|: Live Concert

JACOB KARLZON
«QUESTAR»
FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ

Musik für den inneren Film
Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise.
Entstanden aus dem Wunsch, neue Klänge und Settings zu erkunden, verbindet QUESTAR tiefe Grooves und fließende Rhythmen mit nordischen Klanglandschaften, die Grenzen überschreiten. Die Musik schafft offene, sich ständig verändernde Landschaften, in denen jedes Konzert auf seine eigene Weise stattfindet.
Hier erweitern sich Melodie und Harmonie wie ein weiter Horizont, wo Komposition auf Improvisation trifft, Akustik und Elektronik sich verbinden und die Zuhörer dazu einladen, aus den Klängen ihre eigenen Bilder und Geschichten zu formen. Karlzon drückt es so aus:

„Die Stärke der Instrumentalmusik liegt darin, dass jeder seine eigenen inneren Bilder schaffen kann, basierend auf dem, was man hört, und seiner eigenen Vorstellungskraft.“
Jacob Karlzon

QUESTAR, was „Suchender“ bedeutet, bietet Musik für den inneren Film, eine sanfte Einladung, an unbekannte Orte zu reisen und eine gemeinsame Atmosphäre voller Energie und Entdeckungen zu schaffen.

Jacob Karlzon
Der schwedische Jazzpianist und Komponist Jacob Karlzon wird mit den legendären Schweden Esbjörn Svensson und Jan Johansson verglichen. Karlzons Spielstil zeichnet sich durch technische Brillanz, rhythmische und harmonische Komplexität mit einem perfekten Gespür für Form aus. Seit 2012 ist er Steinway-Künstler, eine internationale Anerkennung für herausragende Leistungen. Jacob Karlzon ist immer auf der Suche nach neuen Orten, nicht nur in seiner Musik. Doch trotz seines wachsenden Ruhmes, seiner Konzerte in Europa, China und den Vereinigten Staaten und seiner Reisen in immer weiter entfernte Länder kehrt er immer wieder gerne zu seinen Wurzeln und früheren musikalischen Ideen zurück. Auch stilistisch und musikalisch ist Jacob Karlzon weit gereist: Er ist klassisch ausgebildeter Pianist, stand aber auch schon mit Größen wie Dominic Miller, Norma Winstone und Billy Cobham auf der Bühne. Mit seinen Alben „More“ und „Now“, in denen elektronische Elemente den Takt vorgeben, hat er sich einen Weg in die Welt des Heavy Metal gebahnt. Kein Wunder, dass er sich selbst lieber als „alternativen Musiker“ bezeichnet.

Mads La Cour wurde 1980 geboren und begann im Alter von 8 Jahren mit dem Trompetenspiel. 2007 wurde er zum Jazzmusiker des Jahres auf der Insel Fünen gekürt. 2008 schloss er sein Diplom am Fünener Musikkonservatorium ab – eine Reise, die auch ein sechsmonatiges Studium in Stockholm umfasste. Heute ist er Mitglied der DR Big Band und trat bereits mit Künstlern wie Sinne Eeg, Ray Pitts, Chris Potter, Kaya Brüel und anderen auf. Mads La Cour ist einer der bekanntesten Trompeter Dänemarks und garantiert Klänge von höchster Qualität.

Thobias Gabrielson ist ein schwedischer Bassist, Komponist und Multiinstrumentalist, der seit Mitte der 90er Jahre in der schwedischen Jazz- und Pop/Rock-Szene aktiv ist. Er tourte durch Skandinavien, Europa, Südafrika und Asien mit Künstlern wie Nils Landgren, Magnus Öström, Janne Schaffer, Timbuktu und Ida Sand.

Der preisgekrönte, in Istanbul geborene Schlagzeuger Robert Mehmet Ikiz begann im Alter von zwei Jahren auf den Töpfen seiner Großmutter zu spielen. Ikiz studierte von 1995 bis 1998 am Stockholmer Musikkonservatorium im Fachbereich afroamerikanische Musik. 1998 gewann er dort den jährlichen Wettbewerb und erhielt ein Stipendium für ein Studium an der Los Angeles Music Academy. Die Vielfalt der Orte, Menschen und Musikstile, denen er auf seinen Reisen begegnet ist, hat den vielfältigen Klang seines eigenen Schlagzeugstils geprägt. Ikiz trat mit Künstlern und Orchestern wie Bobby McFerrin, Joe Sample, Ivan Lins, der NDR Big Band, dem BBC Orchestra, den Berliner Philharmonikern und Barbara Hendricks auf und tourte mit ihnen. Während seiner Zeit in Südkalifornien sammelte er wertvolle Erfahrungen in der amerikanischen Jazzszene, indem er in David Ornette Cherrys Impressions Of Energy spielte, zu denen unter anderem Musiker wie Justo Almario und Ralph „Buzzy” Jones gehörten. Im Oktober 2017 erhielt Ikiz den Preis „Musiker des Jahres” vom Schwedischen Rundfunk. Der Preis heißt „Jazzkatten” und wurde zuvor noch nie an einen Schlagzeuger vergeben. Ikiz war bereits 2015 für denselben Preis nominiert worden. İkiz‘ Talent wurde von der Königlich Schwedischen Musikakademie anerkannt, als er 1999 und 2003 Auszeichnungen im Bereich Percussion und 2004 im Bereich Jazz erhielt.

„Weltklasse-Piano-Jazz“
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„Er hat nun den Olymp der europäischen Jazzpianisten erreicht.“
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„Fesselnde Musikalität“
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„Wie kaum ein anderer Jazzpianist beherrscht Karlzon den Spagat zwischen Einfachheit und Komplexität.“
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„Spricht durch die Tasten seines Flügels wie ein Philosoph“
Aachener Zeitung

„Karlzon schafft musikalische Freiräume“
Süddeutsche Zeitung

JACOB KARLZON – Klavier, Keyboards, Elektronik
MADS LA COUR – Trompete
THOBIAS GABRIELSON – Bass
ROBERT IKIZ – Schlagzeug, Elektronik
Foto Jacob©Mats Bäcker
Foto Ikiz©©Hans-Joachim-Maquet
Foto Mads©Hans Ulrik

JACOB KARLZON
«QUESTAR»
FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ

Musik für den inneren Film
Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise.
Entstanden aus dem Wunsch, neue Klänge und Settings zu erkunden, verbindet QUESTAR tiefe Grooves und fließende Rhythmen mit nordischen Klanglandschaften, die Grenzen überschreiten. Die Musik schafft offene, sich ständig verändernde Landschaften, in denen jedes Konzert auf seine eigene Weise stattfindet.
Hier erweitern sich Melodie und Harmonie wie ein weiter Horizont, wo Komposition auf Improvisation trifft, Akustik und Elektronik sich verbinden und die Zuhörer dazu einladen, aus den Klängen ihre eigenen Bilder und Geschichten zu formen. Karlzon drückt es so aus:

„Die Stärke der Instrumentalmusik liegt darin, dass jeder seine eigenen inneren Bilder schaffen kann, basierend auf dem, was man hört, und seiner eigenen Vorstellungskraft.“
Jacob Karlzon

QUESTAR, was „Suchender“ bedeutet, bietet Musik für den inneren Film, eine sanfte Einladung, an unbekannte Orte zu reisen und eine gemeinsame Atmosphäre voller Energie und Entdeckungen zu schaffen.

Jacob Karlzon
Der schwedische Jazzpianist und Komponist Jacob Karlzon wird mit den legendären Schweden Esbjörn Svensson und Jan Johansson verglichen. Karlzons Spielstil zeichnet sich durch technische Brillanz, rhythmische und harmonische Komplexität mit einem perfekten Gespür für Form aus. Seit 2012 ist er Steinway-Künstler, eine internationale Anerkennung für herausragende Leistungen. Jacob Karlzon ist immer auf der Suche nach neuen Orten, nicht nur in seiner Musik. Doch trotz seines wachsenden Ruhmes, seiner Konzerte in Europa, China und den Vereinigten Staaten und seiner Reisen in immer weiter entfernte Länder kehrt er immer wieder gerne zu seinen Wurzeln und früheren musikalischen Ideen zurück. Auch stilistisch und musikalisch ist Jacob Karlzon weit gereist: Er ist klassisch ausgebildeter Pianist, stand aber auch schon mit Größen wie Dominic Miller, Norma Winstone und Billy Cobham auf der Bühne. Mit seinen Alben „More“ und „Now“, in denen elektronische Elemente den Takt vorgeben, hat er sich einen Weg in die Welt des Heavy Metal gebahnt. Kein Wunder, dass er sich selbst lieber als „alternativen Musiker“ bezeichnet.

Mads La Cour wurde 1980 geboren und begann im Alter von 8 Jahren mit dem Trompetenspiel. 2007 wurde er zum Jazzmusiker des Jahres auf der Insel Fünen gekürt. 2008 schloss er sein Diplom am Fünener Musikkonservatorium ab – eine Reise, die auch ein sechsmonatiges Studium in Stockholm umfasste. Heute ist er Mitglied der DR Big Band und trat bereits mit Künstlern wie Sinne Eeg, Ray Pitts, Chris Potter, Kaya Brüel und anderen auf. Mads La Cour ist einer der bekanntesten Trompeter Dänemarks und garantiert Klänge von höchster Qualität.

Thobias Gabrielson ist ein schwedischer Bassist, Komponist und Multiinstrumentalist, der seit Mitte der 90er Jahre in der schwedischen Jazz- und Pop/Rock-Szene aktiv ist. Er tourte durch Skandinavien, Europa, Südafrika und Asien mit Künstlern wie Nils Landgren, Magnus Öström, Janne Schaffer, Timbuktu und Ida Sand.

Der preisgekrönte, in Istanbul geborene Schlagzeuger Robert Mehmet Ikiz begann im Alter von zwei Jahren auf den Töpfen seiner Großmutter zu spielen. Ikiz studierte von 1995 bis 1998 am Stockholmer Musikkonservatorium im Fachbereich afroamerikanische Musik. 1998 gewann er dort den jährlichen Wettbewerb und erhielt ein Stipendium für ein Studium an der Los Angeles Music Academy. Die Vielfalt der Orte, Menschen und Musikstile, denen er auf seinen Reisen begegnet ist, hat den vielfältigen Klang seines eigenen Schlagzeugstils geprägt. Ikiz trat mit Künstlern und Orchestern wie Bobby McFerrin, Joe Sample, Ivan Lins, der NDR Big Band, dem BBC Orchestra, den Berliner Philharmonikern und Barbara Hendricks auf und tourte mit ihnen. Während seiner Zeit in Südkalifornien sammelte er wertvolle Erfahrungen in der amerikanischen Jazzszene, indem er in David Ornette Cherrys Impressions Of Energy spielte, zu denen unter anderem Musiker wie Justo Almario und Ralph „Buzzy” Jones gehörten. Im Oktober 2017 erhielt Ikiz den Preis „Musiker des Jahres” vom Schwedischen Rundfunk. Der Preis heißt „Jazzkatten” und wurde zuvor noch nie an einen Schlagzeuger vergeben. Ikiz war bereits 2015 für denselben Preis nominiert worden. İkiz‘ Talent wurde von der Königlich Schwedischen Musikakademie anerkannt, als er 1999 und 2003 Auszeichnungen im Bereich Percussion und 2004 im Bereich Jazz erhielt.

„Weltklasse-Piano-Jazz“
Lira Musikmagasin

„Er hat nun den Olymp der europäischen Jazzpianisten erreicht.“
Jazzpodium

„Fesselnde Musikalität“
The Guardian

„Wie kaum ein anderer Jazzpianist beherrscht Karlzon den Spagat zwischen Einfachheit und Komplexität.“
WDR3

„Spricht durch die Tasten seines Flügels wie ein Philosoph“
Aachener Zeitung

„Karlzon schafft musikalische Freiräume“
Süddeutsche Zeitung

JACOB KARLZON – Klavier, Keyboards, Elektronik
MADS LA COUR – Trompete
THOBIAS GABRIELSON – Bass
ROBERT IKIZ – Schlagzeug, Elektronik
Foto Jacob©Mats Bäcker
Foto Ikiz©©Hans-Joachim-Maquet
Foto Mads©Hans Ulrik

ERNST BIER NEW TRIO
«TRIPLE»
FEAT: Christian Müller-Tal Arditi

Deutsch
Triple ist ein neues Bandprojekt vom Schlagzeuger Ernst Bier, entstanden vor 2 Monaten im A-Trane.
Im Februar spielten der  Gitarrist Tal Arditi, der Bassist Christian Müller und Ernst Bier zum ersten Mal im Little Shop of Jazz von Ernst miteinander.
Die Chemie zwischen den Musikern stimmte sofort und das Publikum war sehr begeistert.
Das veranlasste die Musiker dazu ein neues Trio zu gründen und hier sind sie noch einmal „back by popular demand“!
Lassen Sie sich mitreißen von der ungeheuren Spiellaune dieser exzellenten Musiker. Sie leben mit und durch ihre Musik, eine Tatsache, die sie ausnahmslos mit viel Freude an die Zuhörer weitergeben.

Tal Arditi ist ein israelischer, in Berlin lebender Jazz-Gitarrist und Komponist. Anerkannt als junges Gitarrenwunder, begann Tal im Alter von 16 Jahren mit dem Studium im prestigeträchtigen „Jazzinstitut“ – Programm der „Rimon Music University“. Im Alter von 18 Jahren schloss er auf der renommierten Rimon School of Music in Ramat Hasharon in der Nähe von Tel Aviv erfolgreich mit einem Jazz-Diplom ab und beschloss nach Berlin zu ziehen.
In Berlin wurde Tal Arditi schnell zu einem der gefragtesten Musiker in der internationalen und lokalen Jazzszene und begann, regelmäßig in Clubs in ganz Europa sowie auf Festivals wie dem Umbria Jazz-Festival, dem Xjazz Festival, dem Red Sea Festival, dem Fusion Festival oder dem Open Air Keintal zu spielen.

Christian Müller ist Bassist und Komponist, der nach den Stationen Hamburg und Amsterdam, seit 2019 den Mittelpunkt seines Schaffens nach Berlin verlegt hat. Er studierte an der HfMT Hamburg sowie am Conservatorium van Amsterdam. Parallel dazu wurde er ins Bundesjazzorchester (BujazzO) unter der Leitung von Niels Klein und Jiggs Whigham aufgenommen. Konzertreisen führten ihn auf Bühnen in- und außerhalb Deutschlands. Unter anderem: Elbjazz-Festival (DE), Jazz Baltica-Festival(DE), Jazzkaar Festival (EST), Borneo Jazz Festival (MYS). In der Vergangenheit spielte er mit: John Schröder, Tony Malaby, Gilad Hekselmanm Seamus Blake, Marcio Doctor, Wanja Slavin, Ensemble Resonanz und noch vielen weiteren fabelhaften Musikerinnen. Christians Arbeit als Sideman ist auf mehreren Alben mit diversen Projekten dokumentiert. Ende 2025 kam sein Debütalbum „Golden Gloom“ heraus, welches ausschließlich Eigenkompositionen enthält.

Ernst Bier studierte Schlagzeug bei Billy Brooks, Charlie Persip, Vernell Fournier und Elvin Jones. Von 1983-1987 lebte und arbeitete er in NY-City. Nach seiner Rückkehr aus den Staaten lebte Ernst zunächst bei Köln und dann ab 1992 in Berlin. Die Liste der Musiker, mit denen er gearbeitet hat, liest sich wie ein Who’s Who des Jazz. Mit seinem einfühlsamen Spiel, seiner Hingabe und seiner konstruktiven Art hat er sich zu einem hochgeschätzten und gefragten Schlagzeuger entwickelt.

English
Triple is a new band project by drummer Ernst Bier, formed two months ago at the A-Trane jazz club.
In February, guitarist Tal Arditi, bassist Christian Müller, and Ernst Bier played together for the first time in Ernst’s Little Shop of Jazz.
The chemistry between the three musicians clicked immediately, and the audience was thrilled.
This prompted the musicians to form a new trio, and here they are again, “back by popular demand”!
Let yourself be swept away by the incredible energy of these excellent musicians. They live with and through their music, a passion they consistently share with their audience with great joy.

Tal Arditi is an Israeli jazz guitarist and composer living in Berlin. Recognized as a young guitar prodigy, Tal began studying at the prestigious “Jazz Institute” program at Rimon Music University at the age of 16. At the age of 18, he successfully graduated with a jazz diploma from the renowned Rimon School of Music in Ramat Hasharon near Tel Aviv and decided to move to Berlin.
In Berlin, Tal Arditi quickly became one of the most sought-after musicians on the international and local jazz scene and began playing regularly in clubs throughout Europe as well as at festivals such as the Umbria Jazz Festival, the Xjazz Festival, the Red Sea Festival, the Fusion Festival, and the Open Air Keintal.

Christian Müller is a bassist and composer who, after spending time in Hamburg and Amsterdam, moved his creative center to Berlin in 2019. He studied at the HfMT Hamburg and the Conservatorium van Amsterdam. At the same time, he was accepted into the Bundesjazzorchester (BujazzO) under the direction of Niels Klein and Jiggs Whigham. Concert tours have taken him to stages in Germany and abroad. Among others: Elbjazz Festival (DE), Jazz Baltica Festival (DE), Jazzkaar Festival (EST), Borneo Jazz Festival (MYS). In the past, he has played with John Schröder, Tony Malaby, Gilad Hekselman, Seamus Blake, Marcio Doctor, Wanja Slavin, Ensemble Resonanz, and many other fabulous musicians. Christian’s work as a sideman is documented on several albums with various projects. At the end of 2025, his debut album “Golden Gloom” was released, which contains exclusively his own compositions.

Ernst Bier studied percussion with Billy Brooks, Charlie Persip, Vernell Fournier, and Elvin Jones. From 1983 to 1987, he lived and worked in New York City. After returning from the United States, Ernst first lived near Cologne and then, from 1992, in Berlin. The list of musicians he has worked with reads like a who’s who of jazz. With his sensitive playing, dedication, and constructive approach, he has become a highly regarded and sought-after drummer.

Tal Arditi – Guitar
Christian Müller – Bass
Ernst Bier – Drums

Hetty Kate
Jazz in Four Seasons
Album Release Concert «SPRING»

This is the first volume of ‚Jazz in Four Seasons‘, my four-album series exploring the seasons across different cities and cultures.

We begin with Spring – the most hopeful and capricious of seasons. A time of renewal and awakening, luring you from your porch with summer’s promise, only to surprise you with a sudden downpour.
This collection of twelve songs celebrates spring in all its tempestuous, colourful yet tender beauty. These standards, carefully chosen from the 1930s to the 1970s, paint a portrait of the season in its fullest expression – from the smallest creatures and sudden rainstorms to luscious blooms and frenetic energy; from the gentle warmth of sunlight on a May morning to that exquisite melancholy of walking beneath flowering trees while gloriously, unapologetically alone.

British/Australian jazz vocalist Hetty Kate presents ‚Spring, Vol. 1‚, the opening chapter of her four-album project ‚Jazz in Four Seasons‚. Recorded across continents and seasons, the series will follow the rhythm of the calendar year through sound, place, and repertoire, drawing from classics and curios of the jazz canon. Hetty’s ‚Spring‘ was recorded in Prague, capturing the freshness and energy of the season through compositions by Duke Ellington, Tadd Dameron, Dave Brubeck, Billy Strayhorn and more. Songs that echo the first buds of the season, melodies that capture the dance of April rain.

Hetty Kate brings a warmth, pure tone and natural artistry to the jazz tradition. Compared to „a good champagne: simultaneously effervescent and restrained“ by the Sydney Morning Herald, her distinctive approach balances her respect for the lyric and audience with spontaneity and wit, with a gift for finding the story in every song.

After coming up in Melbourne’s vibrant jazz scene Hetty launched an international career that has now spanned two decades, eleven albums and 28 countries. She has performed at many international festivals including Sapporo International Jazz Festival, Jazz à Vienne, and Melbourne International Jazz Festival, and her work extends beyond the concert hall to film, television and theatre. For five years Hetty toured internationally as featured vocalist with Australian jazz luminary James Morrison AM, including his award-winning symphonic concert „The A to Z of Jazz,“ performing alongside orchestras in Europe, Asia and Australia. The live recording won a coveted Australian Jazz Bell Award for Best Traditional Album.

Praised as „one of the best swing-style singers on the current scene“ by American author and critic Will Friedwald, Hetty’s discography spans the breadth of the American songbook and beyond. Sure to be a masterful and warm evening.

Hetty Kate – Vocals
Béla Meinberg – Piano
Gur Liraz – Guitar
Lukas Traxel – Double Bass
Ugo Alluni – Drums
Hetty Kate S/W Foto©Anthony LesPetits

TONY HURDLE
«Guardians Of The Groove»
FEAT: Charles Wynn-Mike Watts-Mike Segal-Torsten Piper-Sugar Bear-Benedikt Jahnel-Dicarlo

«On this night the Guardians Of The Groove will celebrate the man and the legendary «Clubowner» Giorgio Carioti, who made the Quasimodo the number club in Germany. Giorgio gave me my first gig in Berlin,Germany(1992) and tonight we honor him with this concert.»
Tony Hurdle

Seit 1993 hat Tony Hurdle in Berlin schon einige ganz unterschiedliche musikalische Formationen zusammen gestellt. Das Spektrum reicht dabei von Jazz-Trio bis zum Bebop-Septett mit einer All-Star- Besetzung bekannt unter dem Namen «Front-Line». Zwei Jahre später, 1995, hob der aus Philadelphia, Pa. / USA stammende Ausnahme-Posaunist die «Guardians Of The Groove» aus der Taufe, mit welchen er diejenigen musikalischen Extrakte und Grundlagen nachhaltig betonen will, die uns alle dazu bringen, unsere Körper und Köpfe zu bewegen. Diesen Extrakten wurden in Europa und in den Staaten schon viele Namen gegeben, die G.O.T.G. (Guardians Of The Groove) jedenfalls bezeichnen sie genau als das, was sie sind:
F-U-N-K P-U-R-E F-U-N-K!
Die «Bewacher des des Groove» haben sich zusammengetan, um das wichtigste Element der «Funk» Music zu bewahrenund zu pflegen: den G-R-O-O-V-E. Sie zollen dabei Tribut an die großen Meister wie Brass Construction, Bill Withers, Funkadelics, Earth, Wind and Fire, den Crusaders, James Brown und natürlich Tony Hurdle.
Und sie verschmelzen den Stil der 70er Jahre mit dem blumigen Twist der 90er..Aus diesem Fundus kreierten die Guardians zusammen mit Tony Hurdle’s Original-Kompositionen ihren ganz speziellen Sound, welcher sich mittlerweile von Berlin aus rasch über ganz Europa ausbreitet.
Bewacht wird der Groove von Mike Watts, Bass, Joe Di-Carlo, Schlagzeug, Florian von Frieling und Alexey Wagner Gitarre. Geführt wird der Groove durch den All-Star-Vocalisten Charles Wynn aus New Jersey, der das auf so unnachahmliche Weise mit soviel Power tut, dass das Publikum nie genug davon kriegen kann.
Die Bläser-Fraktion, Tony Hurdle an der Posaune flankiert durch den flink-fingeringen Tenorsaxophonisten Torsten Piper und Altosaxophonisten Mike Segal die beiden sind unterhaltsam, unerschöpflicher Fundus aus messerscharfen Riffs, excellenten Soli und einem Sound, der bis an die Grenzen dessen geht, was das menschliche Ohr aufzunehmen in der Lage ist.

Tony Hurdle – Trombone
Mike Watts – Bass
Mike Segal – Alto Saxophone
Torsten Piper – Tenor Saxophone
Alexey Wagner – Guitar
Benedikt Jahnel – Piano/Keys

Dicarlo – Drums
Tony Hurdle Foto©Richard Ryals

Tobias Meinhart Quartet
«Light & Shadow»
Feat: Eden Ladin-Joe Martin-Mark Whitfield Jr

Deutsch
Der in Brooklyn lebende Saxophonist Tobias Meinhart präsentiert mit Light & Shadow ein hochkarätig besetztes New Yorker Quartett. Moderne Jazz-Kompositionen zwischen lyrischer Tiefe, Groove und freier Improvisation – intensiv, mitreißend und zeitgenössisch.

English
Brooklyn-based saxophonist Tobias Meinhart presents Light & Shadow, a New York quartet of outstanding musicians. Contemporary jazz shaped by strong melodies, groove-driven energy, and open improvisation — vivid, engaging, and unmistakably of the moment. 

Saxophonist und Komponist Tobias Meinhart zählt zu den markantesten Stimmen des zeitgenössischen Jazz. Ausgezeichnet als Rising Star im DownBeat Critics Poll, verbindet er in seiner Musik die Energie der New Yorker Szene mit europäischer Klangästhetik, erzählerischer Tiefe und einem ausgeprägten Groove- Gefühl.

Mit seinem aktuellen Projekt Light & Shadow präsentiert Meinhart ein Quartett von außergewöhnlicher musikalischer Präsenz. Pianist Eden Ladin, Bassist Joe Martin und Schlagzeuger Mark Whitfield Jr. gehören zur ersten Liga des internationalen Jazz und haben mit Künstlern wie Brad Mehldau, Kurt Rosenwinkel, Kenny Garrett oder Terence Blanchard gearbeitet. Gemeinsam entsteht eine offene, dynamische Musik, die Raum für lyrische Momente ebenso lässt wie für kraftvolle Improvisation.

Light & Shadow steht für Kontraste: klare Melodien treffen auf komplexe rhythmische Strukturen, intime Klangfarben auf urbane Energie. Das Quartett entfaltet live eine dichte, atmende Klangsprache – modern, beweglich und direkt im Kontakt mit dem Publikum. Ein Konzert, das Spannung aufbaut, Geschichten erzählt und den Jazz als lebendige Gegenwartsmusik erfahrbar macht.

„Das größte deutsche Talent am Tenorsaxophon“
JazzThing
„Unser Mann im Big Apple!“
Süddeutsche Zeitung
„Commanding!“ ★★★★
DownBeat
„An elegant Rollins-esque dialogue, packed with high-wire playing!“
Jazzwise

Tobias Meinhart – Tenorsaxophon
Eden Ladin – Piano
Joe Martin – Bass
Mark Whitfield Jr. – Schlagzeug
Photos©Mariana Meraz

RICCARDO DEL FRA
«HARD-BOP FEVER» QUINTET
Feat: Peter Weniger -Bill Petry-Tino Derado-Tobias Backhaus

Riccardo Del Fra presents a quintet that brings together brilliant, virtuosi soloists to celebrate the wonderful—and too rarely played— repertoire of the “hard bop” composers of the 1960s and 70s – Horace Silver, Benny Golson, Wayne Shorter, Art Blakey’s Jazz Messengers, Clifford Brown, the Adderley brothers, Joe Henderson …
Joyful, energetic, inspired and inspiring music!

Riccardo Del Fra
Wenn Riccardo Del Fra sich mit dem Erbe der Jazz­Legende Chet Baker beschäftigt, weiß er genau, was er tut. Der Bassist war in jungen Jahren ein gefragter Sideman, unter anderem von Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie und Art Farmer, bis er 1979 regelmäßig mit Baker zu arbeiten begann. Seither gehört die Geschichte des Trompeters Chet Baker zu den großen Lebensprojekten des seit den achtziger Jahren in Paris lebenden Italieners.

Riccardo Del Fra
When Riccardo Del Fra delves into the legacy of jazz legend Chet Baker, he knows exactly what he’s doing. In his younger years, the bassist was a sought-after sideman, playing with artists such as Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie, and Art Farmer, before beginning to work regularly with Baker in 1979. Since then, the story of trumpeter Chet Baker has been one of the major life projects of the Italian, who has lived in Paris since the 1980s.

Bill Petry – Trumpet
Peter Weniger – Saxophone
Tino Derado – Piano
Tobias Backhaus – Drums,
Riccardo Del Fra – Double Bass
Riccardo Del Fra Foto©Ducasse
Riccardo Del Fra Mit Noten Foto©Remi Photon

RICCARDO DEL FRA
«HARD-BOP FEVER» QUINTET
Feat: Peter Weniger -Bill Petry-Tino Derado-Tobias Backhaus

Riccardo Del Fra presents a quintet that brings together brilliant, virtuosi soloists to celebrate the wonderful—and too rarely played— repertoire of the “hard bop” composers of the 1960s and 70s – Horace Silver, Benny Golson, Wayne Shorter, Art Blakey’s Jazz Messengers, Clifford Brown, the Adderley brothers, Joe Henderson …
Joyful, energetic, inspired and inspiring music!

Riccardo Del Fra
Wenn Riccardo Del Fra sich mit dem Erbe der Jazz­Legende Chet Baker beschäftigt, weiß er genau, was er tut. Der Bassist war in jungen Jahren ein gefragter Sideman, unter anderem von Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie und Art Farmer, bis er 1979 regelmäßig mit Baker zu arbeiten begann. Seither gehört die Geschichte des Trompeters Chet Baker zu den großen Lebensprojekten des seit den achtziger Jahren in Paris lebenden Italieners.

Riccardo Del Fra
When Riccardo Del Fra delves into the legacy of jazz legend Chet Baker, he knows exactly what he’s doing. In his younger years, the bassist was a sought-after sideman, playing with artists such as Bob Brookmeyer, Dizzy Gillespie, and Art Farmer, before beginning to work regularly with Baker in 1979. Since then, the story of trumpeter Chet Baker has been one of the major life projects of the Italian, who has lived in Paris since the 1980s.

Bill Petry – Trumpet
Peter Weniger – Saxophone
Tino Derado – Piano
Tobias Backhaus – Drums,
Riccardo Del Fra – Double Bass
Riccardo Del Fra Mit Noten Foto©Remi Photon

JOE WEBB
«Hamstrings & Hurricanes»
FEAT: Will Sach-Sam Jesson

Pianist Joe Webb has emerged as a leading force on the global jazz scene today, captivating audiences with his exceptional talent and rockstar-like persona.
Pianist Joe Webb has fast become one of the most talked-about figures in British jazz – a musician whose combination of raw talent, charisma, and individuality has made a lasting impression on audiences worldwide.
His new album, Hamstrings & Hurricanes, released on Edition Records and shortlisted for the 2025 Mercury Prize, captures his boldest statement yet – where the pulse of 90s Brit-pop meets the lyricism of jazz piano, rooted in his Welsh heritage and love of melody. The result is vivid, rhythmic, and unmistakably his own.
Since moving from Wales to London in 2013, Joe has performed at Ronnie Scott’s, Blue Note China, Jazzwoche Burghausen, and the London Jazz Festival, while collaborations with Wynton Marsalis, Jools Holland, and Kansas Smitty’s have shown his range and versatility.

Fuelled by passion, personality, and instinct, Joe Webb continues to redefine, what it means, to be a modern jazz artist.

Joe Webb – Piano
Will Sach – Double Bass
Sam Jesson – Drums

Joel Lyssarides Trio
«Late on Earth»
Feat: Alon Near-Rasmus Blixt
ACT Music Album Release Concert

Deutsch
Für den schwedischen Piano-Shooting-Star Joel Lyssarides stehen Substanz und Tiefe stets über flashy Konzepten, Emotion und Ausdruck über schierer Virtuosität. Auch die Qualitäten seines langjährigen Trios liegen im Detail: in feinen Nuancen, filigransten Facetten von Harmonie, Groove und Dynamik, die zusammen ein musikalisches Bild entstehen lassen, das weit mehr ist als die Summe seiner Teile. Das hört und spürt man – und es dürfte genau diese Verbindung aus Können, Raffinesse und emotionaler Kraft sein, die dazu führt, dass Joel Lyssarides’ Stücke allein auf Spotify inzwischen über 100 Millionen Mal gestreamt wurden.

Und es ist vermutlich auch der Grund dafür, dass Lyssarides auf unterschiedlichsten Ebenen gefragt ist: als Begleiter von Nils Landgren, Viktoria Tolstoy u. v. m., als Pianist des e.s.t.-Tribute-Projekts rund um Dan Berglund und Magnus Öström, aber auch als Komponist für Musik zu Videospielen und Pop-Produktionen.

Sein neues Album „Late on Earth“, das am 24.4. bei ACT erscheint, ist für Joel Lyssarides das Ergebnis eines über vier Jahre andauernden Prozesses – einer intensiven Auseinandersetzung mit sich selbst und eines kontinuierlichen Austauschs mit Produzent Andreas Brandis. „Die wichtigste Veränderung im Vergleich zu früheren Aufnahmen war, dass ich einerseits bewusst über meine Grenzen hinausgegangen bin und mir gleichzeitig erlaubt habe, loszulassen und nicht mehr nach Perfektion zu streben. Denn am Ende ist es oft gerade das Imperfekte, das unsere Kunst menschlich und interessant macht.“

Imperfektion mag für Lyssarides, der oft acht Stunden am Tag am Klavier verbringt, ein relativer Zustand sein. Doch die Auseinandersetzung mit den eigenen Grenzen ist Ausdruck seiner immerwährenden Suche nach tiefempfundener, aufrichtiger Emotion – und seines ebenso tiefen Wunsches, diese mit dem Publikum zu teilen.

English
For Swedish piano rising star Joel Lyssarides, substance and depth always come before flashy concepts, emotion and expression before sheer virtuosity. The strengths of his long-standing trio are equally found in the details: in subtle nuances, the finest facets of harmony, groove and dynamics that together create a musical picture far greater than the sum of its parts. You can hear it and feel it – and it is likely this unique combination of skill, sophistication and emotional power that has led to Lyssarides’ music being streamed more than 100 million times on Spotify alone.

It is probably also the reason why Joel Lyssarides is in demand on so many different levels: as an accompanist for Nils Landgren, Viktoria Tolstoy and many others; as the pianist of the e.s.t. tribute project with Dan Berglund and Magnus Öström; and as a composer for video game music and pop productions.

His new album “Late on Earth”, to be released on ACT on April 24, is the result of a process spanning more than four years – an intense journey of self-reflection and an ongoing exchange with producer Andreas Brandis. “The most important change compared to earlier recordings was that I consciously pushed beyond my limits, while at the same time allowing myself to let go and stop striving for perfection. In the end, it is often precisely the imperfect that makes our art human and interesting.”

Joel Lyssarides – Piano
Alon Near – Double Bass
Rasmus Blixt – Drums
Joel Lyssarides Trio In Action Foto©Leo Ahmed
Joel Lyssarides Trio in red Foto©Nicolas Stankovic

THE JEREMY LEDBETTER TRIO
«GRAVITY»
FEAT: Rich Brown-Larnell Lewis
Album Presentation

„Forged in a cauldron of raging, inspiring contemporary jazz, the Jeremy Ledbetter Trio pushes the boundaries of jazz and world music, providing an undiluted display of rampaging energy and captivating musicianship. Audiences must exercise caution. People who see this band are rarely the same again. If the Jeremy Ledbetter Trio were an inanimate object it would be a runaway train.“
Canadian pianist Jeremy Ledbetter is a fiery, passionate performer whose music knows no boundaries. His compositions are wildly creative and deeply emotional. At Ledbetter’s hands, the piano roars, whispers, cries, and laughs, telling stories as only he can, evoking cinematic images in the listeners’ minds.
The Jeremy Ledbetter Trio’s second album, “Gravity”, has taken the jazz world by storm, racking up a Juno Award (Canada’s top music prize) for Jazz Album of the Year, the title “Best in Canadian Jazz” from Jazz FM91, and over a million streams worldwide. “Gravity” sees Jeremy joined by Grammy-winning drummer Larnell Lewis (Snarky Puppy) and renowned electric bassist Rich Brown (Steve Coleman’s Five Elements), who offer the perfect counterpart to Ledbetter’s iconoclastic energy at the piano.

Jeremy Ledbetter
An engaging and fiery performer whose music knows no boundaries, Canadian pianist Jeremy Ledbetter has made a career from travelling the far-flung corners of the globe in search of the most fascinating and unique musical ideas out there, then seamlessly integrating them into his work as a pianist, composer, and producer.
During his time living in Trinidad and Tobago, Jeremy became musical director to calypso icon David Rudder, a position he has now held for over two decades. His work in Venezuela brought him to the inner cirle of luminaries such as Aquiles Baez, Jorge Glem, and Eliana Cuevas. Jeremy has also recorded and performed with some of the brightest stars from Brasil (Hermeto Pascoal, Munir Hossn), Cuba, (OKAN, Daymé Arocena), and the USA (Andy Narell, Dennis Rollins). Jeremy approaches the music of other cultures with joy and curiosity, and the deepest respect.

At the piano, Ledbetter’s playing features unrelenting energy and a playful spirit. Originally trained as a classical pianist, Jeremy studied jazz performance in Toronto before embarking on over a decade of world travel where he studied, played, and produced music all over Latin America and the Caribbean. Upon his return to Canada, Jeremy formed the Caribbean jazz ensemble CaneFire to play the original music inspired by his travels. CaneFire has quickly risen to international recognition on the strength of two albums – “Kaiso Blue” (2005) and “Pandemonium” (2010), and their performances at jazz festivals the world over.

Today, Ledbetter features prominently in many of the brightest lights of Canada’s jazz and world music scenes. Jeremy is currently a regular performing member with: the Jeremy Ledbetter Trio, CaneFire, the Larnell Lewis Band, OKAN, Eliana Cuevas, David Rudder, the Joy Lapps Project, Rich Brown’s Abeng Quartet, the Elmer Ferrer Group, Schmaltz & Pepper, KC Roberts and the Live Revolution, Mark Kelso’s Jazz Exiles, Alexis Baró, and more.

“Best in Canadian jazz 2024”
JazzFM91 Toronto

“One of the best piano trios of the early 21st century”
Musica Terra, Japan

“Jeremy Ledbetter is turning the world upside down with his new album Gravity”
Music Frames, Netherlands

“Has this Festival ever booked a better band? Probably not. We’ll remember it for the rest of our lives.”
iHarstad, Norway

“The country’s premiere contemporary music trio”
A Guy We Know

Jeremy Ledbetter – Piano
Rich Brown – Bass
Larnell Lewis – Drums

Arne Jansen & Stephan Braun
«Short Stories»
Herzog Records Release Concert

Für ihre neue Einspielung gaben die beiden vielbeschäftigten Musiker Arne Jansen und Stephan Braun, die man in der Vergangenheit unter anderem an der Seite von Melody Gardot, Nils Landgren, Till Brönner, Nils Wülker, Anders Jormin oder dem Orchestra Baobab hören konnte, die Leitlinie aus: „Wir erzählen unsere eigenen Geschichten.“  „Mit dem Dire-Straits-Programm sind wir oft aufgetreten“, erzählt Gitarrist Jansen, „dabei haben wir auch eigenes Material eingestreut, da wir ja normalerweise keine Cover machen, sondern selbst komponieren. Nach den Konzerten kamen immer wieder Leute zu uns, denen diese Stücke besonders gefallen haben.“
Davon ausgehend besteht „Short Stories“ nun bis auf zwei Ausnahmen aus Stücken, die eigens für die Aufnahme geschrieben wurden. Und auch die Rollenverteilung zwischen Jansen und Braun ist eine deutlich andere als auf dem Erstling. War der Gitarrist bei der Dire-Straits-Hommage so etwas wie ein Sänger auf sechs Saiten und für die Melodien zuständig, so ist es nun auch Braun, der auf Cello und Bass die Themen vorgibt oder virtuos soliert
„Bei uns hast du diese völlige Gleichberechtigung in jeder Hinsicht“, schwärmt Braun von der Zweierkonstellation, „aufgrund der Natur unserer Instrumente können wir solistisch agieren, aber genauso gut begleiten. Dieses Geben und Nehmen ist großartig.“
Abgesehen davon, fügt der Gitarrist hinzu, handele es sich bei seinem musikalischen Gegenüber um einen Pionier des Cello-Spiels: „Er kommt aus der Klassik, denkt aber wie ein Jazz-Saxofonist und hat noch dieses Groove-Ding und den Umgang mit Effekten drauf. Da fallen mir sonst nicht so viele Cellisten ein!“ Mit dieser Meinung steht Jansen nicht allein da: US-Gitarren-Star Pat Metheny schrieb Braun schon mal eine begeisterte Fan-Mail, nachdem er dessen Cello-Videos auf YouTube gesehen hatte.
„Short Stories“ zeigt, wie meisterhaft und innovativ Jansen und Braun ihr Instrumentarium beherrschen – dank spezieller Spieltechniken und dem Einsatz von Delays, Loops und Volume-Pedals klingt das oft nach viel mehr als nur nach einem Duo.
Von dieser Lust an Kommunikation und dem Vertrauen darauf, auch die innersten Gefühle freimütig preisgeben zu können, sind die zehn Stücke auf „Short Stories“ entscheidend geprägt. Jede Komposition hat einen eigenen erzählerischen Ansatz. Mal haben die zwischen Jazz, Folk, Pop und Americana angesiedelten Storys einen dezidiert literarischen Background.

Bob Dylan erinnert an ein berühmtes Zitat von Leonard Bernstein:
„Dies wird unsere Antwort auf Gewalt sein: Musik noch intensiver, noch schöner, noch hingebungsvoller zu machen als je zuvor.“
Mit „Short Stories“ tragen Arne Jansen und Stephan Braun ihren Teil dazu bei, dass aus diesen Worten klingende Wirklichkeit wird.

Arne Jansen – Electric & Acoustic Guitar
Stephan Braun – 5-string Cello
Fotos©Joerg Steinmetz

Donny McCaslin
«Lullaby For The Lost 2026»
FEAT: Jason Lindner-Rob Mullarkey-Zach Danziger

Donny McCaslin, international gefeierter Saxophonist und einer der bedeutendsten Stimmen des zeitgenössischen Jazz, kehrt mit seiner neuen Tour „Lullaby For The Lost 2026“ auf die Bühne zurück. Bekannt geworden durch seine Zusammenarbeit mit David Bowie auf dessen letztem Album „Blackstar“, kombiniert McCaslin virtuos Jazz, Rock und elektronische Elemente zu einem eigenständigen, ausdrucksstarken Klangbild.

Schon in jungen Jahren als herausragender Saxophonist in der New Yorker Jazzszene etabliert, gewinnt Donny McCaslin dank Kollaborationen mit  Größen wie Michael Brecker und Maria Schneider zunehmend an Anerkennung. Internationale Aufmerksamkeit erlangt McCaslin durch seine zentrale Rolle auf Bowies letztem Album „Blackstar“ (2016). Sein Stil vereint zeitgenössischen Jazz mit der Energie von Rock, elektronischen Klangfarben und komplexen rhythmischen Strukturen zu einem markanten, eigenständigen Sound.

Mit der Tour „Lullaby For The Lost 2026“ bringt Donny McCaslin diese Haltung in verdichteter Form auf die Bühne und präsentiert sich als Künstler, der technische Virtuosität, emotionale Tiefe und kompositorische Offenheit selbstverständlich miteinander verbindet. Gemeinsam mit seiner Band präsentiert McCaslin sowohl neue Kompositionen als auch ausgewählte Stücke aus seinem umfangreichen Repertoire und verspricht intensive, unvergessliche Konzerterlebnisse.

«It’s a marvellous blend of smooth pop, rock drama and jubilant jazz.»
The Times

«McCaslin’s sound has outgrown the language of fusion – now fully possessing its own organic logic, emotional force and sense of wild beauty.»
TheWire

«An epic studio-driven soundscape that’s designed to blow the mind.»
BBC Music

«US saxist and former Bowie Blackstar sideman Donny McCaslin operates at the outer reaches of rock-saturated jazz intensity»
The Guardian

«Drop the needle on “Blond Crush” and turn up the volume. It’s brilliant.»
Downbeat

Donny McCaslin – SAXOPHONE
Jason Lindner – PIANO/ANALOG SYNTHESIZER AND WURLITZER
Rob Mullarkey – BASS
Zach Danziger – DRUMS

Donny McCaslin
«Lullaby For The Lost 2026»
FEAT: Jason Lindner-Rob Mullarkey-Zach Danziger

Donny McCaslin, international gefeierter Saxophonist und einer der bedeutendsten Stimmen des zeitgenössischen Jazz, kehrt mit seiner neuen Tour „Lullaby For The Lost 2026“ auf die Bühne zurück. Bekannt geworden durch seine Zusammenarbeit mit David Bowie auf dessen letztem Album „Blackstar“, kombiniert McCaslin virtuos Jazz, Rock und elektronische Elemente zu einem eigenständigen, ausdrucksstarken Klangbild.

Schon in jungen Jahren als herausragender Saxophonist in der New Yorker Jazzszene etabliert, gewinnt Donny McCaslin dank Kollaborationen mit  Größen wie Michael Brecker und Maria Schneider zunehmend an Anerkennung. Internationale Aufmerksamkeit erlangt McCaslin durch seine zentrale Rolle auf Bowies letztem Album „Blackstar“ (2016). Sein Stil vereint zeitgenössischen Jazz mit der Energie von Rock, elektronischen Klangfarben und komplexen rhythmischen Strukturen zu einem markanten, eigenständigen Sound.

Mit der Tour „Lullaby For The Lost 2026“ bringt Donny McCaslin diese Haltung in verdichteter Form auf die Bühne und präsentiert sich als Künstler, der technische Virtuosität, emotionale Tiefe und kompositorische Offenheit selbstverständlich miteinander verbindet. Gemeinsam mit seiner Band präsentiert McCaslin sowohl neue Kompositionen als auch ausgewählte Stücke aus seinem umfangreichen Repertoire und verspricht intensive, unvergessliche Konzerterlebnisse.

«It’s a marvellous blend of smooth pop, rock drama and jubilant jazz.»
The Times

«McCaslin’s sound has outgrown the language of fusion – now fully possessing its own organic logic, emotional force and sense of wild beauty.»
TheWire

«An epic studio-driven soundscape that’s designed to blow the mind.»
BBC Music

«US saxist and former Bowie Blackstar sideman Donny McCaslin operates at the outer reaches of rock-saturated jazz intensity»
The Guardian

«Drop the needle on “Blond Crush” and turn up the volume. It’s brilliant.»
Downbeat

Donny McCaslin – SAXOPHONE
Jason Lindner – PIANO/ANALOG SYNTHESIZER AND WURLITZER
Rob Mullarkey – BASS
Zach Danziger – DRUMS

HILA KULIK TRIO
FEAT: Marc Michel-Elam Friedlander

We are delighteted to present a concert with Award Winning Pianist & Composer Hila Kulik. We are happy that she is back after her last very succesful sold out concert at the A-Trane with standing ovations and couple of encores.

Virtuoso pianist, Hila Kulik is one of the most active performers on the worldwide Jazz scene.
Kulik, an impressive performer, is a graduate of the prestigious Jerusalem Academy, and the Aaron Copland School of Music at Queens College New York.
She has shared the stage, recorded, and toured the world with some of today’s greatest jazz musicians including: Cyrille Aimee, Antonio Hart, Wayne Tucker, Donald Harrison, and more.
The trio will present the music of her recent album “More than a change“, a presentation of her own original music, special arrangements, influenced by Swing, Jazz, and Soul along with hints of middle eastern rhythms and classical harmony.
Kulik will share the stage with two of the greatest musicians in the world Jazz Scene.

Iiro Rantala New Trio
«TRINITY»
ACT MUSIC ALBUM RELEASE
FEAT: Kaisa Mäensivu-Morten Lund

In the world of jazz, mastering the standards is an essential part of every jazz student’s education. I experienced this myself back in the 90s while studying at the prestigious Manhattan School of Music. Now, thirty years later, I have decided to bring this timeless repertoire finally to the stage. My inner voice whispered to me, „Iiro, now is the time!“ On bass, I selected Kaisa Mäensivu, a passionate artist living in New York City who immerses herself in this style of jazz and performs regularly in the scene. For the drums, I chose Morten Lund, a talented musician who truly understands the American jazz tradition. I invite you to join us in exploring the world of standards and to enjoy these timeless melodies tonight at the A-Trane.

«Most jazz records are made in studios with perfect acoustics. Ours was made in a French château surrounded by vineyards. And the acoustics were perfect too.
The atmosphere was as rich and complex as the region’s finest vintages—a setting, unlike any other for a jazz session.
Morten Lund, Kaisa Mäensivu, and I—each an artist in our own right—had never shared a stage before that day. And yet, in that moment, something clicked. Under the high ceilings of the château, surrounded by barrels of aging wine, we reached into the Great American Songbook and pulled out something fresh, alive, and new.
We love these tunes. They’re like perfect little stories packed into 32 bars. The jazz standards are our roots. These Broadway and Hollywood melodies are the songs that shaped this music—and we wanted to give them our voice, here and now.
Also included on the album are two French songs—a lovely idea from our producer, Andreas Brandis. Hymne à l’Amour is a song I’ve known since childhood. The lullaby Fais dodo, Colas mon p’tit frère is familiar only to French people, but I think we captured a beautiful version of it.
My deepest thanks to Thomas Duroux, who so graciously opened his fabulous Château Palmer to us. Merci beaucoup, Andreas, for the idea of recording standards—you brought a fantastic vibe to the château-studio.
I also want to thank Floriane Schroetter for organizing everything so smoothly. And it was wonderful to have Mr. Jazz in France, Alex Dutilh, on board. You shared so many incredible stories during meals and car rides—I now have enough jazz stories to last a lifetime.
Tusen Tack för Kaisa and Morten. Your groove was even better than I could have imagined.»
Iiro Rantala quote about the idea and realization of his new Trinity project

«Eine bezaubernde, großartige Darbietung und eines der besten Alben dieses Jahres.»
The Ear / Great Britain

Iiro Rantala – Piano
Kaisa Mäensivu – Bass
Morten Lund – Drums
Fotos©Yann Rabanier

Iiro Rantala New Trio
«TRINITY»
ACT MUSIC ALBUM RELEASE
FEAT: Kaisa Mäensivu-Morten Lund

In the world of jazz, mastering the standards is an essential part of every jazz student’s education. I experienced this myself back in the 90s while studying at the prestigious Manhattan School of Music. Now, thirty years later, I have decided to bring this timeless repertoire finally to the stage. My inner voice whispered to me, „Iiro, now is the time!“ On bass, I selected Kaisa Mäensivu, a passionate artist living in New York City who immerses herself in this style of jazz and performs regularly in the scene. For the drums, I chose Morten Lund, a talented musician who truly understands the American jazz tradition. I invite you to join us in exploring the world of standards and to enjoy these timeless melodies tonight at the A-Trane.

«Most jazz records are made in studios with perfect acoustics. Ours was made in a French château surrounded by vineyards. And the acoustics were perfect too.
The atmosphere was as rich and complex as the region’s finest vintages—a setting, unlike any other for a jazz session.
Morten Lund, Kaisa Mäensivu, and I—each an artist in our own right—had never shared a stage before that day. And yet, in that moment, something clicked. Under the high ceilings of the château, surrounded by barrels of aging wine, we reached into the Great American Songbook and pulled out something fresh, alive, and new.
We love these tunes. They’re like perfect little stories packed into 32 bars. The jazz standards are our roots. These Broadway and Hollywood melodies are the songs that shaped this music—and we wanted to give them our voice, here and now.
Also included on the album are two French songs—a lovely idea from our producer, Andreas Brandis. Hymne à l’Amour is a song I’ve known since childhood. The lullaby Fais dodo, Colas mon p’tit frère is familiar only to French people, but I think we captured a beautiful version of it.
My deepest thanks to Thomas Duroux, who so graciously opened his fabulous Château Palmer to us. Merci beaucoup, Andreas, for the idea of recording standards—you brought a fantastic vibe to the château-studio.
I also want to thank Floriane Schroetter for organizing everything so smoothly. And it was wonderful to have Mr. Jazz in France, Alex Dutilh, on board. You shared so many incredible stories during meals and car rides—I now have enough jazz stories to last a lifetime.
Tusen Tack för Kaisa and Morten. Your groove was even better than I could have imagined.»
Iiro Rantala quote about the idea and realization of his new Trinity project

«Eine bezaubernde, großartige Darbietung und eines der besten Alben dieses Jahres.»
The Ear / Great Britain

Iiro Rantala – Piano
Kaisa Mäensivu – Bass
Morten Lund – Drums
Fotos©Yann Rabanier

Ania Szarmach
«One Soul Night Only»
Feat: Kelvin Sholar-Charis Karantzas-Ben Jud-Brian Sauls

«I’m inviting you to a special evening of soul and r’n’b classics, that could uplift your mood before summertime. I am very happy to be back at the A-Trane to present you my music. I can’t wait to see you all there. With the band i am bringing, it is going to be great!»
Ania Szarmach

Über Ania Szarmach
Ania Szarmach ist eine Musikerin, Sängerin, Komponistin, Texterin und Produzentin. Sie absolvierte die Gesangsabteilung der Abteilung für Jazz- und Unterhaltungsmusik an der Musikakademie in Katowice. Ihre Stimme ist als Hintergrundstimme in Dutzenden von Schallplatten polnischer Sänger und Musiker zu hören. Parallel dazu ging sie ihren ganz individuellen, eigenständigen musikalischen Weg. Sie veröffentlichte vier Alben – Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), Shades of Love (2016).
Sie wurde dreimal zusammen für die Fryderyk Awards (2006, 2010) und zweimal für Super Jedynka (2007) nominiert. 2013 begann Ania ihre künstlerische Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Soul- und Jazzmusiker Frank McComb. Daraus entstanden ihre gemeinsamen Konzerte zwischen 2013 und 2016. Die Musik von Ania Szarmach ist eine Kombination aus vielen Stilrichtungen – Soul, Jazz, R’n’B, Clubmusik.
An ihren Projekten nahmen exzellente Jazz- und Popmusiker aus Polen und der Welt teil, wie Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David „Fingers“ Haynes, Frank McComb uva. Sie spielt ihre Konzerte auch in Polen und im Ausland.

About Ania Szarmach
Ania Szarmach is a Musician, singer, composer, lyricist, and producer. She graduated from the vocal department of the Jazz and Popular Music division at the Academy of Music in Katowice. Her voice can be heard as a backing vocalist on dozens of records by Polish singers and musicians. Alongside this, she pursued her own unique and independent musical path. She has released four albums: Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), and Shades of Love (2016).
She has been nominated three times for the Fryderyk Awards (2006, 2010) and twice for the Super Jedynka Award (2007). In 2013, Ania began her artistic collaboration with American soul and jazz musician Frank McComb. This collaboration resulted in their joint concerts between 2013 and 2016. Ania Szarmach’s music is a combination of many styles – soul, jazz, R&B, and club music.
Her projects have involved excellent jazz and pop musicians from Poland and around the world, such as Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David “Fingers” Haynes, Frank McComb, and many others. She also performs concerts in Poland and abroad.

Ania Szarmach – Vocal
Kelvin Sholar – Piano/Keyboards
Charis Karantzas – Guitar
Ben Jud – Bass
Brian Sauls – Drums

Eva Kruse
«New Legend»
FEAT: Tjadina Wake-Walker-Uwe Steinmetz-Christian Jormin-Eric Schaefer

Für ihre vorigen Alben In Water und On The Mo erhielt Eva Kruse viel Lob und Anerkennung. 2015 und 2017 wurde sie mit dem (von einer Jury vergebenen) Jazz-Echo als beste Bassistin national ausgezeichnet. Im NDR (Jazz-Album der Woche) konstatierte Mauretta Heinzelmann: „Die Oboe im Jazz ist selten: Ein reiner Klang, der die Ohren öffnet und zweistimmig mit Saxofon in ganz neue Räume führt. Diese Aufbruchstimmung prägt das ganze Album On the Mo […] Eva Kruse spielt ihre Stärken – die Poesie, den Groove und die Freiheit – gemeinsam mit ihren Bandmitgliedern in alle Richtungen noch weiter aus.“ Ralf Dombrowski bezeichnete Kruses Musik in der BR-Sendung All that Jazz als „stimmungsvoll und eigensinnig pointiert“, Norbert Krampf nannte sie im Journal Frankfurt „Kammerjazz mit Profil und Energie“.

Seitdem hat das Quintett um Eva Kruse bei Festivals (u.a. Elbjazz, Jazz Baltica, Basel Jazzfest, BMW-Jazz Award) und in allen namhaften Clubs das Publikum begeistert. Zwischenzeitlich war Kruse auch als Bassistin von Nils Landgren unterwegs, mit dem sie seit 2007 arbeitet. Mindestens ebenso vielen Menschen dürften Kruse als Drittel der von ihr gegründeten Erfolgsband Trio [em] mit Michael Wollny und Eric Schaefer in Erinnerung geblieben sein, wo sie von 2002 bis 2013 als Tieftönerin und Komponistin aktiv war.

New Legend heißt das neue Werk, das Eva Kruse mit ihrem markanten Quintett im März 2020 im Svenska Grammofonstudion, Göteborg eingespielt hat. Über die Jahre ist die Formation zu einem Organismus mit einer gemeinsamen, individuellen Klangsprache zusammengewachsen. Interaktionen klingen nun noch lebendiger, Klangfarben noch nunacierter, gezielte Reibungen feiner aufeinander abgestimmt. Das dichtere Zusammenspiel erzeugt ein stärkeres Live-Gefühl, gleichzeitig treten die Stärken der Persönlichkeiten klarer zutage. Tjadina Wake-Walker erweitert ihre virtuose, klassisch geschulte Tongebung um subtile Improvisationen, Uwe Steinmetz‘ Pirouetten auf Sopran- und Altsaxophon verschlingen sich bisweilen so eng mit der Oboe, dass die Instrumente kaum mehr auseinander zu halten sind. In anderen Passagen entwickelt der sensible Saxophonist kraftvolle Steigerungen, deren unmittelbarer Ausdruck spannende Kontraste zu lyrischen Passagen bildet. Wie Steinmetz tritt auch Pianist Christian Jormin viel in Kirchen auf, beide wissen also um die Wirkung von ausgesuchten, gezielt gesetzten Noten. Als Schwede ist Jormin zudem in der traditionellen und spirituellen Musik Skandinaviens verwurzelt, sein feinfühliges Spiel trägt darüber hinaus typisch nordländische, von langen dunklen Wintern und dünn besiedelten Landschaften gespeiste Züge.
Der Albumtitel, New Legend, versteht sich als Synonym für neue Erzählungen. Kruse denkt dabei an neue Abschnitte im Leben, möglicherweise auch an politische und gesellschaftliche Zäsuren. Ihre Kompositionen reflektieren Ereignisse und Erlebnisse aus dem privaten Umfeld. „Mit der Musik erzähle ich Geschichten, die mir wirklich am Herzen liegen.“ Viele Titel gehen dank hintergründig schöner Melodien und/oder mitreißender Grooves gut ins Ohr. Die bemerkenswerte Spannweite der CD bündelt das Titelstück zum Auftakt: es reicht vom zarten Oboen-Intro über melodische Linien der Bläser, die von Eric Schaefers agilem Schlagzeug befeuert werden, zu Soli von Saxophon, Bass und Klavier, um schließlich in einem jubilierenden Finale zu kulminieren. Das folgende Passacaglia vermittelt u.a. durch gestrichenen Bass, lyrische Oboenmelodie und einen gemäßigten 3/4-Takt tiefgründige Atmosphäre. Still On The Mo (Der Hahn ist tot) ist dagegen nicht nur wegen seines Titel das humorvollste Stück des Albums. „Ich mag sehr unterschiedliche Musik und schnelle Wechsel“, erklärt Eva Kruse die Vielfalt ihres neuen Repertoires. New Legend begeistert mit variablen Klangfarben, Stimmungen und Tempi, die zusammen ein ausdrucksstarkes und eindrückliches Gesamtbild erzeugen.

Eva Kruse – Double Bass, Compositions
Tjadina Wake-Walker: – Oboe
Uwe Steinmetz – Alto & Soprano Ssaxophones
Christian Jormin – Piano
Eric Schaefer – Drums
Fotos©Magnus Bergstrom

Lily Dahab
BAJO UN MISMO CIELO
«Colorful Latin American Music Weekend»

Mit neuen Songs öffnet Lily Dahab diesmal weiter den Fächer der farbenfrohen lateinamerikanischen Musik, nicht nur die ihrer Heimat Argentiniens, sondern diesmal auch die Rhythmen der Nachbarländer Peru, Venezuela, Mexiko und Chile…, die auf ihrem nächsten Album zu hören sein werden.
Mit ihrer Band und Orchester hat sie mittlerweile schon zweimal den Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausverkauft.
Die charismatische Sängerin aus Buenos Aires spielt mit ihrer multinationalen Band großartige Lieder aus ihrer Heimat, aus Brasilien, Uruguay und Spanien, Klangfarben aus Tango, argentinischer Folklore, Samba, Flamenco und Bossa Nova, immer in ihrer einzigartigen Weise mit dem Jazz und ihren Originals verknüpft.
Durch ihre 3 Alben und in über 310 Konzerten haben sich Lily Dahab und ihr Quartett eine große Fangemeinde erspielt – denn die ist fasziniert von dieser tiefempfundenen Vokalkunst, die alle Facetten von funkelnder Leidenschaft bis zu inniger Melancholie in sich trägt.

„Wenn Lily Dahab singt, strahlt der Himmel“
jazzthetik
„Da schwingt ganz Buenos Aires mit und zaubert beim Hören ein Lächeln ins Gesicht.“
MDR
„Wenn diese Musik Mainstream wäre, wäre das Land, in dem wir leben ein weit besseres!»
Schall Musikmagazin