. Mit Romero Lubambo und Duduka da Fonseca bildete er 1989 das Trio da Paz.

Duduka da Fonseca – drums begann im Alter von zwölf Jahren Schlagzeug zu spielen und trat bereits drei Jahre später mit bekannten brasilianischen Musikern auf. Nach einer Ausbildung am Villa Lobos Institut in Rio, bei Pro Arte und der Musikschule Guerra Peixe zog er 1975 nach New York City, wo er Mitglied verschiedener Formationen wurde, wie etwa Brazilian Express, The New York Samba Band und The Brazilian Jazz All Stars, denen u.a. Bob Mintzer, Eliane Elias und Randy Brecker angehörten. 1989 gründete er mit Romero Lubambo und Nilson Matta das Trio da Paz, welches bis heute besteht. Sein Album Samba Jazz Fantasia wurde 2002 für einen Grammy nominiert.

Paulo Morello gilt als einer der vielseitigsten Jazzgitarristen Europas. Zusammen mit der Grammy-Gewinnerin Leny Andrade oder dem Bossa Nova-Urvater Johnny Alf gastierte Morello auf den bedeutendsten Europäischen und Südamerikanischen Jazz Festivals. Seine Feuertaufe im Hammond-Trio bestand er als Sideman des legendären Jimmy Smith, den er auf dessen letzter Europa-Tournee begleitete.
Mit seinem Trio „Hammond Eggs“ tourte Morello international mit den Solisten Randy Brecker und Bob Mintzer. Im erfolgreichen Projekt „Night of Jazz Guitars“ spielte er mit Gitarrenlegenden wie dem späten Larry Coryell und Pat Martino.
Darüber hinaus arbeitete er mit Paul Kuhn, Billy Cobham, Airto Moreira, Ivan Lins, Raul de Souza, André Ceccarelli, Martin Taylor, Jim Mullen, Don Menza, Howard Alden, Roberta Gambarini und den Orchestern des WDR und des BR zusammen.
Aktuell konzertiert Morello ausgiebig mit seinem „Sambop“ Quartett, seinem Trio mit der belgischen Gitarrenlegende Philip Catherine und dem Duo mit dem schwedischen Gitarristen Ulf Wakenius.
Morello ist künstlerischer Direktor des Jazz Instituts Berlin und lehrt dort als Professor für Jazzgitarre.
„Paulo Morellos Gitarre klingt, als hätte es George Benson nach Rio de Janeiro verschlagen“, so die AZ München.

Wolfgang Lackerschmid – Vibraphone
Paulo Morello – Guitar
Hélio Alves – Piano
Nilson Matta – Bass
Duduka da Fonseca – Drums

ADA MORGHE & BAND
RELEASE KONZERT «LOST»

Ada Morghe alias Alexandra Helmig ist ein „wahres Multitalent“ (rbb) Schauspielerin, preisgekrönte Autorin und eine der faszinierendsten Künstlerinnen Deutschlands.
Mit ihrem neuen Album LOST (VÖ 24. Feb. 2023) erschafft Ada Morghe eine Welt, deren Geschichten uns auf eine epische Reise der vier Elemente und deren Ursprünge entführen. Ein konzeptionelles und gesangliches Meisterwerk, das sich stilistisch zwischen Drum ´n Bass, Funk, Soul und Jazz bewegt und von Ada Morghes markant rauchiger Stimme getragen wird.
Bereits mit ihrem Debütalbum PICTURES (2019), das nach kurzer Zeit eine Million Streams feierte, beeindruckte die Sängerin Presse und Fans. Ihr Nachfolgealbum BOX (2020) wurde von JAZZTHING als “das Beste, was man derzeit auf dem Singer-Songwriter Sektor hören kann“ gekürt.
Auf ihrer Release-Tour wird Ada Morghe von ihrer Londoner Weltklasse-Band begleitet!
Mit immenser Musikalität und Spielfreude begeistern die Sängerin und ihre Band das Publikum. Ein Abend der musikalischen Extraklasse.

«Ada Morghe sings and recites in an intoxicating style that hints at Marianne Faithfull, Grance Jones and Nina Simone.»
DAILY EXPRESS SCOTLAND 2023

Ada Morghe – Piano, Vocals

Livingstone Brown – Bass
Luca Boscagin – Guitar
Gavin Holligan – Keys
Christopher Taggart – Drums
Matthias Lindermayr – Trumpet

Foto©lindarosasaal

Maria Baptist
A-Trane Summerweek
DAY1: Maria Baptist Trio

Die ersten beiden Konzerte der Summerweek beginnen mit dem Maria Baptist Trio, bevor es danach mit zahlreichen Gästen aus Maria Baptists Jazz Orchester weitergeht.
»Maria Baptists rhapsodischer, frei fließender Klavierstil erinnert an Bill Evans & Keith Jarrett« schreibt das amerikanische DOWNBEAT Magazin über die Pianistin und Komponistin. Zwischen Hong Kong und New York, konzertierte sie in über 20 Ländern und zählt zu den erfolgreichsten Exporten des Berliner Jazz.
Das Trio bildet das Fundament von Maria Baptists Ensemble-Arbeit. Ihre Rhythmusgruppe mit Fabian Timm (Bass) und Heinz Lichius (Schlagzeug) ist in jeder ihrer Bandkonstellationen zu finden.
Das Trio etablierte sich zu einem der aufregendsten Jazz-Formationen aus Deutschland. Hier trifft »klassisch geprägter Kammer-Jazz« (All About Jazz) auf »Coltrane-Power« (Jazzthing), »Zeitlosigkeit« (Frankfurter Rundschau) auf »Klarheit und Subtilität« (Downbeat). Das Ensemble erschafft »tiefe Klangwelten, die so selten in Europa zu hören sind« (Jazz- Fun).

Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)
Fotos©Maria Baptist Music

Maria Baptist
A-Trane Summerweek
DAY2: Maria Baptist Trio

Die ersten beiden Konzerte der Summerweek beginnen mit dem Maria Baptist Trio, bevor es danach mit zahlreichen Gästen aus Maria Baptists Jazz Orchester weitergeht.
»Maria Baptists rhapsodischer, frei fließender Klavierstil erinnert an Bill Evans & Keith Jarrett« schreibt das amerikanische DOWNBEAT Magazin über die Pianistin und Komponistin. Zwischen Hong Kong und New York, konzertierte sie in über 20 Ländern und zählt zu den erfolgreichsten Exporten des Berliner Jazz.
Das Trio bildet das Fundament von Maria Baptists Ensemble-Arbeit. Ihre Rhythmusgruppe mit Fabian Timm (Bass) und Heinz Lichius (Schlagzeug) ist in jeder ihrer Bandkonstellationen zu finden.
Das Trio etablierte sich zu einem der aufregendsten Jazz-Formationen aus Deutschland. Hier trifft »klassisch geprägter Kammer-Jazz« (All About Jazz) auf »Coltrane-Power« (Jazzthing), »Zeitlosigkeit« (Frankfurter Rundschau) auf »Klarheit und Subtilität« (Downbeat). Das Ensemble erschafft »tiefe Klangwelten, die so selten in Europa zu hören sind« (Jazz- Fun).

Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)
Fotos©Maria Baptist Music

Maria Baptist
A-Trane Summerweek
DAY3: Maria Baptist Trio plus Guests

Am dritten Abend der Summerweek lädt das Trio zwei Gäste aus Maria Baptists Jazz Orchester ein: Tenor-Saxophonist Patrick Hamacher und Maria Baptists langjähriger musikalischer Partner Jan von Klewitz am Alt- Saxophon werden die Band jeweils in einem Set zum Quartett erweitern.
»Maria Baptists rhapsodischer, frei fließender Klavierstil erinnert an Bill Evans & Keith Jarrett« schreibt das amerikanische DOWNBEAT Magazin über die Pianistin und Komponistin. Zwischen Hong Kong und New York, konzertierte sie in über 20 Ländern und zählt zu den erfolgreichsten Exporten des Berliner Jazz.
Das Trio bildet das Fundament von Maria Baptists Ensemble-Arbeit. Ihre Rhythmusgruppe mit Fabian Timm (Bass) und Heinz Lichius (Schlagzeug) ist in jeder ihrer Bandkonstellationen zu finden.
Das Trio etablierte sich zu einem der aufregendsten Jazz-Formationen aus Deutschland. Hier trifft »klassisch geprägter Kammer-Jazz« (All About Jazz) auf »Coltrane-Power« (Jazzthing), »Zeitlosigkeit« (Frankfurter Rundschau) auf »Klarheit und Subtilität« (Downbeat). Das Ensemble erschafft »tiefe Klangwelten, die so selten in Europa zu hören sind« (Jazz- Fun).

Erstes Set:
Patrick Hamacher (Tenor-Sax)
Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)

Zweites Set:
Jan von Klewitz (Alto-Sax)
Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)
Fotos©Maria Baptist Music

Maria Baptist
A-Trane Summerweek

DAY4: Maria Baptist Trio plus Guests

Am vierten Abend der Summerweek lädt das Trio zwei Gäste aus Maria Baptists Jazz Orchester ein: Bariton-Saxophonist Nik Leistle und Tenor- Saxophonist Bernhard Ullrich werden die Band jeweils in einem Set zum Quartett erweitern.
»Maria Baptists rhapsodischer, frei fließender Klavierstil erinnert an Bill Evans & Keith Jarrett« schreibt das amerikanische DOWNBEAT Magazin über die Pianistin und Komponistin. Zwischen Hong Kong und New York, konzertierte sie in über 20 Ländern und zählt zu den erfolgreichsten Exporten des Berliner Jazz.
Das Trio bildet das Fundament von Maria Baptists Ensemble-Arbeit. Ihre Rhythmusgruppe mit Fabian Timm (Bass) und Heinz Lichius (Schlagzeug) ist in jeder ihrer Bandkonstellationen zu finden.
Das Trio etablierte sich zu einem der aufregendsten Jazz-Formationen aus Deutschland. Hier trifft »klassisch geprägter Kammer-Jazz« (All About Jazz) auf »Coltrane-Power« (Jazzthing), »Zeitlosigkeit« (Frankfurter Rundschau) auf »Klarheit und Subtilität« (Downbeat). Das Ensemble erschafft »tiefe Klangwelten, die so selten in Europa zu hören sind« (Jazz- Fun).

Erstes Set:
Nik Leistle (Bariton-Sax)
Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)

Zweites Set:
Bernhard Ullrich (Tenor-Sax)
Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)
Fotos©Maria Baptist Music

Maria Baptist
A-Trane Summerweek

DAY5: Maria Baptist Trio plus Guests

Am finalen Abend der Summerweek lädt das Trio zwei Gäste aus Maria Baptists Jazz Orchester ein: Posaunist Geoffroy de Masure und Tenor-Saxophonist Richard Maegraith werden die Band jeweils in einem Set zum Quartett erweitern.

»Maria Baptists rhapsodischer, frei fließender Klavierstil erinnert an Bill Evans & Keith Jarrett« schreibt das amerikanische DOWNBEAT Magazin über die Pianistin und Komponistin. Zwischen Hong Kong und New York, konzertierte sie in über 20 Ländern und zählt zu den erfolgreichsten Exporten des Berliner Jazz.
Das Trio bildet das Fundament von Maria Baptists Ensemble-Arbeit. Ihre Rhythmusgruppe mit Fabian Timm (Bass) und Heinz Lichius (Schlagzeug) ist in jeder ihrer Bandkonstellationen zu finden.
Das Trio etablierte sich zu einem der aufregendsten Jazz-Formationen aus Deutschland. Hier trifft »klassisch geprägter Kammer-Jazz« (All About Jazz) auf »Coltrane-Power« (Jazzthing), »Zeitlosigkeit« (Frankfurter Rundschau) auf »Klarheit und Subtilität« (Downbeat). Das Ensemble erschafft »tiefe Klangwelten, die so selten in Europa zu hören sind« (Jazz- Fun).

Erstes Set:
Geoffroy de Masure (Trombone)
Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)

Zweites Set:
Richard Maegraith (Tenor-Sax)
Maria Baptist (Piano & Comp)
Fabian Timm (Bass)
Heinz Lichius (Drums)
Fotos©Maria Baptist Music

SEAN HAEFELI
«JUST BENEATH A DREAM»

Der in Indianapolis geborene und in Berlin lebende Jazzpoet, Sänger, Emcee und Pianist Sean Haefeli veröffenlichte 2002 mit sein erstes Album. Seitdem hat er sich einen Ruf als versierter Texter, hochqualifizierter Pianist und vielseitiger Sänger erworben. Der Autor Kalamu ya Salaam beschreibt ihn als “eine Kreuzung zwischen Ezra Pound in der Metro und einem alternativen Spoken Word unten in der Green Mill in Chicago. Er nimmt unerwartete Wendungen, setzt Texte, die man zumindest hören muss, um die diskutierten Tiefen zu entschlüsseln. Manchmal schwingt es, manchmal groovt es, aber es geht immer etwas Emotionales vor sich.” Seine Musik, unverkennbar zeitgenössisch, überbrückt den Graben zwischen Klassik und Moderne.

Sean Haefeli – Piano – Keyboards – Vocals
Ori Jacobson – Saxophone
Francesco Beccaro – Bass
Genius Wesley – Drums

A-TRANE PRESENTS:
CELEBRATING 20 YEARS OF JULIA HÜLSMANN TRIO
TODAY:
JULIA HÜLSMANN TRIO WITH GUEST: DANIEL MATTAR

Julia Hülsmann und ihr Trio sind aus dem deutschen Jazz nicht wegzudenken: seit nunmehr über 20 Jahren gibt es diese Formation, und sie hat Eindrücke hinterlassen. Julia Hülsmann weist darauf hin, dass ihre beiden langjährigen Partner im Trio, Bassist Marc Muellbauer und Schlagzeuger Heinrich Köbberling, in die meisten dieser Aktivitäten eingebunden waren. Zudem unternahm das Julia Hülsmann Trio zwischendrin immer wieder weite Reisen – etwa in die USA, nach Kanada, Peru, Zentralasien und China – «da hat sich bei uns etwas verändert. Auf Reisen gewinnt man ja ohnehin häufig neue Perspektiven, und auch unter langjährigen Vertrauten erlebt man sich gegenseitig nochmal anders. Das hat uns geholfen, musikalisch nochmal auf eine neue Ebene zu kommen.»
In vielen ihrer Projekte hat Julia Hülsmann sich auf Lyrik bzw. Songs bezogen und mit Sängerinnen oder Sängern zusammengearbeitet – im weiten thematischen Spektrum von William Shakespeare bis zu Kurt Weill. Wenn sie sich zwischenzeitlich immer wieder ganz auf ihr Trio konzentriert, so beweist sie – ganz ohne Worte – ihre Stärke als eine Poetin des Klanges, als eine Lyrikerin des Jazzpianos. Sie ist dann „mit den eindringlichen Melodielinien ihrer rechten Hand sozusagen ihre eigene Sängerin

«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
Rondo
«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
Weltwoche, Rüedi

DANIEL MATTAR
Mattar ist auch Arrangeur und Komponist.
In den Jahren 2006 bis 2009 tourte er mit dem „Julia Hülsmann Trio“ als Nachfolger Roger Ciceros durch Deutschland und Europa. Mit dem Pianisten Tim Sund tourte er 2007 durch Mexiko. Bei dieser Zusammenarbeit entstand die CD “A Mexican Story”, deren Release das Eröffnungskonzert des „Eurojazzfestival 2007“ in Mexiko-City bestritt.
Seit früher Kindheit widmete sich Daniel Mattar der Improvisation singend und am Klavier und stieß später unweigerlich auf Jazz. Das Jazzstudium an der „Universität der Künste“ in Berlin gab seinem Talent dann eine Form und einen Ort. Er arbeitete mit Jon Taylor, Bobby Mc Ferrin, Rinde Eckert, Judy Niemack, Jerry Granelli, Peter Fessler, Jay Clayton, u.a. und gründete mit Céline Rudolph, Britta Flechsenhar und Michael Schiefel die A-Capella Formation Mosaiq, mit der er Touren in Deutschland und dem europäischen Ausland bestritt.

JULIA HÜLSMANN – PIANO
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS
GUEST: DANIEL MATTAR – VOCAL

Foto©j.l.diehl

A-TRANE PRESENTS:
CELEBRATING 20 YEARS OF JULIA HÜLSMANN TRIO
TODAY:
JULIA HÜLSMANN TRIO

Julia Hülsmann und ihr Trio sind aus dem deutschen Jazz nicht wegzudenken: seit nunmehr über 20 Jahren gibt es diese Formation, und sie hat Eindrücke hinterlassen. Julia Hülsmann weist darauf hin, dass ihre beiden langjährigen Partner im Trio, Bassist Marc Muellbauer und Schlagzeuger Heinrich Köbberling, in die meisten dieser Aktivitäten eingebunden waren. Zudem unternahm das Julia Hülsmann Trio zwischendrin immer wieder weite Reisen – etwa in die USA, nach Kanada, Peru, Zentralasien und China – «da hat sich bei uns etwas verändert. Auf Reisen gewinnt man ja ohnehin häufig neue Perspektiven, und auch unter langjährigen Vertrauten erlebt man sich gegenseitig nochmal anders. Das hat uns geholfen, musikalisch nochmal auf eine neue Ebene zu kommen.»
In vielen ihrer Projekte hat Julia Hülsmann sich auf Lyrik bzw. Songs bezogen und mit Sängerinnen oder Sängern zusammengearbeitet – im weiten thematischen Spektrum von William Shakespeare bis zu Kurt Weill. Wenn sie sich zwischenzeitlich immer wieder ganz auf ihr Trio konzentriert, so beweist sie – ganz ohne Worte – ihre Stärke als eine Poetin des Klanges, als eine Lyrikerin des Jazzpianos. Sie ist dann „mit den eindringlichen Melodielinien ihrer rechten Hand sozusagen ihre eigene Sängerin

«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
Rondo
«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
Weltwoche, Rüedi

JULIA HÜLSMANN – PIANO
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS

Foto©Beushausen

A-TRANE PRESENTS:
CELEBRATING 20 YEARS OF JULIA HÜLSMANN TRIO
TODAY:
JULIA HÜLSMANN TRIO WITH GUESTS: MIA KNOP JACOBSEN & METTE NADJA HANSEN

Julia Hülsmann und ihr Trio sind aus dem deutschen Jazz nicht wegzudenken: seit nunmehr über 20 Jahren gibt es diese Formation, und sie hat Eindrücke hinterlassen. Julia Hülsmann weist darauf hin, dass ihre beiden langjährigen Partner im Trio, Bassist Marc Muellbauer und Schlagzeuger Heinrich Köbberling, in die meisten dieser Aktivitäten eingebunden waren. Zudem unternahm das Julia Hülsmann Trio zwischendrin immer wieder weite Reisen – etwa in die USA, nach Kanada, Peru, Zentralasien und China – «da hat sich bei uns etwas verändert. Auf Reisen gewinnt man ja ohnehin häufig neue Perspektiven, und auch unter langjährigen Vertrauten erlebt man sich gegenseitig nochmal anders. Das hat uns geholfen, musikalisch nochmal auf eine neue Ebene zu kommen.»
In vielen ihrer Projekte hat Julia Hülsmann sich auf Lyrik bzw. Songs bezogen und mit Sängerinnen oder Sängern zusammengearbeitet – im weiten thematischen Spektrum von William Shakespeare bis zu Kurt Weill. Wenn sie sich zwischenzeitlich immer wieder ganz auf ihr Trio konzentriert, so beweist sie – ganz ohne Worte – ihre Stärke als eine Poetin des Klanges, als eine Lyrikerin des Jazzpianos. Sie ist dann „mit den eindringlichen Melodielinien ihrer rechten Hand sozusagen ihre eigene Sängerin

«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
Rondo
«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
Weltwoche, Rüedi

MIA KNOP JACOBSEN
Mia Knop Jacobsen ist eine dänische Sängerin, Komponistin und Musikproduzentin, welche sich durch ihre Fusion von Pop, Jazz und elektronischer Musik und ihrer klaren und ausdrucksstarken Stimme internationale Anerkennung erlangt hat.In Berlin lebende dänische Sängerin/Komponistin, die sowohl im Jazz als auch im Al- ternative Rock/Pop zuhause ist, mit ihren eigenen Projekten international unterwegs ist und auch als Backing Vocal mit Musikern wie Quincy Jones, George Benson und Jacob Collier auf der Bühne stand.
Mia lebt derzeit in Berlin und ist Gründungsmitglied des alternativen Trash Pop Trios Rosemarine. Dessen gleichnamiges Debüt Album wurde in dem bekannten Eastcote Studios in London aufgenommen und 2019 auf dem amerikanischen Plattenlabel Ropeadope veröffentlicht. Release feierte die Band bei dem XJazz Festival Berlin 2019 im Privat Club. Mia ist außerdem Mitglied des Jazz Trios Last Chance to Misbehave zusammen mit der ECM Künstlerin Julia Hülsmann und der internationalen avantgardistischen türkischen Sängerin Ayse Cansu Tanrikulu.

METTE NADJA HANSEN
Die dänische Sängerin Mette Nadja Hansen wurde im Alter von zehn Jahren vom „Danish National Girls Choir” entdeckt und ausgebildet. Bald hat sie sich zum Jazz hingezogen gefühlt und erhielt Unterricht bei der dänischen Trompeten-Jazzlegende Thomas Fryland und der Sängerin Veronica Mortensen. Inspiriert von deren Virtuosität und Leidenschaft für die Musik zählen Jazzsänger*innen wie Ella Fitzgerald, Louis Armstrong und Sarah Vaughn zu ihren musikalischen Vorbildern.
Nach einem zweijährigen Studium an der „Skurups Folkshögskola“ in Schweden kam sie 2013 an das Jazz-Institut Berlin, wo sie Unterricht von Judy Niemack, Kurt Rosenwinkel, Tino Derado und Greg Cohen erhielt und 2017 ihren Bachelor Abschluss gemacht hat. Außerdem entwickelte sie eine große Leidenschaft für das Percussion-Spiel und lernt brasilianischen und afro-kubanischen Percussion bei Javier Reyes.
Neben ihrer Hingabe zum Old-School Swing Jazz bedient sie ein weites musikalisches Spektrum. So singt sie z. B. seit 2016 mit dem brasilianischen „Mariana Zwarg Sexteto Universal“, welches von Legenden wie Hermeto Pascoal und Itebere Zwarg unterstützt wird und bereits in Brasilien, Frankreich, Finnland, Deutschland und Dänemark tourte.
Außerdem arbeitete sie während ihrer Karriere mit Künstlern und Ensembles wie Snorre Kirk, Carsten Dahl, Alex Riel, Jesper Løvdal, Simon Thorsen, Greg Cohen, Christian von der Goltz Trio, Markus Ehrlich’s Flexible Eingreiftruppe, Johannes von Ballestrem, Marc Doffey Quintett, Fyodor Stephanov’s Legion Live in Us, Savoy Satellites u. a.

JULIA HÜLSMANN – PIANO
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS
GUESTS:
MIA KNOP JACOBSEN – VOCAL
METTE NADJA HANSEN – VOCAL

Foto Julia Hülsmann Trio©j.l.diehl

A-TRANE PRESENTS DAY4:
CELEBRATING 20 YEARS OF JULIA HÜLSMANN TRIO
TODAY: JULIA HÜLSMANN QUARTETT
GUESTS: HILDEGUNN ØISETH & YUMI ITO

ÜBER JULIA HÜLSMANN TRIO:

Julia Hülsmann und ihr Trio sind aus dem deutschen Jazz nicht wegzudenken: seit nunmehr über 20 Jahren gibt es diese Formation, und sie hat Eindrücke hinterlassen. Julia Hülsmann weist darauf hin, dass ihre beiden langjährigen Partner im Trio, Bassist Marc Muellbauer und Schlagzeuger Heinrich Köbberling, in die meisten dieser Aktivitäten eingebunden waren. Zudem unternahm das Julia Hülsmann Trio zwischendrin immer wieder weite Reisen – etwa in die USA, nach Kanada, Peru, Zentralasien und China – «da hat sich bei uns etwas verändert. Auf Reisen gewinnt man ja ohnehin häufig neue Perspektiven, und auch unter langjährigen Vertrauten erlebt man sich gegenseitig nochmal anders. Das hat uns geholfen, musikalisch nochmal auf eine neue Ebene zu kommen.»
In vielen ihrer Projekte hat Julia Hülsmann sich auf Lyrik bzw. Songs bezogen und mit Sängerinnen oder Sängern zusammengearbeitet – im weiten thematischen Spektrum von William Shakespeare bis zu Kurt Weill. Wenn sie sich zwischenzeitlich immer wieder ganz auf ihr Trio konzentriert, so beweist sie – ganz ohne Worte – ihre Stärke als eine Poetin des Klanges, als eine Lyrikerin des Jazzpianos. Sie ist dann „mit den eindringlichen Melodielinien ihrer rechten Hand sozusagen ihre eigene Sängerin

«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
Rondo
«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
Weltwoche, Rüedi

JULIA HÜLSMANN QUARTETT
Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen Stil. 2017 erschien das Album « Sooner and Later» (ECM). Für ihr siebtes Album bei ECM hatte die Pianistin eine neue Klangfarbe vor Augen, die Uli Kempendorff am Tenorsaxophon beisteuert. Mit seinem eigenen Formationen eher in der Avantgarde zuhause, verbieten jedoch Kempendorffs offener Geist und seine Neugier jedes Schubladendenken und jede Einordnung. Er ergänzt das Trio mit der kantigen und herben Schönheit seines Ton so gut, dass man meinen könnte, dieses Quartett hat schon immer so bestanden. Julia Hülsmann hat es wieder geschafft, sich gleichzeitig treu zu bleiben und ihren Bandsound auf ein neues Level zu heben. Was für eine freude, Zeuge dieser permanenten Transformation und Weiterentwicklung zu sein.
Hört man das neue Album des Julia Hülsmann Quartetts (VÖ 26.8.2022, ECM), drängt sich vor dem inneren Auge genau dieses Bild auf: vier durch ein starkes Band verbundene Teile, die in ihrer Bewegung dennoch frei und eigenständig sind, ohne aber den großen Zusammenhalt zu verlieren.
Das preisgekrönte Quartett der Pianistin und Komponistin – gleich für das erste Album „Not Far From Here“ gab es 2021 den Deutschen Jazzpreis für das beste Instrumentalalbum (national) – erreicht mit dem Nachfolger „The Next Door“ auch das nächste Level. Schwärmte man schon für den Quartett-Erstling, staunt man nun wie grazil und doch kraftvoll, wie transparent und auch dicht, wie minimalistisch und gleichzeitig komplex und vor allem wie vielfältig in kompositorischer und energetischer Hinsicht so ein Quartettalbum gelingen kann.
Unprätentiös. Das ist das Erste, was auf- und einfällt, wenn man The Next Door in das Abspielgerät seiner Wahl legt. Dann: Organisch. Als müsse hier jeder Ton, jeder Klang, von Natur aus genau so sein, wie er ist. Und: Offen. Denn das ist dieses Quartett, ein um Julia Hülsmann (Klavier), Marc Muellbauer (Bass) und Heinrich Köbberling (Schlagzeug) gewachsenes Trio eigentlich, das seit neunzehn Jahren zusammen spielt und schon immer gern den einen oder anderen Gast zum Mittun eingeladen, aber erst durch Tenorsaxophonist Uli Kempendorff zu einer echten Quartettform gefunden hat.

YUMI ITO
Yumi Ito ist eine Schweizer Sängerin, Songwriterin, Produzentin, Arrangeurin mit japanisch-polnischen Wurzeln und Sitz in Basel. Sie performt regelmässig auf der ganzen Welt und hat die Bühne mit Künstler*innen wie Al Jarreau, Becca Stevens, Kurt Rosenwinkel und Mark Turner geteilt. Ihre eigene Musik stellt ein Amalgam aus Jazz, Art-Pop, Electronica und Neoklassik dar, flexibel aufführbar vom Solo bis zum Orchester.

HILDEGUNN ØISETH
Hildegunn Øiseth plays on the horn that never runs dry, distinct and with a personal gusto that makes both untested and classic refrains quiver like new creations. After many years of traveling with her horn as companion in Africa, Asia and the Middle East, she returns home and allows the trumpet to sound playfully liberated. Surely a new wellspring in the cosmopolitan landscape of music.

JULIA HÜLSMANN – PIANO
ULI KEMPENDORFF – SAXOPHONE
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS
GUESTS:
HILDEGUNN ØISETH – TRUMPET
YUMI ITO – VOCAL
Foto Hülsmann Quartet©Peter Hundert

A-TRANE PRESENTS DAY5:
CELEBRATING 20 YEARS OF JULIA HÜLSMANN TRIO
TODAY: JULIA HÜLSMANN QUARTETT
GUEST: HEIDI BAYER

ÜBER JULIA HÜLSMANN TRIO:

Julia Hülsmann und ihr Trio sind aus dem deutschen Jazz nicht wegzudenken: seit nunmehr über 20 Jahren gibt es diese Formation, und sie hat Eindrücke hinterlassen. Julia Hülsmann weist darauf hin, dass ihre beiden langjährigen Partner im Trio, Bassist Marc Muellbauer und Schlagzeuger Heinrich Köbberling, in die meisten dieser Aktivitäten eingebunden waren. Zudem unternahm das Julia Hülsmann Trio zwischendrin immer wieder weite Reisen – etwa in die USA, nach Kanada, Peru, Zentralasien und China – «da hat sich bei uns etwas verändert. Auf Reisen gewinnt man ja ohnehin häufig neue Perspektiven, und auch unter langjährigen Vertrauten erlebt man sich gegenseitig nochmal anders. Das hat uns geholfen, musikalisch nochmal auf eine neue Ebene zu kommen.»
In vielen ihrer Projekte hat Julia Hülsmann sich auf Lyrik bzw. Songs bezogen und mit Sängerinnen oder Sängern zusammengearbeitet – im weiten thematischen Spektrum von William Shakespeare bis zu Kurt Weill. Wenn sie sich zwischenzeitlich immer wieder ganz auf ihr Trio konzentriert, so beweist sie – ganz ohne Worte – ihre Stärke als eine Poetin des Klanges, als eine Lyrikerin des Jazzpianos. Sie ist dann „mit den eindringlichen Melodielinien ihrer rechten Hand sozusagen ihre eigene Sängerin

«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
Rondo
«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
Weltwoche, Rüedi

JULIA HÜLSMANN QUARTETT
Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen Stil. 2017 erschien das Album « Sooner and Later» (ECM). Für ihr siebtes Album bei ECM hatte die Pianistin eine neue Klangfarbe vor Augen, die Uli Kempendorff am Tenorsaxophon beisteuert. Mit seinem eigenen Formationen eher in der Avantgarde zuhause, verbieten jedoch Kempendorffs offener Geist und seine Neugier jedes Schubladendenken und jede Einordnung. Er ergänzt das Trio mit der kantigen und herben Schönheit seines Ton so gut, dass man meinen könnte, dieses Quartett hat schon immer so bestanden. Julia Hülsmann hat es wieder geschafft, sich gleichzeitig treu zu bleiben und ihren Bandsound auf ein neues Level zu heben. Was für eine freude, Zeuge dieser permanenten Transformation und Weiterentwicklung zu sein.
Hört man das neue Album des Julia Hülsmann Quartetts (VÖ 26.8.2022, ECM), drängt sich vor dem inneren Auge genau dieses Bild auf: vier durch ein starkes Band verbundene Teile, die in ihrer Bewegung dennoch frei und eigenständig sind, ohne aber den großen Zusammenhalt zu verlieren.
Das preisgekrönte Quartett der Pianistin und Komponistin – gleich für das erste Album „Not Far From Here“ gab es 2021 den Deutschen Jazzpreis für das beste Instrumentalalbum (national) – erreicht mit dem Nachfolger „The Next Door“ auch das nächste Level. Schwärmte man schon für den Quartett-Erstling, staunt man nun wie grazil und doch kraftvoll, wie transparent und auch dicht, wie minimalistisch und gleichzeitig komplex und vor allem wie vielfältig in kompositorischer und energetischer Hinsicht so ein Quartettalbum gelingen kann.
Unprätentiös. Das ist das Erste, was auf- und einfällt, wenn man The Next Door in das Abspielgerät seiner Wahl legt. Dann: Organisch. Als müsse hier jeder Ton, jeder Klang, von Natur aus genau so sein, wie er ist. Und: Offen. Denn das ist dieses Quartett, ein um Julia Hülsmann (Klavier), Marc Muellbauer (Bass) und Heinrich Köbberling (Schlagzeug) gewachsenes Trio eigentlich, das seit neunzehn Jahren zusammen spielt und schon immer gern den einen oder anderen Gast zum Mittun eingeladen, aber erst durch Tenorsaxophonist Uli Kempendorff zu einer echten Quartettform gefunden hat.

HEIDI BAYER
«Nun, es bedarf keiner prophetischen Gabe, um vorherzusagen, dass die Musik- und Jazzwelt von der schon jetzt brillanten Trompeterin Heidi Bayer noch viel hören wird, immer Neues, immer Überraschendes, Faszinierendes auf ihren Instrumenten und mit ihren Bands, aber nie Gewohntes»
jazzzeitung.de
Dieser Satz hat sich spätestens bewahrheitet durch die Nominierung beim Deutschen Jazzpreis. Sie ist langjähriges Mitglied des  Subway Jazz Orchestras, von  Shannon Barnetts „Wolves & Mirrors“, Maria Portugals „Erosao“, dem Janning Trumann Nonett u.v.a..
Mit ihrem Duo Bayer//Scobel gewann sie 2018 den Folkwang Jazz Preis, 2020 erschien das Debut-Album ihres Quartetts „Virtual Leak“, und im April 2022 erschien ihr zweites Album als Bandleaderin mit ihrem neuen Quintett „KORSH“.
Seit 2020 ist sie NICA Artist.
Sie ist Dozentin für Jazz-Trompete, Bigband und Ensembleleitung an der Universität Oldenburg, an der Hochschule für Musik und Tanz Mannheim und vertretungsweise an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart.

JULIA HÜLSMANN – PIANO
ULI KEMPENDORFF – SAXOPHONE
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS
GUEST:
HEIDI BAYER – TRUMPET
Foto Hülsmann Quartet©Peter Hundert

LISA BASSENGE
«WILDFLOWERS»
CD RELEASE CONCERT
HERZOG RECORDS
FEAT: ANDREAS LANG & JACOB KARLZON

Lisa Bassenge ist zurück, und sie hat Blumen mitgebracht. Mit »Wildflowers« vollendet sie ihre Trio-Trilogie, wieder mit Jacob Karlzon am Klavier und Andreas Lang am Bass – wie schon bei »Borrowed and Blue« (2018) und »Mothers« (2020).
Elf Songs sind es diesmal, scheinbar querbeet und doch aus einem Guss. Von Dolly Parton bis Depeche Mode reicht die Bandbreite auf »Wildflowers«, von Bob Dylan bis Death Cab for Cutie. Dazu Lisa Bassenges hintergründig-melancholische Eigenkomposition »Morning Sounds Of Spring«. Ein bunter Strauß, aber so wie die drei ihn arrangieren und darbieten, wirken die einzelnen Stücke nicht zusammengewürfelt, sondern wie Kapitel einer Erzählung. Jedes schillert für sich, doch das Ganze ist mehr als die Summe seiner Teile.
Das gilt auch für das Trio selbst. Die beiden Musiker – Jacob Karlzon aus Schweden und Andreas Lang aus Dänemark – betten Lisa Bassenges unverwechselbare Stimme in einen warmen, im besten Sinn ›skandinavischen‹ Sound: entspannt, aber stets verbindlich; sehr spielfreudig, aber nie aufdringlich. »Dieser Sound hat uns gefunden«, sagt Lisa Bassenge. Und auf »Wildflowers« haben die drei ihn zur Vollendung gebracht. Jeder Takt des Albums bezeugt die unglaubliche Chemie zwischen der Sängerin und den Musikern.
Was die Songs außerdem verbindet, ist die Qualität der Lyrics. Es sind poetische Texte von existentieller Tiefe, und in Lisa Bassenges eindringlicher Interpretation und glasklarer Phrasierung werden sie zum berauschenden Kopfkino.
Ist das nun Jazz, Pop oder Chanson? Mit »Wildflowers« zeigt das Lisa Bassenge Trio einmal mehr souverän, wie fließend die Grenzen zwischen vermeintlich ganz unterschiedlichen Genres sind. Diese Musik braucht keine Schublade. Es geht ihr um die Schönheit und Wahrheit der Songs.

LISA BASSENGE – VOCAL
JACOB KARLZON – PIANO
ANDREAS LANG – BASS
Foto©Dovile Sermokas

JUDY NIEMACK
«WHAT’S LOVE»
SUNNYSIDE RECORDS CD RELEASE CONCERT

Jazz vocalist Judy Niemack presents a collection of rhapsodic romantic songs on her  album release, What’s Love, out October, 2023 on Sunnyside Records. What’s Love represents a vulnerable side of the lifelong vocalist’s artistry. In an embrace of her distinctive sound, Niemack’s rich collection of original lyrics paired with select standards offers a glimpse into her resilient and inventive vocal prowess. Niemack is joined among the highest level of Berlin’s jazz musicianship for the affair—an exploration of the healing powers of love, What’s Love presents as a musical reconciliation with the boundless, yet relatable challenges that continually loop through our lives.

«Peter, Sullivan und ich hatten schon seit einigen Jahren gehofft , etwas aufnehmen zu können, und beschlossen, nach Peters Auftritt im Village Vanguard ins Studio zu gehen. Peter lud mich ein, mit der Band auf die Bühne zu kommen, aber New York City war an diesem Abend abgeriegelt. Wir trafen uns schließlich mehr als ein Jahr später im historischen Van Gelder Studio wieder , das jetzt meinen lieben Freunden Maureen und Don Sickler gehört und von ihnen geleitet wird. Voller Aufregung umarmten wir uns zum ersten Mal seit viel zu langer Zeit. Das Glück, einander wiederzusehen und in dem legendären Studio gemeinsam Musik zu machen, hat uns alle beflügelt. In zwei Tagen haben wir 13 Songs aufgenommen! Chris Drukker hat die Stimmung perfekt eingefangen und uns stets unterstützt. Danke an Katsuhiko für die Endabmischung und das Mastering.»
Judy Niemack

It’s not so much the sequence of the tunes, which are mostly Niemack originals written with various collaborators. Rather, in describing and evoking the stages of romantic entanglement, the songs knock together and amplify larger themes about how we connect with each other. Produced by the estimable Don Sickler, this is an album by a master who knows just what she wants to say and how she wants to say it. The fact that Niemack is working with a superlative cast—featuring pianist Sullivan  Fortner, bassist Doug Weiss, drummer Joe Farnsworth, and guitarist Peter Bernstein—makes What’s Love? a question (and a recording) well worth lingering over.
Not every song hits home. While the melody is lovely, “Catalyst” is too on-the-nose in its description of infatuation for my taste. But Niemack doesn’t linger in bliss. She follows with a more-in-sadness-than-anger ballad “I’m Moving On” (which features some particularly striking work by Fortner) and offers a languorous reimagining of the Tina Turner hit “What’s Love Got to Do with It.” The album’s two standards are also gems, as she imbues “For All We Know” with tender uncertainty and avoids self-pity as she mines the deep vein of regret running through “Born to Be Blue.” What’s Love? situates Niemack in her element, mixing it up with the cats, revealing insights she’s gleaned on her travels.

Judy Niemack – Vocal
Wolfgang Koehler – Piano
Nik Lukassen – Bass
Sebastian Merk – Drums

MAGNUS ÖSTRÖM GROUP
«A ROOM FOR TRAVELLERS»
JAZZLAND RECORDINGS CD RELEASE TOUR 2023

Drummer and composer Magnus Öström and his band are finally back with a new album, his fourth to date.
The album, A Room For Travellers, is both about the traveller’s journey through the world but equally about a journey inward, the journey within. Magnus’s hope is that for the listener the album can become a space to travel to, and to travel in, an infinite room. Both a little escapism from all the terrible things happening in the world right now, but also a journey inward to understand oneself and one’s surroundings on a deeper level.
But above all, the album is about being present in the present and seeing nature, the oceans and our surroundings as part of ourselves and thereby hopefully becoming humbler and more careful with what we have, and aware of what we can lose.
The album, which clocks in at 40 minutes, contains 6 tracks, with a couple of songs that are more like suites than a single song. With titles such as On The High In My Life and All Those Years, the album is mindful of both the present and the past.
In addition, the record is about the great importance the nature and natural resources has to us.
In titles such as FlowFly, Pasific, Oceans, and Safe And Sound, Magnus pays tribute to, and points towards, the most important thing we have on our planet, the water, the oceans, which unfortunately we are slowly destroying and poisoning with our excessive consumerist lifestyles.
The album A Room For Travellers will be released on May 5th by Jazzland Recordings.
On this album, Magnus reunites his group, namely:

ANDREAS HOURDAKIS – Electric & acoustic guitars
DANIEL KARLSSON – Piano & keyboards
THOBIAS GABRIELSON – Bass & synthbass
MAGNUS ÖSTRÖM – Drums, percussion, voices, additional keyboards
Fotos©Per Kristiansen

CHRISTIAN VON DER GOLTZ
CVDG PROJEKT
CD RELEASE CONCERT «LIMB0»
FEAT: Mahall-Walsdorff-Klingeberg-Von der Goltz-Roder-Lübke

Das „cvdg projekt“, ein Sextett des Berliner Pianisten Christian von der Goltz, freut sich, am 29.6.2023 im A-Trane-Jazzclub seine neue CD „Limbo“ vorstellen zu dürfen.

Die Band hat eine Vorgeschichte, die in die 90er Jahre zurückreicht, als wir abwechselnd Stücke von Mingus oder Fats Waller, und dann wieder freie Improvisationen gespielt haben. Vor einigen Jahren haben wir die CD „paradise“ herausgebracht, die 2015 auf die Longlist der Deutschen Schallplattenkritik kam, und über die Ken Waxman in „Jazz Word“ schrieb:
«This view of Paradise isn’t the future of Jazz or even German improvised music. But with its utilization of past motifs coupled with contemporary thematic elaborations, it should be the sound of modern mainstream music – from any country.»
Nun stellen wir unsere CD „Limbo“ vor, mit neuen Kompositionen des Pianisten Christian von der Goltz und freien Improvisationen des Kollektivs, erschienen auf dem Label Two Nineteen Records. Die Musiker sind nicht nur begnadete Solisten sondern entwickeln im Zusammenspiel einen einzigartigen und unverkennbaren Sound, den man in keine Schublade einordnen kann: Wild und schön, poetisch und fragil, verrückt und lustig. Diese Band verbindet spielerisch frühe Jazztraditionen mit der Avantgarde wie im Spaß und meint es doch ernst.

Rudi Mahall – Bassclarinette
Henrik Walsdorff – Alto Saxophone
Martin Klingeberg -Trumpet/Euphonium
Christian von der Goltz – Piano/Compositions
Jan Roder – Bass
Kay Lübke – Drums

B3
ORGAN TRIO

«Rockiger als Jazz, jazziger als Rock»
Das Berliner Organ Trio B3 präsentiert mit seinen Songs immer aufs Neue ausgetüftelte Arrangements mit starken, einprägsamen Melodien und wandert musikalisch zwischen Jazz, Blues, Rock und Funk.
Keyboarder und Komponist Andreas Hommelsheim liefert mit seiner Hammond B3 und diversen Keyboards die Soundbasis des Trios, auf der sich Gitarrist und Sänger Ron Spielman mit seiner unverwechselbaren Stimme und seinem brillanten Gitarrenspiel so einzigartig auszubreiten versteht.
Aber was wären diese tollen Songs mit ihren raffinierten Arrangements und dieser wunderbaren Stimme ohne das außergewöhnliche Schlagzeugspiel von Lutz Halfter, dem langjährigen Weggefährten von Andreas Hommelsheim? Dezent im Blues, schlagkräftig beim Rock begleitet er seine Kollegen auf den Bühnen quer durch Deutschland auf seine unnachahmliche Art. B3 überzeugen live mit jeder Menge Spielfreude und Groove!
Mit ihrem vierten Album „New Songs, Old Socks“ präsentieren B3 sowohl neue Songs als auch ältere Stücke in neuem Gewand.

Keyboarder Andreas Hommelsheim, Gitarrist/Sänger Ron Spielman und Schlagzeuger Lutz Halfter veröffentlichten zuletzt 2017 den Langspieler „Get Up! Live at the A-Trane“. Pandemiebedingt musste die Band ihre Aufnahmepläne für 2020 verschieben und ohne ihren französischen Bassisten Gérard Batrya auskommen.
Kurzerhand übernahm Hommelsheim den Bass-Part an der E-Orgel, experimentierte dafür intensiv mit neuen Sounds und Effekten und arrangierte die Musik für ein Trio:

ANDREAS HOMMELSHEIM
Er spielte u.a. mit Alphonse Mouzon, John Lee und Gerry Brown, teilte die Bühne mit Kool & The Gang und arbeitete mit Stars wie Nena, Nina Hagen, Jan Delay, Smudo, Max Raabe, Ofrah Haza, Ute Lemper und Jennifer Rush. Als Musical Director der deutschen Fassung unzähliger berühmter Filmproduktionen arbeitete er unter anderen mit Andrew Lloyd Webber und Hans Zimmer zusammen. Für „Der König der Löwen“ erhielt er als Produzent des deutschen Original-Soundtracks die Goldene Schallplatte!

RON SPIELMAN
Gitarrist und Sänger der Band, dessen markantes und virtuoses Spiel zwischen Blues, Rock, Jazz und Funk bei Fachpresse und Fans schon längst Kultstatus genießt, spielte bereits
mit Tommy Emmanuel, Beth Hart, Bootsy Collins, der Chick Corea Electric Band, der Climax Blues Band sowie Johnny Guitar Watson und war Tour-Gitarrist von Andreas Kümmert, Flo Mega, Ivy Quainoo und vielen mehr.

LUTZ HALFTER
Am Schlagzeug studierte u.a. am Berklee College in Boston, arbeitete für zahlreiche Berliner Orchester und Theater und trommelte u.a. für Jocelyn B. Smith und Precious Wilson. Mit Hommelsheim teilt er bereits seit den 70ern die Bühne.

«Ein extrem ausgeruhter Westcoast-Sound, den die Band auf ihrem vierten Album perfektioniert hat»
Jazzthing
«Tolle Stimme, brillant variantenreiches Gitarrenspiel, superber Organist»
Concerto
«Ein gelungenes Live-Erlebnis»
GoodTimes
«Voller jazziger Emotionen»
Jazz Podium

Andreas Hommelsheim – Hammond Organ/keys
Ron Spielman – Guitar/Vocals
Lutz Halfter – Drums
Foto©Erik Schütz

B3
ORGAN TRIO

«Rockiger als Jazz, jazziger als Rock»
Das Berliner Organ Trio B3 präsentiert mit seinen Songs immer aufs Neue ausgetüftelte Arrangements mit starken, einprägsamen Melodien und wandert musikalisch zwischen Jazz, Blues, Rock und Funk.
Keyboarder und Komponist Andreas Hommelsheim liefert mit seiner Hammond B3 und diversen Keyboards die Soundbasis des Trios, auf der sich Gitarrist und Sänger Ron Spielman mit seiner unverwechselbaren Stimme und seinem brillanten Gitarrenspiel so einzigartig auszubreiten versteht.
Aber was wären diese tollen Songs mit ihren raffinierten Arrangements und dieser wunderbaren Stimme ohne das außergewöhnliche Schlagzeugspiel von Lutz Halfter, dem langjährigen Weggefährten von Andreas Hommelsheim? Dezent im Blues, schlagkräftig beim Rock begleitet er seine Kollegen auf den Bühnen quer durch Deutschland auf seine unnachahmliche Art. B3 überzeugen live mit jeder Menge Spielfreude und Groove!
Mit ihrem vierten Album „New Songs, Old Socks“ präsentieren B3 sowohl neue Songs als auch ältere Stücke in neuem Gewand.

Keyboarder Andreas Hommelsheim, Gitarrist/Sänger Ron Spielman und Schlagzeuger Lutz Halfter veröffentlichten zuletzt 2017 den Langspieler „Get Up! Live at the A-Trane“. Pandemiebedingt musste die Band ihre Aufnahmepläne für 2020 verschieben und ohne ihren französischen Bassisten Gérard Batrya auskommen.
Kurzerhand übernahm Hommelsheim den Bass-Part an der E-Orgel, experimentierte dafür intensiv mit neuen Sounds und Effekten und arrangierte die Musik für ein Trio:

ANDREAS HOMMELSHEIM
Er spielte u.a. mit Alphonse Mouzon, John Lee und Gerry Brown, teilte die Bühne mit Kool & The Gang und arbeitete mit Stars wie Nena, Nina Hagen, Jan Delay, Smudo, Max Raabe, Ofrah Haza, Ute Lemper und Jennifer Rush. Als Musical Director der deutschen Fassung unzähliger berühmter Filmproduktionen arbeitete er unter anderen mit Andrew Lloyd Webber und Hans Zimmer zusammen. Für „Der König der Löwen“ erhielt er als Produzent des deutschen Original-Soundtracks die Goldene Schallplatte!

RON SPIELMAN
Gitarrist und Sänger der Band, dessen markantes und virtuoses Spiel zwischen Blues, Rock, Jazz und Funk bei Fachpresse und Fans schon längst Kultstatus genießt, spielte bereits
mit Tommy Emmanuel, Beth Hart, Bootsy Collins, der Chick Corea Electric Band, der Climax Blues Band sowie Johnny Guitar Watson und war Tour-Gitarrist von Andreas Kümmert, Flo Mega, Ivy Quainoo und vielen mehr.

LUTZ HALFTER
Am Schlagzeug studierte u.a. am Berklee College in Boston, arbeitete für zahlreiche Berliner Orchester und Theater und trommelte u.a. für Jocelyn B. Smith und Precious Wilson. Mit Hommelsheim teilt er bereits seit den 70ern die Bühne.

«Ein extrem ausgeruhter Westcoast-Sound, den die Band auf ihrem vierten Album perfektioniert hat»
Jazzthing
«Tolle Stimme, brillant variantenreiches Gitarrenspiel, superber Organist»
Concerto
«Ein gelungenes Live-Erlebnis»
GoodTimes
«Voller jazziger Emotionen»
Jazz Podium

Andreas Hommelsheim – Hammond Organ/keys
Ron Spielman – Guitar/Vocals
Lutz Halfter – Drums
Foto©Erik Schütz

CHRIS BENNETT GROUP
FEAT: RICK ROSS

Chris Bennett begann ihre Laufbahn in Deutschland, als Lead-Sängerin von Munich Machine, der wohl erfolgreichsten Discogruppe des Produzenten Giorgio Moroder. Sie schrieb Musik für Tina Turner, The Manhattan Transfer und Randy Hall, und produzierte Keb Mo’s erste CD «Rainmaker». Seit mehr als 25 Jahren ist sie mit ihrer Band regelmäßig zu Gast im A-Trane und nahm dort 1999 ihre CD „Live in Berlin“ auf. Vier Jahre später, im Oktober 2003, folgte die zweite CD „Once Upon A Time“ Live at the A-Trane, aufgenommen während einem Gastspiel im A-Trane.
Auch dieses Mal hat sie den langen Weg von Los Angeles nach Berlin nicht gescheut und bringt diesmal den Saxophonisten Rick Ross aus LA mit.

Chris Bennett – Sängerin aus Leidenschaft
Ihre eigentliche Musikkarriere begann nicht mit Jazz, sondern mit Disco-Beats – Chris Bennett war, in der brodelnden Münchner Szene der ausgehenden 70er Jahre, Lead-Sängerin von „Munich Machine“, einer damals höchst erfolgreichen, von Giorgio Moroder produzierten Discogruppe. Heute kennt und liebt man sie als profilierte Jazzsängerin und -pianistin, die, ausgehend von ihrer „Homebase“ Kalifornien die Welt bereist und überall auf ihre Fans trifft. Auch nach Deutschland führen ihre Tourneen sie immer wieder.
Eine „One Man Show“, so der Titel eines ihrer zahlreichen, selbstgeschriebenen Stücke, sind ihre Bühnendarbietungen allerdings nicht – stets steht Bennett eine profilierte Band handverlesener Musiker zur Seite, die ihren variantenreichen Gesang genauso distinguiert zu unterstützen weiß, wie sie dem selbstbewussten Klavierspiel der Künstlerin Raum bietet. Doch bei einer Sängerin pflegt man in erster Linie auf die Stimme zu achten – und hier hat Chris Bennett in der Tat einiges zu bieten: geschmeidig, mal rau, mal glasklar im Timbre hat sie gleichzeitig einen Stimmumfang zur Verfügung, den sie voll ausspielen kann und der ihr bei der Wahl ihres Repertoires keine Schranken auferlegt. Demzufolge finden sich unter den Stücken ihres Livesets auch Songs der großen Komponisten wie George Gershwin, Hoagie Carmichael oder dem Team Rodgers/Hart, von Bennett kongenial interpretiert und nahtlos ihrem eigenen, ebenso gefühlvollem Material an die Seite gestellt.
Das kann hier problemlos mithalten – immerhin ist Chris Bennett auch eine Songschreiberin und Komponistin von Format, was sie schon in ihrer Münchner Zeit als Co-Autorin von Giorgio Moroder bewies, als sie karrierefördernde Stücke zu den Alben von Donna Summer, Suzi Lane oder den „The Three Degrees“ beisteuerte. Ebenfalls im Bereich Filmmusik zeigte sich ihr Händchen für den passenden Ausdruck: Als Sängerin/Songwriterin und Pianistin wurde Chris Bennett für den Giorgio-Moroder-Soundtrack „Midnight Express“ für einen Grammy nominiert. Zurück in den USA schrieb sie ab 1979 auch für Tina Turner, Manhattan Transfer oder Randy Hall und setzte sich schließlich für Keb Mo´s Album „Rainmaker“ selbst in den Produzentensessel.
Ihre eigene Karriere lenkte Chris Bennett jedoch wieder weg von der Popmusik, zurück zu ihrer angestammten Heimat, dem Jazz. Ein Fehler wird dies offensichtlich nicht gewesen sein – immerhin fielen bei Vergleichen schon bald die Namen berühmter Kolleginnen wie Peggy Lee, June Christy oder Anita O’Day.

«Was für jede Jazzvokalistin schon ein Lob darstellen würde, bedeutet für Chris Bennett noch ein weiteres: die Anerkennung ihrer Eigenständigkeit als Interpretin und Entertainerin. Die großen Gesten sind dabei ihre Sache nicht – dieser Sängerin muss man schon aufmerksam zuhören, sie drängt sich einem nicht auf. Dass Chris Bennett jedoch die Bühne als ihren angestammten Raum betrachtet, schlägt sich auch in ihrer Diskographie nieder: bei zwei ihrer insgesamt sechs Jazzalben handelt es sich um pure Konzertmitschnitte – eindeutiges Zeichen dafür, dass die Künstlerin sich ihrer Live-Qualitäten sicher ist. Und auch ihres Publikums»
Carina Prange

Rick Ross
Rick Ross ist ein vielseitiger Saxophonist, Pianist und Sänger. Er bietet ein breites Spektrum an Musik und Gesangsstilen, von Jazz-Standards bis hin zu Broadway-, Pop- und klassischen Rocktiteln. Ross stammt aus Indianapolis, Indiana, und besuchte die Cornell University in New York, wo er einen BA-Abschluss in German Area Studies erwarb. Rick Ross verfolgte seine musikalische Berufung zunächst als Saxophonist, indem er in Jazzbands und Ensembles wie dem Indianapolis Symphonic Orchestra spielte. Während seines Auslandsstudiums in Deutschland verfeinerte er seine Fähigkeiten als Saxophonist in einer Latin-Band und bei Solo-Auftritten in der Universitätsstadt Göttingen. Er kehrte in die Vereinigten Staaten zurück, um sein Studium abzuschließen, und wurde bald ein regelmäßiger Gast bei Veranstaltungen auf dem Cornell-Campus. Inzwischen ist er ein gefragter Künstler, der mit Berühmtheiten wie Wayne Cobham, Bill Marx, Derrick Lewis, Chris Bennett und Hope Diamond auftritt und außerdem eine wöchentliche Online-TV-Show moderiert.

Chris Bennett – Vocal
Rick Ross – Saxophone
Kelvin Sholar – Piano
Erik Unsworth – Bass
Ernst Bier – Drums

CHRIS BENNETT GROUP
FEAT: RICK ROSS

Chris Bennett begann ihre Laufbahn in Deutschland, als Lead-Sängerin von Munich Machine, der wohl erfolgreichsten Discogruppe des Produzenten Giorgio Moroder. Sie schrieb Musik für Tina Turner, The Manhattan Transfer und Randy Hall, und produzierte Keb Mo’s erste CD «Rainmaker». Seit mehr als 25 Jahren ist sie mit ihrer Band regelmäßig zu Gast im A-Trane und nahm dort 1999 ihre CD „Live in Berlin“ auf. Vier Jahre später, im Oktober 2003, folgte die zweite CD „Once Upon A Time“ Live at the A-Trane, aufgenommen während einem Gastspiel im A-Trane.
Auch dieses Mal hat sie den langen Weg von Los Angeles nach Berlin nicht gescheut und bringt diesmal den Saxophonisten Rick Ross aus LA mit.

Chris Bennett – Sängerin aus Leidenschaft
Ihre eigentliche Musikkarriere begann nicht mit Jazz, sondern mit Disco-Beats – Chris Bennett war, in der brodelnden Münchner Szene der ausgehenden 70er Jahre, Lead-Sängerin von „Munich Machine“, einer damals höchst erfolgreichen, von Giorgio Moroder produzierten Discogruppe. Heute kennt und liebt man sie als profilierte Jazzsängerin und -pianistin, die, ausgehend von ihrer „Homebase“ Kalifornien die Welt bereist und überall auf ihre Fans trifft. Auch nach Deutschland führen ihre Tourneen sie immer wieder.
Eine „One Man Show“, so der Titel eines ihrer zahlreichen, selbstgeschriebenen Stücke, sind ihre Bühnendarbietungen allerdings nicht – stets steht Bennett eine profilierte Band handverlesener Musiker zur Seite, die ihren variantenreichen Gesang genauso distinguiert zu unterstützen weiß, wie sie dem selbstbewussten Klavierspiel der Künstlerin Raum bietet. Doch bei einer Sängerin pflegt man in erster Linie auf die Stimme zu achten – und hier hat Chris Bennett in der Tat einiges zu bieten: geschmeidig, mal rau, mal glasklar im Timbre hat sie gleichzeitig einen Stimmumfang zur Verfügung, den sie voll ausspielen kann und der ihr bei der Wahl ihres Repertoires keine Schranken auferlegt. Demzufolge finden sich unter den Stücken ihres Livesets auch Songs der großen Komponisten wie George Gershwin, Hoagie Carmichael oder dem Team Rodgers/Hart, von Bennett kongenial interpretiert und nahtlos ihrem eigenen, ebenso gefühlvollem Material an die Seite gestellt.
Das kann hier problemlos mithalten – immerhin ist Chris Bennett auch eine Songschreiberin und Komponistin von Format, was sie schon in ihrer Münchner Zeit als Co-Autorin von Giorgio Moroder bewies, als sie karrierefördernde Stücke zu den Alben von Donna Summer, Suzi Lane oder den „The Three Degrees“ beisteuerte. Ebenfalls im Bereich Filmmusik zeigte sich ihr Händchen für den passenden Ausdruck: Als Sängerin/Songwriterin und Pianistin wurde Chris Bennett für den Giorgio-Moroder-Soundtrack „Midnight Express“ für einen Grammy nominiert. Zurück in den USA schrieb sie ab 1979 auch für Tina Turner, Manhattan Transfer oder Randy Hall und setzte sich schließlich für Keb Mo´s Album „Rainmaker“ selbst in den Produzentensessel.
Ihre eigene Karriere lenkte Chris Bennett jedoch wieder weg von der Popmusik, zurück zu ihrer angestammten Heimat, dem Jazz. Ein Fehler wird dies offensichtlich nicht gewesen sein – immerhin fielen bei Vergleichen schon bald die Namen berühmter Kolleginnen wie Peggy Lee, June Christy oder Anita O’Day.

«Was für jede Jazzvokalistin schon ein Lob darstellen würde, bedeutet für Chris Bennett noch ein weiteres: die Anerkennung ihrer Eigenständigkeit als Interpretin und Entertainerin. Die großen Gesten sind dabei ihre Sache nicht – dieser Sängerin muss man schon aufmerksam zuhören, sie drängt sich einem nicht auf. Dass Chris Bennett jedoch die Bühne als ihren angestammten Raum betrachtet, schlägt sich auch in ihrer Diskographie nieder: bei zwei ihrer insgesamt sechs Jazzalben handelt es sich um pure Konzertmitschnitte – eindeutiges Zeichen dafür, dass die Künstlerin sich ihrer Live-Qualitäten sicher ist. Und auch ihres Publikums»
Carina Prange

Rick Ross
Rick Ross ist ein vielseitiger Saxophonist, Pianist und Sänger. Er bietet ein breites Spektrum an Musik und Gesangsstilen, von Jazz-Standards bis hin zu Broadway-, Pop- und klassischen Rocktiteln. Ross stammt aus Indianapolis, Indiana, und besuchte die Cornell University in New York, wo er einen BA-Abschluss in German Area Studies erwarb. Rick Ross verfolgte seine musikalische Berufung zunächst als Saxophonist, indem er in Jazzbands und Ensembles wie dem Indianapolis Symphonic Orchestra spielte. Während seines Auslandsstudiums in Deutschland verfeinerte er seine Fähigkeiten als Saxophonist in einer Latin-Band und bei Solo-Auftritten in der Universitätsstadt Göttingen. Er kehrte in die Vereinigten Staaten zurück, um sein Studium abzuschließen, und wurde bald ein regelmäßiger Gast bei Veranstaltungen auf dem Cornell-Campus. Inzwischen ist er ein gefragter Künstler, der mit Berühmtheiten wie Wayne Cobham, Bill Marx, Derrick Lewis, Chris Bennett und Hope Diamond auftritt und außerdem eine wöchentliche Online-TV-Show moderiert.

Chris Bennett – Vocal
Rick Ross – Saxophone
Kelvin Sholar – Piano
Erik Unsworth – Bass
Ernst Bier – Drums

CHRIS BENNETT GROUP
FEAT: RICK ROSS

Chris Bennett begann ihre Laufbahn in Deutschland, als Lead-Sängerin von Munich Machine, der wohl erfolgreichsten Discogruppe des Produzenten Giorgio Moroder. Sie schrieb Musik für Tina Turner, The Manhattan Transfer und Randy Hall, und produzierte Keb Mo’s erste CD «Rainmaker». Seit mehr als 25 Jahren ist sie mit ihrer Band regelmäßig zu Gast im A-Trane und nahm dort 1999 ihre CD „Live in Berlin“ auf. Vier Jahre später, im Oktober 2003, folgte die zweite CD „Once Upon A Time“ Live at the A-Trane, aufgenommen während einem Gastspiel im A-Trane.
Auch dieses Mal hat sie den langen Weg von Los Angeles nach Berlin nicht gescheut und bringt diesmal den Saxophonisten Rick Ross aus LA mit.

Chris Bennett – Sängerin aus Leidenschaft
Ihre eigentliche Musikkarriere begann nicht mit Jazz, sondern mit Disco-Beats – Chris Bennett war, in der brodelnden Münchner Szene der ausgehenden 70er Jahre, Lead-Sängerin von „Munich Machine“, einer damals höchst erfolgreichen, von Giorgio Moroder produzierten Discogruppe. Heute kennt und liebt man sie als profilierte Jazzsängerin und -pianistin, die, ausgehend von ihrer „Homebase“ Kalifornien die Welt bereist und überall auf ihre Fans trifft. Auch nach Deutschland führen ihre Tourneen sie immer wieder.
Eine „One Man Show“, so der Titel eines ihrer zahlreichen, selbstgeschriebenen Stücke, sind ihre Bühnendarbietungen allerdings nicht – stets steht Bennett eine profilierte Band handverlesener Musiker zur Seite, die ihren variantenreichen Gesang genauso distinguiert zu unterstützen weiß, wie sie dem selbstbewussten Klavierspiel der Künstlerin Raum bietet. Doch bei einer Sängerin pflegt man in erster Linie auf die Stimme zu achten – und hier hat Chris Bennett in der Tat einiges zu bieten: geschmeidig, mal rau, mal glasklar im Timbre hat sie gleichzeitig einen Stimmumfang zur Verfügung, den sie voll ausspielen kann und der ihr bei der Wahl ihres Repertoires keine Schranken auferlegt. Demzufolge finden sich unter den Stücken ihres Livesets auch Songs der großen Komponisten wie George Gershwin, Hoagie Carmichael oder dem Team Rodgers/Hart, von Bennett kongenial interpretiert und nahtlos ihrem eigenen, ebenso gefühlvollem Material an die Seite gestellt.
Das kann hier problemlos mithalten – immerhin ist Chris Bennett auch eine Songschreiberin und Komponistin von Format, was sie schon in ihrer Münchner Zeit als Co-Autorin von Giorgio Moroder bewies, als sie karrierefördernde Stücke zu den Alben von Donna Summer, Suzi Lane oder den „The Three Degrees“ beisteuerte. Ebenfalls im Bereich Filmmusik zeigte sich ihr Händchen für den passenden Ausdruck: Als Sängerin/Songwriterin und Pianistin wurde Chris Bennett für den Giorgio-Moroder-Soundtrack „Midnight Express“ für einen Grammy nominiert. Zurück in den USA schrieb sie ab 1979 auch für Tina Turner, Manhattan Transfer oder Randy Hall und setzte sich schließlich für Keb Mo´s Album „Rainmaker“ selbst in den Produzentensessel.
Ihre eigene Karriere lenkte Chris Bennett jedoch wieder weg von der Popmusik, zurück zu ihrer angestammten Heimat, dem Jazz. Ein Fehler wird dies offensichtlich nicht gewesen sein – immerhin fielen bei Vergleichen schon bald die Namen berühmter Kolleginnen wie Peggy Lee, June Christy oder Anita O’Day.

«Was für jede Jazzvokalistin schon ein Lob darstellen würde, bedeutet für Chris Bennett noch ein weiteres: die Anerkennung ihrer Eigenständigkeit als Interpretin und Entertainerin. Die großen Gesten sind dabei ihre Sache nicht – dieser Sängerin muss man schon aufmerksam zuhören, sie drängt sich einem nicht auf. Dass Chris Bennett jedoch die Bühne als ihren angestammten Raum betrachtet, schlägt sich auch in ihrer Diskographie nieder: bei zwei ihrer insgesamt sechs Jazzalben handelt es sich um pure Konzertmitschnitte – eindeutiges Zeichen dafür, dass die Künstlerin sich ihrer Live-Qualitäten sicher ist. Und auch ihres Publikums»
Carina Prange

Rick Ross
Rick Ross ist ein vielseitiger Saxophonist, Pianist und Sänger. Er bietet ein breites Spektrum an Musik und Gesangsstilen, von Jazz-Standards bis hin zu Broadway-, Pop- und klassischen Rocktiteln. Ross stammt aus Indianapolis, Indiana, und besuchte die Cornell University in New York, wo er einen BA-Abschluss in German Area Studies erwarb. Rick Ross verfolgte seine musikalische Berufung zunächst als Saxophonist, indem er in Jazzbands und Ensembles wie dem Indianapolis Symphonic Orchestra spielte. Während seines Auslandsstudiums in Deutschland verfeinerte er seine Fähigkeiten als Saxophonist in einer Latin-Band und bei Solo-Auftritten in der Universitätsstadt Göttingen. Er kehrte in die Vereinigten Staaten zurück, um sein Studium abzuschließen, und wurde bald ein regelmäßiger Gast bei Veranstaltungen auf dem Cornell-Campus. Inzwischen ist er ein gefragter Künstler, der mit Berühmtheiten wie Wayne Cobham, Bill Marx, Derrick Lewis, Chris Bennett und Hope Diamond auftritt und außerdem eine wöchentliche Online-TV-Show moderiert.

Chris Bennett – Vocal
Rick Ross – Saxophone
Kelvin Sholar – Piano
Erik Unsworth – Bass
Ernst Bier – Drums

CHRIS BENNETT GROUP
FEAT: RICK ROSS

Chris Bennett begann ihre Laufbahn in Deutschland, als Lead-Sängerin von Munich Machine, der wohl erfolgreichsten Discogruppe des Produzenten Giorgio Moroder. Sie schrieb Musik für Tina Turner, The Manhattan Transfer und Randy Hall, und produzierte Keb Mo’s erste CD «Rainmaker». Seit mehr als 25 Jahren ist sie mit ihrer Band regelmäßig zu Gast im A-Trane und nahm dort 1999 ihre CD „Live in Berlin“ auf. Vier Jahre später, im Oktober 2003, folgte die zweite CD „Once Upon A Time“ Live at the A-Trane, aufgenommen während einem Gastspiel im A-Trane.
Auch dieses Mal hat sie den langen Weg von Los Angeles nach Berlin nicht gescheut und bringt diesmal den Saxophonisten Rick Ross aus LA mit.

Chris Bennett – Sängerin aus Leidenschaft
Ihre eigentliche Musikkarriere begann nicht mit Jazz, sondern mit Disco-Beats – Chris Bennett war, in der brodelnden Münchner Szene der ausgehenden 70er Jahre, Lead-Sängerin von „Munich Machine“, einer damals höchst erfolgreichen, von Giorgio Moroder produzierten Discogruppe. Heute kennt und liebt man sie als profilierte Jazzsängerin und -pianistin, die, ausgehend von ihrer „Homebase“ Kalifornien die Welt bereist und überall auf ihre Fans trifft. Auch nach Deutschland führen ihre Tourneen sie immer wieder.
Eine „One Man Show“, so der Titel eines ihrer zahlreichen, selbstgeschriebenen Stücke, sind ihre Bühnendarbietungen allerdings nicht – stets steht Bennett eine profilierte Band handverlesener Musiker zur Seite, die ihren variantenreichen Gesang genauso distinguiert zu unterstützen weiß, wie sie dem selbstbewussten Klavierspiel der Künstlerin Raum bietet. Doch bei einer Sängerin pflegt man in erster Linie auf die Stimme zu achten – und hier hat Chris Bennett in der Tat einiges zu bieten: geschmeidig, mal rau, mal glasklar im Timbre hat sie gleichzeitig einen Stimmumfang zur Verfügung, den sie voll ausspielen kann und der ihr bei der Wahl ihres Repertoires keine Schranken auferlegt. Demzufolge finden sich unter den Stücken ihres Livesets auch Songs der großen Komponisten wie George Gershwin, Hoagie Carmichael oder dem Team Rodgers/Hart, von Bennett kongenial interpretiert und nahtlos ihrem eigenen, ebenso gefühlvollem Material an die Seite gestellt.
Das kann hier problemlos mithalten – immerhin ist Chris Bennett auch eine Songschreiberin und Komponistin von Format, was sie schon in ihrer Münchner Zeit als Co-Autorin von Giorgio Moroder bewies, als sie karrierefördernde Stücke zu den Alben von Donna Summer, Suzi Lane oder den „The Three Degrees“ beisteuerte. Ebenfalls im Bereich Filmmusik zeigte sich ihr Händchen für den passenden Ausdruck: Als Sängerin/Songwriterin und Pianistin wurde Chris Bennett für den Giorgio-Moroder-Soundtrack „Midnight Express“ für einen Grammy nominiert. Zurück in den USA schrieb sie ab 1979 auch für Tina Turner, Manhattan Transfer oder Randy Hall und setzte sich schließlich für Keb Mo´s Album „Rainmaker“ selbst in den Produzentensessel.
Ihre eigene Karriere lenkte Chris Bennett jedoch wieder weg von der Popmusik, zurück zu ihrer angestammten Heimat, dem Jazz. Ein Fehler wird dies offensichtlich nicht gewesen sein – immerhin fielen bei Vergleichen schon bald die Namen berühmter Kolleginnen wie Peggy Lee, June Christy oder Anita O’Day.

«Was für jede Jazzvokalistin schon ein Lob darstellen würde, bedeutet für Chris Bennett noch ein weiteres: die Anerkennung ihrer Eigenständigkeit als Interpretin und Entertainerin. Die großen Gesten sind dabei ihre Sache nicht – dieser Sängerin muss man schon aufmerksam zuhören, sie drängt sich einem nicht auf. Dass Chris Bennett jedoch die Bühne als ihren angestammten Raum betrachtet, schlägt sich auch in ihrer Diskographie nieder: bei zwei ihrer insgesamt sechs Jazzalben handelt es sich um pure Konzertmitschnitte – eindeutiges Zeichen dafür, dass die Künstlerin sich ihrer Live-Qualitäten sicher ist. Und auch ihres Publikums»
Carina Prange

Rick Ross
Rick Ross ist ein vielseitiger Saxophonist, Pianist und Sänger. Er bietet ein breites Spektrum an Musik und Gesangsstilen, von Jazz-Standards bis hin zu Broadway-, Pop- und klassischen Rocktiteln. Ross stammt aus Indianapolis, Indiana, und besuchte die Cornell University in New York, wo er einen BA-Abschluss in German Area Studies erwarb. Rick Ross verfolgte seine musikalische Berufung zunächst als Saxophonist, indem er in Jazzbands und Ensembles wie dem Indianapolis Symphonic Orchestra spielte. Während seines Auslandsstudiums in Deutschland verfeinerte er seine Fähigkeiten als Saxophonist in einer Latin-Band und bei Solo-Auftritten in der Universitätsstadt Göttingen. Er kehrte in die Vereinigten Staaten zurück, um sein Studium abzuschließen, und wurde bald ein regelmäßiger Gast bei Veranstaltungen auf dem Cornell-Campus. Inzwischen ist er ein gefragter Künstler, der mit Berühmtheiten wie Wayne Cobham, Bill Marx, Derrick Lewis, Chris Bennett und Hope Diamond auftritt und außerdem eine wöchentliche Online-TV-Show moderiert.

Chris Bennett – Vocal
Rick Ross – Saxophone
Kelvin Sholar – Piano
Erik Unsworth – Bass
Ernst Bier – Drums

CHRIS BENNETT GROUP
FEAT: RICK ROSS

Chris Bennett begann ihre Laufbahn in Deutschland, als Lead-Sängerin von Munich Machine, der wohl erfolgreichsten Discogruppe des Produzenten Giorgio Moroder. Sie schrieb Musik für Tina Turner, The Manhattan Transfer und Randy Hall, und produzierte Keb Mo’s erste CD «Rainmaker». Seit mehr als 25 Jahren ist sie mit ihrer Band regelmäßig zu Gast im A-Trane und nahm dort 1999 ihre CD „Live in Berlin“ auf. Vier Jahre später, im Oktober 2003, folgte die zweite CD „Once Upon A Time“ Live at the A-Trane, aufgenommen während einem Gastspiel im A-Trane.
Auch dieses Mal hat sie den langen Weg von Los Angeles nach Berlin nicht gescheut und bringt diesmal den Saxophonisten Rick Ross aus LA mit.

Chris Bennett – Sängerin aus Leidenschaft
Ihre eigentliche Musikkarriere begann nicht mit Jazz, sondern mit Disco-Beats – Chris Bennett war, in der brodelnden Münchner Szene der ausgehenden 70er Jahre, Lead-Sängerin von „Munich Machine“, einer damals höchst erfolgreichen, von Giorgio Moroder produzierten Discogruppe. Heute kennt und liebt man sie als profilierte Jazzsängerin und -pianistin, die, ausgehend von ihrer „Homebase“ Kalifornien die Welt bereist und überall auf ihre Fans trifft. Auch nach Deutschland führen ihre Tourneen sie immer wieder.
Eine „One Man Show“, so der Titel eines ihrer zahlreichen, selbstgeschriebenen Stücke, sind ihre Bühnendarbietungen allerdings nicht – stets steht Bennett eine profilierte Band handverlesener Musiker zur Seite, die ihren variantenreichen Gesang genauso distinguiert zu unterstützen weiß, wie sie dem selbstbewussten Klavierspiel der Künstlerin Raum bietet. Doch bei einer Sängerin pflegt man in erster Linie auf die Stimme zu achten – und hier hat Chris Bennett in der Tat einiges zu bieten: geschmeidig, mal rau, mal glasklar im Timbre hat sie gleichzeitig einen Stimmumfang zur Verfügung, den sie voll ausspielen kann und der ihr bei der Wahl ihres Repertoires keine Schranken auferlegt. Demzufolge finden sich unter den Stücken ihres Livesets auch Songs der großen Komponisten wie George Gershwin, Hoagie Carmichael oder dem Team Rodgers/Hart, von Bennett kongenial interpretiert und nahtlos ihrem eigenen, ebenso gefühlvollem Material an die Seite gestellt.
Das kann hier problemlos mithalten – immerhin ist Chris Bennett auch eine Songschreiberin und Komponistin von Format, was sie schon in ihrer Münchner Zeit als Co-Autorin von Giorgio Moroder bewies, als sie karrierefördernde Stücke zu den Alben von Donna Summer, Suzi Lane oder den „The Three Degrees“ beisteuerte. Ebenfalls im Bereich Filmmusik zeigte sich ihr Händchen für den passenden Ausdruck: Als Sängerin/Songwriterin und Pianistin wurde Chris Bennett für den Giorgio-Moroder-Soundtrack „Midnight Express“ für einen Grammy nominiert. Zurück in den USA schrieb sie ab 1979 auch für Tina Turner, Manhattan Transfer oder Randy Hall und setzte sich schließlich für Keb Mo´s Album „Rainmaker“ selbst in den Produzentensessel.
Ihre eigene Karriere lenkte Chris Bennett jedoch wieder weg von der Popmusik, zurück zu ihrer angestammten Heimat, dem Jazz. Ein Fehler wird dies offensichtlich nicht gewesen sein – immerhin fielen bei Vergleichen schon bald die Namen berühmter Kolleginnen wie Peggy Lee, June Christy oder Anita O’Day.

«Was für jede Jazzvokalistin schon ein Lob darstellen würde, bedeutet für Chris Bennett noch ein weiteres: die Anerkennung ihrer Eigenständigkeit als Interpretin und Entertainerin. Die großen Gesten sind dabei ihre Sache nicht – dieser Sängerin muss man schon aufmerksam zuhören, sie drängt sich einem nicht auf. Dass Chris Bennett jedoch die Bühne als ihren angestammten Raum betrachtet, schlägt sich auch in ihrer Diskographie nieder: bei zwei ihrer insgesamt sechs Jazzalben handelt es sich um pure Konzertmitschnitte – eindeutiges Zeichen dafür, dass die Künstlerin sich ihrer Live-Qualitäten sicher ist. Und auch ihres Publikums»
Carina Prange

Rick Ross
Rick Ross ist ein vielseitiger Saxophonist, Pianist und Sänger. Er bietet ein breites Spektrum an Musik und Gesangsstilen, von Jazz-Standards bis hin zu Broadway-, Pop- und klassischen Rocktiteln. Ross stammt aus Indianapolis, Indiana, und besuchte die Cornell University in New York, wo er einen BA-Abschluss in German Area Studies erwarb. Rick Ross verfolgte seine musikalische Berufung zunächst als Saxophonist, indem er in Jazzbands und Ensembles wie dem Indianapolis Symphonic Orchestra spielte. Während seines Auslandsstudiums in Deutschland verfeinerte er seine Fähigkeiten als Saxophonist in einer Latin-Band und bei Solo-Auftritten in der Universitätsstadt Göttingen. Er kehrte in die Vereinigten Staaten zurück, um sein Studium abzuschließen, und wurde bald ein regelmäßiger Gast bei Veranstaltungen auf dem Cornell-Campus. Inzwischen ist er ein gefragter Künstler, der mit Berühmtheiten wie Wayne Cobham, Bill Marx, Derrick Lewis, Chris Bennett und Hope Diamond auftritt und außerdem eine wöchentliche Online-TV-Show moderiert.

Chris Bennett – Vocal
Rick Ross – Saxophone
Kelvin Sholar – Piano
Erik Unsworth – Bass
Ernst Bier – Drums

TORSTEN GOODS
«Soul Searching» Tour 2023
ALBUM RELEASE CONCERT

Der Name ist Programm. „Soul Searching“, das neue, schon siebte Album von Torsten Goods ist mehr als eine Quelle frischer „Feelgood Music“, beeinflusst von Jazz, Soul, Blues und den lockeren Westcoast/AOR Sounds der späten 70er in Kalifornien, mit Gästen wie Randy Brecker, Nils Landgren oder Bireli Lagrene. „Soul Searching“ erzählt auch die sehr persönliche Geschichte der optischen Wandlung des „an der Gitarre ebenso wie als Sänger begnadeten“, laut SZ, „den man deswegen auch schon den „deutschen George Benson“ genannt hat“. Die Identitätsfindung, die auch die Gewöhnung an sein neues, kahles Aussehen aufgrund einer Autoimmmunstörung mit sich brachte, ist zentrales Thema bei „Soul Searching“, offensichtlich in Songs wie „Naked Funk“ oder der Ballade „I Had To Learn Not To Care“.

Seine „Soul Searching Tour 2023“ führt Torsten Goods mit Jan Miserre an Keyboards und Piano, Felix Lehrmann am Schlagzeug und Thomas Stieger am Bass, sprich: der Band hinter dem neuen Album, seit vierzehn Jahren perfekt eingespielt, im Herbst endlich wieder durch ganz Deutschland. Aber auch in die Schweiz, UK und natürlich Irland, der Heimat seiner Mutter und Familie. Im Zentrum der Konzerte steht das neue Album, aber auch die Fan-Favoriten aus Torstens Back-Katalog dürfen nicht fehlen. So wird jedes Konzert der „Soul Searching“-Tour zum einzigartigen Erlebnis, voll tief empfundener, virtuos gespielter, akustischer Glücklichmacher. Das Rezept: „smooth Vocals, fast guitars und feelgood grooves“.

TORSTEN GOODS – GUITAR/VOCALS
JAN MISERRE – KEYS/PIANO
THOMAS STIEGER – BASS
FELIX LEHRMANN – DRUMS
Foto©Chris Heidrich