TONY HURDLE
«Guardians Of The Groove»
FEAT: Charles Wynn-Mike Watts-Mike Segal-Torsten Piper-Sugar Bear-Benedikt Jahnel-Dicarlo

«On this night the Guardians Of The Groove will celebrate the man and the legendary «Clubowner» Giorgio Carioti, who made the Quasimodo the number club in Germany. Giorgio gave me my first gig in Berlin,Germany(1992) and tonight we honor him with this concert.»
Tony Hurdle

Seit 1993 hat Tony Hurdle in Berlin schon einige ganz unterschiedliche musikalische Formationen zusammen gestellt. Das Spektrum reicht dabei von Jazz-Trio bis zum Bebop-Septett mit einer All-Star- Besetzung bekannt unter dem Namen «Front-Line». Zwei Jahre später, 1995, hob der aus Philadelphia, Pa. / USA stammende Ausnahme-Posaunist die «Guardians Of The Groove» aus der Taufe, mit welchen er diejenigen musikalischen Extrakte und Grundlagen nachhaltig betonen will, die uns alle dazu bringen, unsere Körper und Köpfe zu bewegen. Diesen Extrakten wurden in Europa und in den Staaten schon viele Namen gegeben, die G.O.T.G. (Guardians Of The Groove) jedenfalls bezeichnen sie genau als das, was sie sind:
F-U-N-K P-U-R-E F-U-N-K!
Die «Bewacher des des Groove» haben sich zusammengetan, um das wichtigste Element der «Funk» Music zu bewahrenund zu pflegen: den G-R-O-O-V-E. Sie zollen dabei Tribut an die großen Meister wie Brass Construction, Bill Withers, Funkadelics, Earth, Wind and Fire, den Crusaders, James Brown und natürlich Tony Hurdle.
Und sie verschmelzen den Stil der 70er Jahre mit dem blumigen Twist der 90er..Aus diesem Fundus kreierten die Guardians zusammen mit Tony Hurdle’s Original-Kompositionen ihren ganz speziellen Sound, welcher sich mittlerweile von Berlin aus rasch über ganz Europa ausbreitet.
Bewacht wird der Groove von Mike Watts, Bass, Joe Di-Carlo, Schlagzeug, Florian von Frieling und Alexey Wagner Gitarre. Geführt wird der Groove durch den All-Star-Vocalisten Charles Wynn aus New Jersey, der das auf so unnachahmliche Weise mit soviel Power tut, dass das Publikum nie genug davon kriegen kann.
Die Bläser-Fraktion, Tony Hurdle an der Posaune flankiert durch den flink-fingeringen Tenorsaxophonisten Torsten Piper und Altosaxophonisten Mike Segal die beiden sind unterhaltsam, unerschöpflicher Fundus aus messerscharfen Riffs, excellenten Soli und einem Sound, der bis an die Grenzen dessen geht, was das menschliche Ohr aufzunehmen in der Lage ist.

Tony Hurdle – Trombone
Mike Watts – Bass
Mike Segal – Alto Saxophone
Torsten Piper – Tenor Saxophone
Alexey Wagner – Guitar
Benedikt Jahnel – Piano/Keys

Dicarlo – Drums
Tony Hurdle Foto©Richard Ryals

Hetty Kate
Jazz in Four Seasons
Album Release Concert «SPRING»

This is the first volume of ‚Jazz in Four Seasons‘, my four-album series exploring the seasons across different cities and cultures.

We begin with Spring – the most hopeful and capricious of seasons. A time of renewal and awakening, luring you from your porch with summer’s promise, only to surprise you with a sudden downpour.
This collection of twelve songs celebrates spring in all its tempestuous, colourful yet tender beauty. These standards, carefully chosen from the 1930s to the 1970s, paint a portrait of the season in its fullest expression – from the smallest creatures and sudden rainstorms to luscious blooms and frenetic energy; from the gentle warmth of sunlight on a May morning to that exquisite melancholy of walking beneath flowering trees while gloriously, unapologetically alone.

British/Australian jazz vocalist Hetty Kate presents ‚Spring, Vol. 1‚, the opening chapter of her four-album project ‚Jazz in Four Seasons‚. Recorded across continents and seasons, the series will follow the rhythm of the calendar year through sound, place, and repertoire, drawing from classics and curios of the jazz canon. Hetty’s ‚Spring‘ was recorded in Prague, capturing the freshness and energy of the season through compositions by Duke Ellington, Tadd Dameron, Dave Brubeck, Billy Strayhorn and more. Songs that echo the first buds of the season, melodies that capture the dance of April rain.

Hetty Kate brings a warmth, pure tone and natural artistry to the jazz tradition. Compared to „a good champagne: simultaneously effervescent and restrained“ by the Sydney Morning Herald, her distinctive approach balances her respect for the lyric and audience with spontaneity and wit, with a gift for finding the story in every song.

After coming up in Melbourne’s vibrant jazz scene Hetty launched an international career that has now spanned two decades, eleven albums and 28 countries. She has performed at many international festivals including Sapporo International Jazz Festival, Jazz à Vienne, and Melbourne International Jazz Festival, and her work extends beyond the concert hall to film, television and theatre. For five years Hetty toured internationally as featured vocalist with Australian jazz luminary James Morrison AM, including his award-winning symphonic concert „The A to Z of Jazz,“ performing alongside orchestras in Europe, Asia and Australia. The live recording won a coveted Australian Jazz Bell Award for Best Traditional Album.

Praised as „one of the best swing-style singers on the current scene“ by American author and critic Will Friedwald, Hetty’s discography spans the breadth of the American songbook and beyond. Sure to be a masterful and warm evening.

Hetty Kate – Vocals
Béla Meinberg – Piano
Gur Liraz – Guitar
Lukas Traxel – Double Bass
Ugo Alluni – Drums
Hetty Kate S/W Foto©Anthony LesPetits

ERNST BIER NEW TRIO
«TRIPLE»
FEAT: Christian Müller-Tal Arditi

Deutsch
Triple ist ein neues Bandprojekt vom Schlagzeuger Ernst Bier, entstanden vor 2 Monaten im A-Trane.
Im Februar spielten der  Gitarrist Tal Arditi, der Bassist Christian Müller und Ernst Bier zum ersten Mal im Little Shop of Jazz von Ernst miteinander.
Die Chemie zwischen den Musikern stimmte sofort und das Publikum war sehr begeistert.
Das veranlasste die Musiker dazu ein neues Trio zu gründen und hier sind sie noch einmal „back by popular demand“!
Lassen Sie sich mitreißen von der ungeheuren Spiellaune dieser exzellenten Musiker. Sie leben mit und durch ihre Musik, eine Tatsache, die sie ausnahmslos mit viel Freude an die Zuhörer weitergeben.

Tal Arditi ist ein israelischer, in Berlin lebender Jazz-Gitarrist und Komponist. Anerkannt als junges Gitarrenwunder, begann Tal im Alter von 16 Jahren mit dem Studium im prestigeträchtigen „Jazzinstitut“ – Programm der „Rimon Music University“. Im Alter von 18 Jahren schloss er auf der renommierten Rimon School of Music in Ramat Hasharon in der Nähe von Tel Aviv erfolgreich mit einem Jazz-Diplom ab und beschloss nach Berlin zu ziehen.
In Berlin wurde Tal Arditi schnell zu einem der gefragtesten Musiker in der internationalen und lokalen Jazzszene und begann, regelmäßig in Clubs in ganz Europa sowie auf Festivals wie dem Umbria Jazz-Festival, dem Xjazz Festival, dem Red Sea Festival, dem Fusion Festival oder dem Open Air Keintal zu spielen.

Christian Müller ist Bassist und Komponist, der nach den Stationen Hamburg und Amsterdam, seit 2019 den Mittelpunkt seines Schaffens nach Berlin verlegt hat. Er studierte an der HfMT Hamburg sowie am Conservatorium van Amsterdam. Parallel dazu wurde er ins Bundesjazzorchester (BujazzO) unter der Leitung von Niels Klein und Jiggs Whigham aufgenommen. Konzertreisen führten ihn auf Bühnen in- und außerhalb Deutschlands. Unter anderem: Elbjazz-Festival (DE), Jazz Baltica-Festival(DE), Jazzkaar Festival (EST), Borneo Jazz Festival (MYS). In der Vergangenheit spielte er mit: John Schröder, Tony Malaby, Gilad Hekselmanm Seamus Blake, Marcio Doctor, Wanja Slavin, Ensemble Resonanz und noch vielen weiteren fabelhaften Musikerinnen. Christians Arbeit als Sideman ist auf mehreren Alben mit diversen Projekten dokumentiert. Ende 2025 kam sein Debütalbum „Golden Gloom“ heraus, welches ausschließlich Eigenkompositionen enthält.

Ernst Bier studierte Schlagzeug bei Billy Brooks, Charlie Persip, Vernell Fournier und Elvin Jones. Von 1983-1987 lebte und arbeitete er in NY-City. Nach seiner Rückkehr aus den Staaten lebte Ernst zunächst bei Köln und dann ab 1992 in Berlin. Die Liste der Musiker, mit denen er gearbeitet hat, liest sich wie ein Who’s Who des Jazz. Mit seinem einfühlsamen Spiel, seiner Hingabe und seiner konstruktiven Art hat er sich zu einem hochgeschätzten und gefragten Schlagzeuger entwickelt.

English
Triple is a new band project by drummer Ernst Bier, formed two months ago at the A-Trane jazz club.
In February, guitarist Tal Arditi, bassist Christian Müller, and Ernst Bier played together for the first time in Ernst’s Little Shop of Jazz.
The chemistry between the three musicians clicked immediately, and the audience was thrilled.
This prompted the musicians to form a new trio, and here they are again, “back by popular demand”!
Let yourself be swept away by the incredible energy of these excellent musicians. They live with and through their music, a passion they consistently share with their audience with great joy.

Tal Arditi is an Israeli jazz guitarist and composer living in Berlin. Recognized as a young guitar prodigy, Tal began studying at the prestigious “Jazz Institute” program at Rimon Music University at the age of 16. At the age of 18, he successfully graduated with a jazz diploma from the renowned Rimon School of Music in Ramat Hasharon near Tel Aviv and decided to move to Berlin.
In Berlin, Tal Arditi quickly became one of the most sought-after musicians on the international and local jazz scene and began playing regularly in clubs throughout Europe as well as at festivals such as the Umbria Jazz Festival, the Xjazz Festival, the Red Sea Festival, the Fusion Festival, and the Open Air Keintal.

Christian Müller is a bassist and composer who, after spending time in Hamburg and Amsterdam, moved his creative center to Berlin in 2019. He studied at the HfMT Hamburg and the Conservatorium van Amsterdam. At the same time, he was accepted into the Bundesjazzorchester (BujazzO) under the direction of Niels Klein and Jiggs Whigham. Concert tours have taken him to stages in Germany and abroad. Among others: Elbjazz Festival (DE), Jazz Baltica Festival (DE), Jazzkaar Festival (EST), Borneo Jazz Festival (MYS). In the past, he has played with John Schröder, Tony Malaby, Gilad Hekselman, Seamus Blake, Marcio Doctor, Wanja Slavin, Ensemble Resonanz, and many other fabulous musicians. Christian’s work as a sideman is documented on several albums with various projects. At the end of 2025, his debut album “Golden Gloom” was released, which contains exclusively his own compositions.

Ernst Bier studied percussion with Billy Brooks, Charlie Persip, Vernell Fournier, and Elvin Jones. From 1983 to 1987, he lived and worked in New York City. After returning from the United States, Ernst first lived near Cologne and then, from 1992, in Berlin. The list of musicians he has worked with reads like a who’s who of jazz. With his sensitive playing, dedication, and constructive approach, he has become a highly regarded and sought-after drummer.

Tal Arditi – Guitar
Christian Müller – Bass
Ernst Bier – Drums

JACOB KARLZON
«QUESTAR»
FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ

Musik für den inneren Film
Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise.
Entstanden aus dem Wunsch, neue Klänge und Settings zu erkunden, verbindet QUESTAR tiefe Grooves und fließende Rhythmen mit nordischen Klanglandschaften, die Grenzen überschreiten. Die Musik schafft offene, sich ständig verändernde Landschaften, in denen jedes Konzert auf seine eigene Weise stattfindet.
Hier erweitern sich Melodie und Harmonie wie ein weiter Horizont, wo Komposition auf Improvisation trifft, Akustik und Elektronik sich verbinden und die Zuhörer dazu einladen, aus den Klängen ihre eigenen Bilder und Geschichten zu formen. Karlzon drückt es so aus:

„Die Stärke der Instrumentalmusik liegt darin, dass jeder seine eigenen inneren Bilder schaffen kann, basierend auf dem, was man hört, und seiner eigenen Vorstellungskraft.“
Jacob Karlzon

QUESTAR, was „Suchender“ bedeutet, bietet Musik für den inneren Film, eine sanfte Einladung, an unbekannte Orte zu reisen und eine gemeinsame Atmosphäre voller Energie und Entdeckungen zu schaffen.

Jacob Karlzon
Der schwedische Jazzpianist und Komponist Jacob Karlzon wird mit den legendären Schweden Esbjörn Svensson und Jan Johansson verglichen. Karlzons Spielstil zeichnet sich durch technische Brillanz, rhythmische und harmonische Komplexität mit einem perfekten Gespür für Form aus. Seit 2012 ist er Steinway-Künstler, eine internationale Anerkennung für herausragende Leistungen. Jacob Karlzon ist immer auf der Suche nach neuen Orten, nicht nur in seiner Musik. Doch trotz seines wachsenden Ruhmes, seiner Konzerte in Europa, China und den Vereinigten Staaten und seiner Reisen in immer weiter entfernte Länder kehrt er immer wieder gerne zu seinen Wurzeln und früheren musikalischen Ideen zurück. Auch stilistisch und musikalisch ist Jacob Karlzon weit gereist: Er ist klassisch ausgebildeter Pianist, stand aber auch schon mit Größen wie Dominic Miller, Norma Winstone und Billy Cobham auf der Bühne. Mit seinen Alben „More“ und „Now“, in denen elektronische Elemente den Takt vorgeben, hat er sich einen Weg in die Welt des Heavy Metal gebahnt. Kein Wunder, dass er sich selbst lieber als „alternativen Musiker“ bezeichnet.

Mads La Cour wurde 1980 geboren und begann im Alter von 8 Jahren mit dem Trompetenspiel. 2007 wurde er zum Jazzmusiker des Jahres auf der Insel Fünen gekürt. 2008 schloss er sein Diplom am Fünener Musikkonservatorium ab – eine Reise, die auch ein sechsmonatiges Studium in Stockholm umfasste. Heute ist er Mitglied der DR Big Band und trat bereits mit Künstlern wie Sinne Eeg, Ray Pitts, Chris Potter, Kaya Brüel und anderen auf. Mads La Cour ist einer der bekanntesten Trompeter Dänemarks und garantiert Klänge von höchster Qualität.

Thobias Gabrielson ist ein schwedischer Bassist, Komponist und Multiinstrumentalist, der seit Mitte der 90er Jahre in der schwedischen Jazz- und Pop/Rock-Szene aktiv ist. Er tourte durch Skandinavien, Europa, Südafrika und Asien mit Künstlern wie Nils Landgren, Magnus Öström, Janne Schaffer, Timbuktu und Ida Sand.

Der preisgekrönte, in Istanbul geborene Schlagzeuger Robert Mehmet Ikiz begann im Alter von zwei Jahren auf den Töpfen seiner Großmutter zu spielen. Ikiz studierte von 1995 bis 1998 am Stockholmer Musikkonservatorium im Fachbereich afroamerikanische Musik. 1998 gewann er dort den jährlichen Wettbewerb und erhielt ein Stipendium für ein Studium an der Los Angeles Music Academy. Die Vielfalt der Orte, Menschen und Musikstile, denen er auf seinen Reisen begegnet ist, hat den vielfältigen Klang seines eigenen Schlagzeugstils geprägt. Ikiz trat mit Künstlern und Orchestern wie Bobby McFerrin, Joe Sample, Ivan Lins, der NDR Big Band, dem BBC Orchestra, den Berliner Philharmonikern und Barbara Hendricks auf und tourte mit ihnen. Während seiner Zeit in Südkalifornien sammelte er wertvolle Erfahrungen in der amerikanischen Jazzszene, indem er in David Ornette Cherrys Impressions Of Energy spielte, zu denen unter anderem Musiker wie Justo Almario und Ralph „Buzzy” Jones gehörten. Im Oktober 2017 erhielt Ikiz den Preis „Musiker des Jahres” vom Schwedischen Rundfunk. Der Preis heißt „Jazzkatten” und wurde zuvor noch nie an einen Schlagzeuger vergeben. Ikiz war bereits 2015 für denselben Preis nominiert worden. İkiz‘ Talent wurde von der Königlich Schwedischen Musikakademie anerkannt, als er 1999 und 2003 Auszeichnungen im Bereich Percussion und 2004 im Bereich Jazz erhielt.

„Weltklasse-Piano-Jazz“
Lira Musikmagasin

„Er hat nun den Olymp der europäischen Jazzpianisten erreicht.“
Jazzpodium

„Fesselnde Musikalität“
The Guardian

„Wie kaum ein anderer Jazzpianist beherrscht Karlzon den Spagat zwischen Einfachheit und Komplexität.“
WDR3

„Spricht durch die Tasten seines Flügels wie ein Philosoph“
Aachener Zeitung

„Karlzon schafft musikalische Freiräume“
Süddeutsche Zeitung

JACOB KARLZON – Klavier, Keyboards, Elektronik
MADS LA COUR – Trompete
THOBIAS GABRIELSON – Bass
ROBERT IKIZ – Schlagzeug, Elektronik
Foto Jacob©Mats Bäcker
Foto Ikiz©©Hans-Joachim-Maquet
Foto Mads©Hans Ulrik

JACOB KARLZON
«QUESTAR»
FEAT: MADS LA COUR-THOBIAS GABRIELSON-ROBERT IKIZ

Musik für den inneren Film
Jacob Karlzon präsentiert QUESTAR, das nächste Kapitel seiner musikalischen Reise.
Entstanden aus dem Wunsch, neue Klänge und Settings zu erkunden, verbindet QUESTAR tiefe Grooves und fließende Rhythmen mit nordischen Klanglandschaften, die Grenzen überschreiten. Die Musik schafft offene, sich ständig verändernde Landschaften, in denen jedes Konzert auf seine eigene Weise stattfindet.
Hier erweitern sich Melodie und Harmonie wie ein weiter Horizont, wo Komposition auf Improvisation trifft, Akustik und Elektronik sich verbinden und die Zuhörer dazu einladen, aus den Klängen ihre eigenen Bilder und Geschichten zu formen. Karlzon drückt es so aus:

„Die Stärke der Instrumentalmusik liegt darin, dass jeder seine eigenen inneren Bilder schaffen kann, basierend auf dem, was man hört, und seiner eigenen Vorstellungskraft.“
Jacob Karlzon

QUESTAR, was „Suchender“ bedeutet, bietet Musik für den inneren Film, eine sanfte Einladung, an unbekannte Orte zu reisen und eine gemeinsame Atmosphäre voller Energie und Entdeckungen zu schaffen.

Jacob Karlzon
Der schwedische Jazzpianist und Komponist Jacob Karlzon wird mit den legendären Schweden Esbjörn Svensson und Jan Johansson verglichen. Karlzons Spielstil zeichnet sich durch technische Brillanz, rhythmische und harmonische Komplexität mit einem perfekten Gespür für Form aus. Seit 2012 ist er Steinway-Künstler, eine internationale Anerkennung für herausragende Leistungen. Jacob Karlzon ist immer auf der Suche nach neuen Orten, nicht nur in seiner Musik. Doch trotz seines wachsenden Ruhmes, seiner Konzerte in Europa, China und den Vereinigten Staaten und seiner Reisen in immer weiter entfernte Länder kehrt er immer wieder gerne zu seinen Wurzeln und früheren musikalischen Ideen zurück. Auch stilistisch und musikalisch ist Jacob Karlzon weit gereist: Er ist klassisch ausgebildeter Pianist, stand aber auch schon mit Größen wie Dominic Miller, Norma Winstone und Billy Cobham auf der Bühne. Mit seinen Alben „More“ und „Now“, in denen elektronische Elemente den Takt vorgeben, hat er sich einen Weg in die Welt des Heavy Metal gebahnt. Kein Wunder, dass er sich selbst lieber als „alternativen Musiker“ bezeichnet.

Mads La Cour wurde 1980 geboren und begann im Alter von 8 Jahren mit dem Trompetenspiel. 2007 wurde er zum Jazzmusiker des Jahres auf der Insel Fünen gekürt. 2008 schloss er sein Diplom am Fünener Musikkonservatorium ab – eine Reise, die auch ein sechsmonatiges Studium in Stockholm umfasste. Heute ist er Mitglied der DR Big Band und trat bereits mit Künstlern wie Sinne Eeg, Ray Pitts, Chris Potter, Kaya Brüel und anderen auf. Mads La Cour ist einer der bekanntesten Trompeter Dänemarks und garantiert Klänge von höchster Qualität.

Thobias Gabrielson ist ein schwedischer Bassist, Komponist und Multiinstrumentalist, der seit Mitte der 90er Jahre in der schwedischen Jazz- und Pop/Rock-Szene aktiv ist. Er tourte durch Skandinavien, Europa, Südafrika und Asien mit Künstlern wie Nils Landgren, Magnus Öström, Janne Schaffer, Timbuktu und Ida Sand.

Der preisgekrönte, in Istanbul geborene Schlagzeuger Robert Mehmet Ikiz begann im Alter von zwei Jahren auf den Töpfen seiner Großmutter zu spielen. Ikiz studierte von 1995 bis 1998 am Stockholmer Musikkonservatorium im Fachbereich afroamerikanische Musik. 1998 gewann er dort den jährlichen Wettbewerb und erhielt ein Stipendium für ein Studium an der Los Angeles Music Academy. Die Vielfalt der Orte, Menschen und Musikstile, denen er auf seinen Reisen begegnet ist, hat den vielfältigen Klang seines eigenen Schlagzeugstils geprägt. Ikiz trat mit Künstlern und Orchestern wie Bobby McFerrin, Joe Sample, Ivan Lins, der NDR Big Band, dem BBC Orchestra, den Berliner Philharmonikern und Barbara Hendricks auf und tourte mit ihnen. Während seiner Zeit in Südkalifornien sammelte er wertvolle Erfahrungen in der amerikanischen Jazzszene, indem er in David Ornette Cherrys Impressions Of Energy spielte, zu denen unter anderem Musiker wie Justo Almario und Ralph „Buzzy” Jones gehörten. Im Oktober 2017 erhielt Ikiz den Preis „Musiker des Jahres” vom Schwedischen Rundfunk. Der Preis heißt „Jazzkatten” und wurde zuvor noch nie an einen Schlagzeuger vergeben. Ikiz war bereits 2015 für denselben Preis nominiert worden. İkiz‘ Talent wurde von der Königlich Schwedischen Musikakademie anerkannt, als er 1999 und 2003 Auszeichnungen im Bereich Percussion und 2004 im Bereich Jazz erhielt.

„Weltklasse-Piano-Jazz“
Lira Musikmagasin

„Er hat nun den Olymp der europäischen Jazzpianisten erreicht.“
Jazzpodium

„Fesselnde Musikalität“
The Guardian

„Wie kaum ein anderer Jazzpianist beherrscht Karlzon den Spagat zwischen Einfachheit und Komplexität.“
WDR3

„Spricht durch die Tasten seines Flügels wie ein Philosoph“
Aachener Zeitung

„Karlzon schafft musikalische Freiräume“
Süddeutsche Zeitung

JACOB KARLZON – Klavier, Keyboards, Elektronik
MADS LA COUR – Trompete
THOBIAS GABRIELSON – Bass
ROBERT IKIZ – Schlagzeug, Elektronik
Foto Jacob©Mats Bäcker
Foto Ikiz©©Hans-Joachim-Maquet
Foto Mads©Hans Ulrik

NIKLAS LUKASSEN
«ECHO»
Feat: ANANDA Brandao-IMMY Churchill-JONNY Mansfield

ECHO hoert zu, reflektiert und verändert sich mit jedem neuen Klang.

​Das markant instrumentierte, internationale Ensemble um Niklas Lukassen’s Kompositionen und Arrangements vermag es, gleichermassen einem flüstern Gewicht zu verleihen, sowie donnernd unvorhergesehene Wendungen einzuschlagen.​ In einer unwahrscheinlichen Kombination zwischen  Songwriter-Poesie und lebhafter Improvisation,  lässt ECHO Klanglandschaften in Text & Ton entstehen.

Mit den Londonern Immy Churchill und Jonny Mansfield, der Pariserin Ananda Brandao und Niklas Lukassen an einem hybriden Instrument zwischen Cello und Bassgitarre, hallt deren Musik über die Grenzen jedweder singulären stilistischen Ecke hinaus.

Frei in alle Himmelsrichtungen entfalten sich Geschichten, welche so fantasievoll klingen, als stammten sie von einem ECHO, welches über Höhlen und Täler in blossen Momenten eine ganze eigene Welt bereist.

ANANDA Brandao – Schlagzeug
IMMY Churchill – Gesang
NIKLAS Lukassen – Electric Basscello
JONNY Mansfield – Vibraphon

Torsten Goods-Elias Vollmer-Felix Lehrmann
Guitar Meets Hammond

Torsten Goods
Torsten Goods gilt als der „deutsche George Benson“. Das hat natürlich eine ganze Menge damit zu tun, wie der Gitarrist und Sänger phrasiert und wunderschön schnittige, blaunotige Riffs zelebriert und diese dann noch mit Unisono-Scats abrundet. Die SZ setzte sogar noch einen drauf, und vermerkte, Goods könne „Gitarre spielen wie George Benson, singen wie Frank Sinatra und komponieren wie Joe Sample“. Spätestens aber mit dem aktuellen, achten Album „Soul Deep“ hat Goods sich aus dem Schatten seiner Vorbilder herausgespielt. Zu erwarten heute ist einzigartiges Erlebnis voller tief empfundener, akustischer Stimmungsaufheller, virtuos vorgetragen. Das Rezept: Sanfter Gesang, schnelle Gitarre und  Wohlfühl-Grooves.

Elias Vollmer
Pianist und Organist Elias Vollmer, der älteste der drei Söhne, wird heute die Hammond-Orgel spielen, die legendäre Hammond B3 von 1963.
Elias Vollmer, der in Leipzig bei Jazzpionier Michael Wollny Klavier studierte, ist ebenfalls Teil des heutigen Trios und lebt in Berlin.

Felix Lehrmann
Der in Berlin lebende Schlagzeuger Felix Lehrmann zählt heute ohne jeden Zweifel zu den angesagtesten Schlagzeugern überhaupt und ist einem breitem Publikum durch seine jahrelange Tätigkeit bei Sarah Connor bekannt. Bereits im Alter von drei Jahren begann der Sohn von Michael Lehrmann Schlagzeug zu spielen. Seine Profikarriere startete er bereits mit 17 Jahren bei einer Europatournee mit Della Miles – noch während seiner Schulzeit.
Direkt nach dem Abschluss im Jahr 2004 folgte eine zweijährige Tour mit Yvonne Catterfeld.
Seit dem ist Felix Lehrmann, der 2011 bereits ein eigenes Album veröffentlicht hat, im Dienste der Musik unterwegs. Livekonzerte, Studioaufnahmen und Clinics quer über den Globus sprechen eine deutliche Sprache. Die Liste der Künstler mit denen Felix arbeiten konnte lässt sich nahezu endlos fortsetzen und zeugen von einer beeindrucken Vielseitigkeit: Namika, Aloe Blacc, Steve Vai, Cosmo Klein, The Flower Kings, Jeanette Biedermann, Marc Medlock, Jan Delay, Matthias Reim, Thomas Godoy, Eisblume, Mic Donet, Max Giesinger, Teddy Teclebrhan, Torsten Goods, Till Brönner, Jen Majura (Evanescence), Dendemann.
Das Interessanteste an Felix’ kraftvollem Spiel sind sein Style, seine Musikalität und sein Verständnis für das Instrument.
Er hat ein eigenes Projekt unter dem Namen Marriage Material, das überall einen grossen Anklang gefunden hat und sehr erfolgreich unterwegs ist.

Torsten Goods – Guitar/Vocals
Elias Vollmer – Hammond B3
Felix Lehrmann – Drums
Elias Vollmer Foto©Oliver Hochkeppel

SHALOSH
«What We Are Made Of»
ACT MUSIC Album Release Concert
FEAT: Gadi Stern-David Michaeli-Matan Assayag

Piano, Bass, Schlagzeug. Drei Instrumente, drei junge Musiker. Eine Modern Jazz Band, die für Nirvana, Brahms und The Bad Plus schwärmt. Verschiedene Stile verbinden sie mit furioser Leidenschaft: die Lautstärke des Rock und die Tanzbarkeit elektronischer Musik trifft auf die Sensibilität studierter Jazz-Musiker. Der Name der Band: SHALOSH, hebräisch für “Drei”.

«Die drei Musiker explodieren fast vor Spielfreude. Ihre extrovertierte Umsetzung des kompositorischen Materials überwältigt. Ihre melodischen Wechsel, ihr Variieren der Zeit (mehrmals innerhalb eines Stückes), ihr improvisatorischer Funkenflug lotet die Grenzen des Jazz gewaltig aus. Rockige Querverweise, östliche und afrikanische Ideen, ja selbst elektronische Erweiterungen paaren sich mit klassischer Virtuosität und energiegeladenem Jazz.»
JAZZ FIRST | JÖRG KONRAD

Deutsch:
Mit ihrem sechsten Album What We Are Made Of richtet SHALOSH den Blick nach innen und klingt dabei zugleich so weit und offen wie nie zuvor. Die Platte ist ein tiefgehendes Eintauchen in die musikalische DNA des Trios und zeichnet die Einflüsse, Instinkte und emotionalen Kräfte nach, die ihre gemeinsame Sprache über Jahre enger Zusammenarbeit und unermüdlichen Tourens geprägt haben.
Durch die Verbindung eigener Kompositionen mit mutig neu interpretierten Coverversionen bewegt sich das Album fließend zwischen rohem Groove, lyrischer Introspektion und Momenten ungezügelter Intensität. Jazz erscheint hier nicht als Genregrenze, sondern als Haltung – offen, körperlich und ständig in Bewegung – und schafft den Raum dafür, dass Elemente aus Rock, klassischer Musik und Pop ganz selbstverständlich im hochkonzentrierten Klang des Trios zusammenfinden.
Aufgenommen mit jener Unmittelbarkeit und Risikobereitschaft, die SHALOSHs Live-Auftritte auszeichnen, zeigt What We Are Made Of die Band so direkt und persönlich wie selten zuvor. Auf der Bühne wird das Material zu einem lebendigen Organismus: elastisch, volatil und zutiefst kommunikativ, getragen von der seltenen Chemie dreier Musiker, die denken, reagieren und atmen wie einer. SHALOSH präsentieren dieses neue Kapitel als kraftvolles Live-Erlebnis, das die Grenzen zwischen Konzert und kollektivem Katharsismoment verschwimmen lässt.

English
With their sixth album, What We Are Made Of (ACT, 03/2026), SHALOSH turns inward while sounding more expansive than ever. The record is a deep dive into the trio’s musical DNA, tracing the influences, instincts, and emotional forces that have shaped their shared language over years of close collaboration and relentless touring.
Blending original compositions with boldly reimagined cover versions, the album moves fluidly between raw groove, lyrical introspection, and moments of unrestrained intensity. Jazz is present not as a genre boundary but as an attitude — open, physical, and constantly in motion — allowing elements of rock, classical music, and popular song to coexist naturally within the trio’s highly focused sound.
Recorded with the immediacy and risk-taking that define SHALOSH’s live performances, What We Are Made Of captures the band at its most direct and personal. On stage, the material becomes a living organism: elastic, volatile, and deeply communicative, driven by the rare chemistry of three musicians who think, react, and breathe as one. In Berlin, SHALOSH presents this new chapter as a powerful live experience that blurs the line between concert and collective release.

Gadi Stern – Piano & Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums

SHALOSH
«What We Are Made Of»
ACT MUSIC Album Release Concert
FEAT: Gadi Stern-David Michaeli-Matan Assayag

Piano, Bass, Schlagzeug. Drei Instrumente, drei junge Musiker. Eine Modern Jazz Band, die für Nirvana, Brahms und The Bad Plus schwärmt. Verschiedene Stile verbinden sie mit furioser Leidenschaft: die Lautstärke des Rock und die Tanzbarkeit elektronischer Musik trifft auf die Sensibilität studierter Jazz-Musiker. Der Name der Band: SHALOSH, hebräisch für “Drei”.

«Die drei Musiker explodieren fast vor Spielfreude. Ihre extrovertierte Umsetzung des kompositorischen Materials überwältigt. Ihre melodischen Wechsel, ihr Variieren der Zeit (mehrmals innerhalb eines Stückes), ihr improvisatorischer Funkenflug lotet die Grenzen des Jazz gewaltig aus. Rockige Querverweise, östliche und afrikanische Ideen, ja selbst elektronische Erweiterungen paaren sich mit klassischer Virtuosität und energiegeladenem Jazz.»
JAZZ FIRST | JÖRG KONRAD

Deutsch:
Mit ihrem sechsten Album What We Are Made Of richtet SHALOSH den Blick nach innen und klingt dabei zugleich so weit und offen wie nie zuvor. Die Platte ist ein tiefgehendes Eintauchen in die musikalische DNA des Trios und zeichnet die Einflüsse, Instinkte und emotionalen Kräfte nach, die ihre gemeinsame Sprache über Jahre enger Zusammenarbeit und unermüdlichen Tourens geprägt haben.
Durch die Verbindung eigener Kompositionen mit mutig neu interpretierten Coverversionen bewegt sich das Album fließend zwischen rohem Groove, lyrischer Introspektion und Momenten ungezügelter Intensität. Jazz erscheint hier nicht als Genregrenze, sondern als Haltung – offen, körperlich und ständig in Bewegung – und schafft den Raum dafür, dass Elemente aus Rock, klassischer Musik und Pop ganz selbstverständlich im hochkonzentrierten Klang des Trios zusammenfinden.
Aufgenommen mit jener Unmittelbarkeit und Risikobereitschaft, die SHALOSHs Live-Auftritte auszeichnen, zeigt What We Are Made Of die Band so direkt und persönlich wie selten zuvor. Auf der Bühne wird das Material zu einem lebendigen Organismus: elastisch, volatil und zutiefst kommunikativ, getragen von der seltenen Chemie dreier Musiker, die denken, reagieren und atmen wie einer. SHALOSH präsentieren dieses neue Kapitel als kraftvolles Live-Erlebnis, das die Grenzen zwischen Konzert und kollektivem Katharsismoment verschwimmen lässt.

English
With their sixth album, What We Are Made Of (ACT, 03/2026), SHALOSH turns inward while sounding more expansive than ever. The record is a deep dive into the trio’s musical DNA, tracing the influences, instincts, and emotional forces that have shaped their shared language over years of close collaboration and relentless touring.
Blending original compositions with boldly reimagined cover versions, the album moves fluidly between raw groove, lyrical introspection, and moments of unrestrained intensity. Jazz is present not as a genre boundary but as an attitude — open, physical, and constantly in motion — allowing elements of rock, classical music, and popular song to coexist naturally within the trio’s highly focused sound.
Recorded with the immediacy and risk-taking that define SHALOSH’s live performances, What We Are Made Of captures the band at its most direct and personal. On stage, the material becomes a living organism: elastic, volatile, and deeply communicative, driven by the rare chemistry of three musicians who think, react, and breathe as one. In Berlin, SHALOSH presents this new chapter as a powerful live experience that blurs the line between concert and collective release.

Gadi Stern – Piano & Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums

A-TRANE PRÄSENTIERT:

ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS

HEUTE MIT: ROLAND SCHNEIDER-JONAS WESTERGAARD
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,

Facebook Andreas Schmidt

It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

ROLAND SCHNEIDER drums
ANDREAS SCHMIDT piano
JONAS WESTERGAARD bass

Christoph Titz & Band
«August Stories» Live
Album Release Concert
FEAT: Gero Körner-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido

Christoph Titz ist ein Künstler, den man nicht mehr vorstellen muss – seit vielen Jahren begleitet er uns mit faszinierenden Projekten, seinem unverwechselbar klaren Trompetenton und Kompositionen, die stets Melodie, Atmosphäre und Gefühl in einer seltenen Einheit verbinden.

Das Christoph Titz Quartett lädt ein zu einem Abend voller musikalischer Erzählkunst mit Instrumenten. Im Mittelpunkt steht das neue Album August Stories, das am 31. Oktobe 2025 erschien. Entstanden ist diese sehr persönliche Musik im August 2024 — ein Monat, den Christoph Titz allein in Berlin verbrachte. Ohne Ablenkung, nur mit Büchern, Gedanken und seiner Trompete. Aus dieser besonderen Zeit entstanden zehn Stücke, die kleine Geschichten erzählen: von Stimmungen, Begegnungen und inneren Bildern.

August Stories ist das erste rein akustische Album von Christoph Titz — Klaviertrio und Trompete, ohne Elektronik, ohne Synthesizer. Die Musik erzählt in ihrer ganz eigenen Sprache: von berührenden Balladen über atmosphärische Klanglandschaften bis zu schnellen, jazzigen Tracks voller Energie. Mal lyrisch und transparent, mal groovig und verspielt, mal virtuos und mitreißend.

Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell und unterhaltsam. Das ist die Musik von Christoph Titz & Band.

Präsentiert wird diese klangvolle Geschichtenreise von Christoph Titz gemeinsam mit seiner fantastischen Band.

Ein abwechslungsreicher Abend, an dem die Musik die Geschichten erzählt — zwischen Improvisation, Ausdruck und Spielfreude.
Neben August Stories werden natürlich auch ältere Kompositionen wie z.B. vom „Walking The Corner“ Album gespielt.

«August Stories“ ist ein zart komponiertes. poetisches Werk – intim, fragil und fokussiert, aber zualeich voller innerer Spannung. Ein Album, das einlädt sich hineinfallen zu lassen in die Klangwelt eines Monats, der zu einem besonderen Moment im Leben geworden ist.»
Jazz Fun-Jacek Brun

Christoph Titz – Trumpet / Flügelhorn
Gero Körner – Piano
Juan Camillo Villa – Contrabass/E-Bass
Alfonso Garrido – Drums / Percussion
Christoph Titz Foto©Natalia Kepesz

Christoph Titz & Band
«August Stories» Live
Album Release Concert
FEAT: Gero Körner-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido

Christoph Titz ist ein Künstler, den man nicht mehr vorstellen muss – seit vielen Jahren begleitet er uns mit faszinierenden Projekten, seinem unverwechselbar klaren Trompetenton und Kompositionen, die stets Melodie, Atmosphäre und Gefühl in einer seltenen Einheit verbinden.

Das Christoph Titz Quartett lädt ein zu einem Abend voller musikalischer Erzählkunst mit Instrumenten. Im Mittelpunkt steht das neue Album August Stories, das am 31. Oktobe 2025 erschien. Entstanden ist diese sehr persönliche Musik im August 2024 — ein Monat, den Christoph Titz allein in Berlin verbrachte. Ohne Ablenkung, nur mit Büchern, Gedanken und seiner Trompete. Aus dieser besonderen Zeit entstanden zehn Stücke, die kleine Geschichten erzählen: von Stimmungen, Begegnungen und inneren Bildern.

August Stories ist das erste rein akustische Album von Christoph Titz — Klaviertrio und Trompete, ohne Elektronik, ohne Synthesizer. Die Musik erzählt in ihrer ganz eigenen Sprache: von berührenden Balladen über atmosphärische Klanglandschaften bis zu schnellen, jazzigen Tracks voller Energie. Mal lyrisch und transparent, mal groovig und verspielt, mal virtuos und mitreißend.

Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell und unterhaltsam. Das ist die Musik von Christoph Titz & Band.

Präsentiert wird diese klangvolle Geschichtenreise von Christoph Titz gemeinsam mit seiner fantastischen Band.

Ein abwechslungsreicher Abend, an dem die Musik die Geschichten erzählt — zwischen Improvisation, Ausdruck und Spielfreude.
Neben August Stories werden natürlich auch ältere Kompositionen wie z.B. vom „Walking The Corner“ Album gespielt.

«August Stories“ ist ein zart komponiertes. poetisches Werk – intim, fragil und fokussiert, aber zualeich voller innerer Spannung. Ein Album, das einlädt sich hineinfallen zu lassen in die Klangwelt eines Monats, der zu einem besonderen Moment im Leben geworden ist.»
Jazz Fun-Jacek Brun

Christoph Titz – Trumpet / Flügelhorn
Gero Körner – Piano
Juan Camillo Villa – Contrabass/E-Bass
Alfonso Garrido – Drums / Percussion
Christoph Titz Foto©Natalia Kepesz

Sarah Jane Morris
The Sisterhood Acoustic
Feat: Tony Remy-Marcus Bonfanti-Henry Thomas

Die Jazz- und Soul-Sängerin Sarah Jane Morris hat über 15 Alben veröffentlicht und sich zu einer der größten Jazz- und Soul-Sängerinnen Großbritanniens entwickelt, seit sie in den 80er Jahren mit Bands wie The Republic, Happy End und The Communards berühmt wurde, hier vor allem mit dem Hit „Don’t Leave Me This Way“. Morris war auf vielen Communards-Titeln prominent vertreten, wobei ihre tiefe Stimmlage einen Kontrast zu Jimmy Somervilles Falsett bildete.

Mit ihrer unverwechselbaren Altstimme – kraftvoll, gefühlvoll und ausdrucksstark – bringt sie einen Abend voller akustischem Soul, Jazz und afrikanischem Blues in den Club und präsentiert Songs aus ihrer bemerkenswerten Karriere.
Bekannt für ihre emotionale Tiefe und ihre furchtlosen Geschichten, arbeitet sie weiterhin eng mit dem Gitarristen Tony Rémy zusammen und beschäftigt sich mit Themen wie Liebe, Kampf und zwischenmenschlichen Beziehungen.
Zusammen mit ihren hervorragenden Musikern verspricht dies eine bewegende Rückkehr einer der markantesten Stimmen Großbritanniens ins A-Trane zu werden.

„Eine opulente Stimme mit großem Stimmumfang und roher emotionaler Kraft, die an Nina Simone und Janis Joplin erinnert“
The Guardian

„Eine musikalische Meisterleistung. Diese neuen Songs zeigen die Bandbreite und Vielseitigkeit dieser einzigartigen Stimme. Morris ist eine fesselnde Live-Performerin“
UK Jazz News

„Mit ihrer wohlklingenden Stimme und ihrem Stimmumfang von vier Oktaven könnte Sarah Jane Morris ein Telefonbuch summen und würde dennoch begeistern“
The Standard

Sarah Jane Morris – Vocals
Tony Remy – Guitars
Marcus Bonfanti – Guitars
Henry Thomas – Bass

Mariana Zwarg Quintet
«Legacy Of Hermeto Pascoal’s Universal Music»
FEAT: Itiberê Zwarg
WITH: Mette Nadja-Johannes von Ballestrem-Igor Spalatti-Pierre Chastel

A rare musical encounter brings the Mariana Zwarg Quintet together with Itiberê Zwarg, who travels from Brazil to join the group for a special evening at A-Trane Berlin. Father and daughter meet on stage as composers, arrangers, and improvisers, presenting original music written especially for this collaboration and shaped by the shared legacy of Hermeto Pascoal’s Universal Music.

The Mariana Zwarg Quintet is one of the most innovative ensembles in today’s jazz scene, presenting a distinctive fusion of jazz and Brazilian instrumental music. Formed in 2022, the group brings together exceptional musicianship and a strong compositional voice.

Led by flutist and composer Mariana Zwarg, the quintet’s sound is shaped by sensitivity, precision, and a clear collective identity. The music draws from the rich tradition of Brazilian music, including styles like samba and forró, approached with a contemporary perspective and paired with the freedom of jazz and improvisation.

Before forming the quintet, Mariana Zwarg toured internationally with her Sexteto Universal, releasing the acclaimed album Nascentes in 2020 and performing at major festivals and concert halls across Europe and Brazil. This experience informs the quintet’s confident stage presence and focused live communication.

The evening at A-Trane unfolds as an intimate yet expansive musical conversation — intergenerational, exploratory, and alive in the moment.

Mariana Zwarg – Flutes
Mette Nadja – Voice, Percussion
Johannes von Ballestrem – Piano
Igor Spalatti – Double Bass
Pierre Chastel – Drums, Percussion, Voice
Special Guest:
Itiberê Zwarg – Bass, Voice
Mariana Zwarg Quintet Feat. Itiberê Foto©Carla Alves

A-TRANE PRÄSENTIERT:

ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS

HEUTE MIT:RUDI MAHALL-FELIX WAHNSCHAFFE-HEINRICH KÖBBERLING / special guest FINN SEEMANN
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,

Facebook Andreas Schmidt

It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

RUDI MAHALL bassclarinet
FELIX WAHNSCHAFFE alto-sax
HEINRICH KÖBBERLING drums
ANDREAS SCHMIDT piano
special guest FINN SEEMANN drums

YAKOU TRIBE
«Out Of Sight»
FEAT: Kai Brückner-Jan von Klewitz-Pepe Berns-Rainer Winch

Die seit 20 Jahren bestehende Berliner Band „YAKOU TRIBE“ hat im Frühjahr 2019 ihre nunmehr fünfte CD mit dem Titel „Out Of Sight“vorgelegt. Das Quartett um die Gitarristen Kai Brückner und den Alt-Saxophonisten Jan von Klewitz verfolgt einerseits nach wie vor die Spur des (amerikanischen) Roadmovies-Soundtracks, andererseits erweitern die Musiker ihre Reiseroute sowohl ins urbane Amerika der 50er Jahre als auch in südamerikanische Gefilde. So steuern Klewitz und der 2017 neu hinzugekommen Kontra- und E-Bassist Pepe Berns folkloristische, brasillianisch-beeinflusste und dem Jazz verpflichtete Songs und Balladen bei, während die Kompositionen Brückners und des versierten Schlagzeugers Rainer Winch dem Progressive Rock der 70er Jahre ihre Aufwartung machen.

Der Yakou Tribe wirkt frisch und neu, und dennoch steht die Band noch hundertprozentig zu der Musik, die für sie seit jeher charakteristisch ist. Brückner, von Klewitz und Co. zeichnen sich dadurch aus, dass sie für jeden Track eine neue Verabredung zwischen Kontinuität und Veränderung finden. Sie bedürfen längst nicht mehr der internationalen Vergleiche, sondern definieren ihren eigenen Markenkern: kurze, zugängliche Jazz-Songs zwischen dezenter Melancholie und unaufdringlicher Heiterkeit, die ihre eigenen Bilder entfalten. Vier Musiker, die nicht miteinander spielen, weil sie einander auf Gedeih und Verderb ausgeliefert wären, sondern weil sie gar nichts anderes wollen.
Wolf Kampmann

«Jazz Mit roten Ohren.
Jazz im Geiste des Progressive Rock der Siebziger, nur viel lockerer und virtuoser: Das famose neue Album „Out of Sight“ des Berliner Quartetts „Yakou Tribe.
Je öfter man das Album „Out of Sight“ (Traumton Records) jenes Berliner Quartetts namens Yakou Tribe hört, desto mehr drängt sich der Gedanke auf, dass sich in diesen zehn Songs ein heiteres, souveränes Spiel mit den „Hörgemeinschaften“ längst vergangener Zeiten verbirgt. Jeder von ihnen kann alles spielen, kreuz und quer durch die Genres und die Zeiten.»
Thomas Steinfeld Süddeutschen Zeitung

Kai Brückner – Gitarre
Jan von Klewitz – Alto-Saxophon
Pepe Berns – Bass
Rainer Winch – Schlagzeug
Foto©David Beecroft

Martin Wind «Gravity Trio»
«September»
Laika Records CD Release Concert
FEAT: Peter Weniger-Jonas Burgwinkel

„September“ ist kein melancholisches Herbstalbum, sondern ein Statement über Aufbruch, Wandel und Dankbarkeit. 

30 Jahre ist es her, dass Bassist Martin Wind seine Koffer packte und von Norddeutschland nach New York zog – ein Schritt, der sein Leben in jeder Hinsicht verändern sollte. Heute gehört er zu den wenigen deutschen Musikern, die sich dauerhaft im Schmelztiegel des Big Apple etabliert haben: als gefragter Bassist, Komponist und Pädagoge, geschätzt für seinen warmen, facettenreichen Sound und seine Musikalität. Mit dem Trio „Gravity“ – neben Wind der Saxofonist Peter Weniger und der Schlagzeuger Jonas Burgwinkel – hat er ein Format geschaffen, das seinem Namen alle Ehre macht.

Schon das Debütalbum „Gravity“ (2023, Laika Records) wurde international gefeiert. Das amerikanische „Downbeat Magazine“ zog gar Parallelen zu Sonny Rollins’ legendärem „Way Out West“. Nun erscheint das Nachfolgealbum „September“ – eine Produktion, die in den USA entstand und ihre emotionale Schwerkraft aus einem tief bewegenden Moment schöpft. Am Morgen des ersten Aufnahmetages starb Winds langjähriger Mentor Jim McNeely. „Sein Tod hat uns alle tief getroffen“, sagt Wind und ergänzt. „Gleichzeitig hat mich enorm beeindruckt, wie würdevoll er durch den letzten Abschnitt seines Lebens gewandert ist. Ohne Worte des Bedauerns, ohne Bitterkeit, sondern humorvoll und mit großer Dankbarkeit.“ Eine Stimmung, die auch das „Celebrating Jim McNeely“ Konzert im September dominierte, bei dem New Yorker Jazzgrößen wie der Gitarrist John Scofield auftraten.

„September“ ist ein Dialog zwischen Kontinenten, Generationen und musikalischen Temperamenten. Für die Aufnahmen stieß Winds langjähriger US-Weggefährte Scott Robinson (Tenorsaxofon & Klarinette) erstmals im Studio auf den Berliner Saxofonisten Peter Weniger. „Obwohl sie von anderen Kontinenten kommen und andere Roots haben, zeigen sie, dass sie sich perfekt ergänzen und blind miteinander harmonieren können“, beschreibt Wind den besonderen Reiz des transatlantischen Zusammentreffens. Solche Begegnungen prägen den Kosmos von „September“: melodisch, geerdet, voller Seele. Die Stücke erzählen von Bewegung, Wandel und Widerstandskraft – so wie sie auch in der Natur zu erleben sind, wenn nach dem Sommer die kräftigen Farben des Herbstes Einzug halten – eingefangen in der Komposition „Late Summer Lullaby“.

In Wenigers Opener „Dance with the Wind“ geht es um das Vertrauen in den Moment. „Der Wind lässt sich nicht bändigen, also tanze lieber mit ihm“, rät der Komponist. „Relay“ ist ein lässig rollender Stafettenlauf zwischen ihm und Scott Robinson, der den Geist des Hardbop in die Gegenwart trägt. „King of the Castle“ hat Bandleader Wind seinem Drummer Jonas Burgwinkel gewidmet, der „wie von einem Thron aus über seine Instrumente regiert“ – rhythmisch komplex, enorm groovend und doch mit einem natürlichen Flow. Der Titeltrack „September Serenade“ ist eine leise Verneigung vor dem jüngst verstorbenen Jim McNeely, während der Klassiker „Pro Zeca“ die brasilianischen Einflüsse und Musiker widerspiegelt, die Wind seit seinen Jahren in New York begleiten – unter ihnen der Drummer Duduka Da Fonseca. Der Rausschmeißer „Rugby“ entstand, nachdem sich Weniger in Irland von einer Partie des dortigen Nationalsports hatte inspirieren lassen. Das Stück entfesselt die Energie und Rauheit eines improvisierten Spiels: kantig, ungezähmt, teilweise dissonant, die Richtung wechselnd, elektrisierend.

VIDEO TRAILER ZUM KONZERT:

Peter Weniger – Tenor Saxophon
Martin Wind – Kontrabass
Jonas Burgwinkel – Drums

ADHD
«March 2026 Tour»
Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson

ADHD is on tour in Europe in March.
They will of course play songs from our newest album ADHD 9 with our standards and some new material.
They will record their 10th album in Iceland in February 2026.
The album will be released on enja/Yellowbird in October 2026.

„We will revisit our favorite club, A-Trane in Berlin with two shows on the 23. and 24th and we look forward to seeing our friends old and new at these shows.“ ADHD

ADHD ist eine Band, die sich nicht in Kategorien stecken lässt. Sie kreieren mit ihrer Musik eine akustische Landschaft, die sowohl organisch als auch elektrisch klingt und dabei Elemente aus Jazz, Rock und Folk vermischt. Bei ihre immersiven und aufregenden Konzerten schaffen sie es, das Publikum in einen Trance-ähnlichen Zustand der kollektiven Ekstase zu versetzen. Sowohl Kritiker als auch Fans loben ihre Originalität, Kreativität und Virtuosität.
Im Jahr 2024 hatten ADHD zwei neue spannende Projekte geplant und ausgeführt. Das erste davon war ein Dokumentarfilm, der die Band auf einer Reise von Island nach Berlin begleitete. Die Dokumentation beinhaltete Interviews, Behind The Scenes Eindrücken und Ausschnitten aus ihrer fünftägigen Residenz im A-Trane Jazz Club Berlin. Ausgestrahlt wurde der Film im isländischen National-Fernsehen sowie auf dem internationalen Jazz TV-Sender Singray.
Das zweite Projekt war ein Konzertfilm von ihrer grandiosen Performance im Jazz Club A-Trane Berlin. Der Film wurde auf verschiedenen Streaming Plattformen veröffentlicht.
Bisher erschienen acht Alben von ADHD bei unterschiedlichen Labels und in verschiedenen Formaten.
2024 folgte mit ADHD #9 ihr neuntes Studio Album.

“Eine Musik zwischen Miles Davis, Steeley Dan, Dr. John und Radiohead mit Spannweite zwischen melodischem und assoziativem Spiel”
VerhoovensJazz

“Ein Jazzquartett der Weltklasse”
InReykjavik

“Das Quartett aus Island ist ein Live- Phänomen. Auf der Bühne entfaltet sich der eigensinnige, verspulte und mit blindem Spielverständnis der Mitglieder vorgetragene Klang des Vierers zu etwas Magischem, Grenzenlosem, Transzendentalem”
Sounds & Books

ÓSKAR GUÐJÓNSSON – Saxophon
ÓMAR GUÐJÓNSSON – Gitarre, Pedal Steel, Bass
TÓMAS JÓNSSON – Piano, Keyboards, Organ
MAGNÚS TRYGVASON ELIASSEN – Schlagzeug
Foto©Spessi

ADHD
«March 2026 Tour»
Feat: Óskar Guðjónsson-Ómar Guðjónsson-Magnús Trygvason Eliassen-Tómas Jónsson

ADHD is on tour in Europe in March.
They will of course play songs from our newest album ADHD 9 with our standards and some new material.
They will record their 10th album in Iceland in February 2026.
The album will be released on enja/Yellowbird in October 2026.

„We will revisit our favorite club, A-Trane in Berlin with two shows on the 23. and 24th and we look forward to seeing our friends old and new at these shows.“ ADHD

ADHD ist eine Band, die sich nicht in Kategorien stecken lässt. Sie kreieren mit ihrer Musik eine akustische Landschaft, die sowohl organisch als auch elektrisch klingt und dabei Elemente aus Jazz, Rock und Folk vermischt. Bei ihre immersiven und aufregenden Konzerten schaffen sie es, das Publikum in einen Trance-ähnlichen Zustand der kollektiven Ekstase zu versetzen. Sowohl Kritiker als auch Fans loben ihre Originalität, Kreativität und Virtuosität.
Im Jahr 2024 hatten ADHD zwei neue spannende Projekte geplant und ausgeführt. Das erste davon war ein Dokumentarfilm, der die Band auf einer Reise von Island nach Berlin begleitete. Die Dokumentation beinhaltete Interviews, Behind The Scenes Eindrücken und Ausschnitten aus ihrer fünftägigen Residenz im A-Trane Jazz Club Berlin. Ausgestrahlt wurde der Film im isländischen National-Fernsehen sowie auf dem internationalen Jazz TV-Sender Singray.
Das zweite Projekt war ein Konzertfilm von ihrer grandiosen Performance im Jazz Club A-Trane Berlin. Der Film wurde auf verschiedenen Streaming Plattformen veröffentlicht.
Bisher erschienen acht Alben von ADHD bei unterschiedlichen Labels und in verschiedenen Formaten.
2024 folgte mit ADHD #9 ihr neuntes Studio Album.

“Eine Musik zwischen Miles Davis, Steeley Dan, Dr. John und Radiohead mit Spannweite zwischen melodischem und assoziativem Spiel”
VerhoovensJazz

“Ein Jazzquartett der Weltklasse”
InReykjavik

“Das Quartett aus Island ist ein Live- Phänomen. Auf der Bühne entfaltet sich der eigensinnige, verspulte und mit blindem Spielverständnis der Mitglieder vorgetragene Klang des Vierers zu etwas Magischem, Grenzenlosem, Transzendentalem”
Sounds & Books

ÓSKAR GUÐJÓNSSON – Saxophon
ÓMAR GUÐJÓNSSON – Gitarre, Pedal Steel, Bass
TÓMAS JÓNSSON – Piano, Keyboards, Organ
MAGNÚS TRYGVASON ELIASSEN – Schlagzeug
Foto©Spessi

Petter Bergander Trio
«Watershed»
Feat: Eva Kruse – Robert Ikiz

Petter Bergander Trio from Stockholm will present a fascinating performance that skilfully juggles jazz, pop and Scandinavian folklore, they released their first album „The Grand Dance“ in 2015 and have since then been touring both Sweden and Europe. Petter and Ikiz have also played together for ten years with Nils Landgren Funk Unit. Eva Kruse, who plays double bass, joined the band in 2016 and in 2019 they released the record ”Kierkegaard’s Waltz”.

On the album Watershed, which came out 2024, jazz is mixed with more modern beats and grooves. Improvisation is always at the very center. The songs and the melodies greet all kind of musiclovers and jazzlovers.

Petter Bergander about the music:
«We want to give people a crazy, exciting experience of life and zest for life. ”Watershed” is an album sprung from a troubled world and time. When I wrote the songs, I thought about events in life that can threaten to cut divides between friends or in the family, and conflicts within ourselves. The music became a way to regain the joy and the art.»

Petter Bergander – Piano
Eva Kruse: Double – Bass
Robert Ikiz – Drums

A-TRANE PRÄSENTIERT:

ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS

HEUTE MIT: ROLAND SCHNEIDER-JONAS WESTERGAARD
Special Guest: WHITE NOISE TRIO
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,

Facebook Andreas Schmidt

It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

JONAS WESTERGAARD bass
ROLAND SCHNEIDER drums
ANDREAS SCHMIDT piano
And very special guest: WHITE NOISE TRIO

Mia Knop Jacobsen
«CLOSER»
FEAT: Jeppe Holst – Raphael Jesus Braga

Mia Knop Jacobsen Trio
Das Trio bringt Musiker:innen aus Dänemark und Brasilien zusammen und präsentiert ein aktuelles Programm „CLOSER“ mit neuen Kompositionen von Mia Knop Jacobsen, ergänzt durch neu arrangierte Stücke aus früheren Projekten.
Klanglich bewegt sich das Ensemble im Spannungsfeld zwischen zeitgenössischem Songwriting, Jazz und Crossover, geprägt von feinen, harmonischen Strukturen und einem offenen, nordischen Sound. Wie der Name sagt, wird eingeladen, näher zu treten und die Musik von einer ganz neuen, intimen Note kennenzulernen.
Jacobsens Musik wurde von den Medien als „eine Mischung aus Joni Mitchell und Kate Bush mit nordischem Flair“beschrieben – eine treffende Umschreibung für ihre eigenständige Verbindung von lyrischer Tiefe und klanglicher Transparenz.

VIDEO TEASER

Mia Knop Jacobsen
Mia Knop Jacobsen ist eine preisgekrönte dänische Musikerin, Komponistin und Produzentin, die für ihren genreübergreifenden, ausdrucksstarken Gesang, ihre innovativen Kompositionen und dynamischen Produktionen bekannt ist. In ihrer über zehnjährigen Karriere hat sie internationale Anerkennung für ihre einzigartige Fähigkeit erlangt, modernen Jazz, zeitgenössischen Pop und elektronische Elemente zu einem unverwechselbaren eigenen Sound zu verschmelzen.
Sowohl als Solokünstlerin als auch in Zusammenarbeit mit anderen ist Mia weltweit aufgetreten – mit Tourneen durch Südamerika, Asien, Nordamerika und Europa. Sie stand auf renommierten Bühnen und Festivals, darunter das Jazzopen Stuttgart  (als Backgroundsängerin für Quincy Jones & Friends), das Kennedy Center for the Performing Arts (als Teil des Betty Carter Jazz Ahead-Programms), TEDx Portugal („Being Human“, ÆterLys), das Konzerthaus Berlin, das Belgrade Jazz Festival und die Deutsche Oper Berlin („Rosemarine“).
Ihre vielseitigen künstlerischen Unternehmungen umfassen unter anderem Kooperationen mit der ECM-Künstlerin Julia Hülsmann sowie interdisziplinäre Projekte mit Film. Für Film und Theater komponiert sie regelmäßig Musik, und ihr Gesang wurde bereits in Produktionen für u. a. Prime Video eingesetzt.

Im April 2024 veröffentlichte sie ihr drittes Album – das erste unter eigenem Namen – mit dem Titel EASE, das von der Presse hochgelobt wurde. Es stellt eine mutige Erkundung der Schnittstelle zwischen Pop und Jazz dar. Aus diesem Release ging auch ihr Musikvideo „Under Water“ hervor, eins der aufwendigsten Kunstwerke ihrer Karriere.

Mias Beiträge zur Musikszene wurden mit zahlreichen Auszeichnungen gewürdigt. Ihr neuestes Projekt, eine Zusammenarbeit mit Jeremy Friedman, feierte 2025 seine Premiere bei TEDx in Lissabon. Diese multidisziplinäre Performance verbindet Musik, Tanz und Film. Mia komponierte dafür die Musik und debütierte als Sprecherin im Film Being Human.
Darüber hinaus erforscht Mia weiterhin neue klangliche Landschaften durch ihre Mitwirkung an verschiedenen internationalen Projekten, in denen sie die Grenzen von Jazz und zeitgenössischer Musik erweitert und sich für mehr künstlerische sowie genreübergreifende Offenheit einsetzt.

Sie besitzt einen Bachelor in Jazz und einen Master in Komposition mit Technologie und lehrt an der Universität der Künste Berlin.

Mia Knop Jacobsen  – Vocals, Komposition
Jeppe Holst – Akustik- & E-Gitarre
Raphael Jesus Braga – E-Gitarre
Fotos© Geraldine Hutt